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GEHEIMBUND SCHWARZE LEGION
"DIE SCHWARZE NARZISSE"
Die aufregendste Zeit in der Geschichte des Films ist für mich,
als Filme mit dem Wort "schwarz" im Titel von dem
SCHWARZE PIRATEN
zu dem wurden.
Ich war nicht nur begeistert, weil sie endlich richtig beworben wurden,
sondern weil ich etwas noch nie Dagewesenes sah.
Eine Reihe von talentierten Schwarzen Menschen.
Pam Grier erstrahlt in Friday Foster,
einer frühen Comicverfilmung.
Max Juliens moderne Version eines Film noir in Straßen zur Hölle.
Charlie Russells Theaterstück "Five on the Black Hand Side" von 1969
kam vier Jahre später auf die Leinwand.
Ich gebe nur Kaugummi und harte Zeit auf!
Und ich habe keinen Kaugummi mehr.
Ich war nicht der Einzige mit der Reaktion.
ANSTURM IM KINO WEGEN "SHAFT"
Heiße Hölle Harlem.
Der Schwarze Pate.
Wenn dieser Ausbruch von Freiheit und Erfüllung so gut ankam,
und das Verlangen nie verschwand,
warum wurden diese Schwarzen Filme nicht mehr gedreht?
Meine Großmutter erzählte mir, dass Filme ihre Träume veränderten.
Sie kam aus Mississippi.
Sie sagte, dass Filme ihre Träume in Geschichten verwandelten.
Der erste Film, den sie sah, prägte sich in ihr Unterbewusstsein ein.
Es war Dracula.
Der groteske Horror und der opernhafte Klang
hielten sie eine Woche lang vom Schlafen ab.
Ich bin Dracula.
Böse Geister? Gütiger Gott! Hier sind böse Geister?
Die gibt es hier wie Sand am Meer. Und das ist nicht alles.
Was? Noch mehr?
Aber Afroamerikaner, die Angst begegnen,
wurden in Filmen auf eine unmenschliche und surreale Art dargestellt.
Wer sind sie?
Zombies.
Das zeigt auch, dass Filme, die als Klassiker gelten,
nur zu oft Schwarze Menschen enttäuschen.
Man wird sehr wahrscheinlich durch einen Moment peinlich berührt.
So wie in einem Werk von einem der Meister.
Der Meister Alfred Hitchcock folgt Klischees.
Sowie einer der angesehensten Bühnenautoren
und dem ersten Schauspieler, der bei Musicals Regie führte.
Das hinterlässt Spuren.
Orson Welles und Laurence Olivier, Riesen in Theater und Film,
benutzten Blackface und Schadenfreude
in Othello.
Ein Schloss und ein Schlüssel zu bösen Geheimnissen.
Ich konnte nie Micky Maus oder Bugs Bunny
in diesen Handschuhen sehen, ohne an Minstrel-Shows zu denken.
Was sollten wir sonst denken? Sie gingen zum Harvard Club?
Je einen Elefanten fliegen sehen?
Ich sah Fleischfliegen.
Ich sah Fruchtfliegen.
Ich sah Hausfliegen.
All das.
Das waren wohl einige Szenen,
die ins Unterbewusstsein meiner Großmutter gelangten.
Diese Fragmente und wie sie in Mississippi
als junge POC behandelt wurde, sollten ihr Eigenbild nicht schädigen.
Sie war sich dessen so bewusst, dass wir bei ihr in Hattiesburg
nicht The Andy Griffith Show anschauen durften.
Sie sagte:
"Es gibt keine Schwarzen Menschen in der Südstadt.
Was ist wohl mit ihnen passiert?"
All das kann es mir schwer machen, Filme zu lieben.
Ein Leben lang sehe ich mir Filme an, denke über sie nach und schreibe über sie.
Immer wieder schaue ich mir sie an, trotz der Missachtung, auf die man stoßt.
Diese Verringerung fühlt sich gewaltig an.
Vielleicht erklärt man so die Repräsentation am einfachsten.
Als weißer Schauspieler
bedeutet formelle Kleidung, auszugehen
und den Vergnügen des Lebens nachzugehen.
Ein Schwarzer Schauspieler trägt eine schwarze Fliege nicht zum Vergnügen.
Sie bedeutete, dass man arbeiten geht. Sie ist eine Uniform.
Nun, ich mag ein schönes Ensemble, genauso wie jeder andere,
durchaus noch mehr, aber ich war nie ein Fan von Smokings.
Vielleicht deshalb.
DAS KOMÖDIANTENSCHIFF (1929) REGISSEUR: HARRY A. POLLARD
REGISSEUR: JAMES WHALE
MISSISSIPPI-MELODIE (1951) REGISSEUR: GEORGE SIDNEY
Statt neue Rollen für Schwarze Schauspieler zu entwickeln,
fungierte das Remake von Show Boat als eine Möglichkeit,
Schwarze Künstler erneut zu präsentieren.
Die Hoffnung der Schwarzen Menschen wurde auf der Leinwand zerstört.
Es gäbe nicht genug Rollen für Schwarze Männer.
Der irreale Schönheitsstandard
garantierte jahrzehntelangen Selbsthass Schwarzer Frauen.
Da kommt sie.
Den Teil mag ich, wenn sie das mit ihren Haaren macht.
Die Rolle wurde nicht für einen Schwarzen geschrieben,
aber es tauchte ein unbeabsichtigter Kommentar
über die begehrenswertesten Haare auf.
Damit haben Schwarze Frauen heute noch zu kämpfen.
Als ich als Kind in Atlanta lebte,
gab es eine ziemlich strenge Rassentrennung.
Ich durfte keines der Kinos besuchen.
Es gab ein oder zwei "Negro"-Kinos.
Sie waren sehr klein, aber die Blockbuster liefen dort nicht.
Wenn sie sie bekamen, dann zwei Jahre, drei Jahre später.
Also gab es im Großen und Ganzen
ein sehr strenges System der Rassentrennung.
Meine Samstage verbrachte ich im Kino.
Wir sahen uns Western-Serien an.
Wie z. B. mit Lash LaRue, Gene Autry, Roy Rogers.
So etwas oder Buck Rogers, Weltraum-Zeug.
Ich war sehr an Westernfilmen interessiert.
Aus irgendeinem Grund liebte ich sie.
Gene Autry, Johnny Mack Brown und Roy Rogers
und all die Cowboy-Serien.
Also ging ich ins Los Angeles Theatre. Es war ein großer Palast wie früher.
Es war immer noch in gutem Zustand.
Ich war manchmal der Einzige dort.
Ich hatte das große Kino ganz für mich.
All das Zeug von John Ford, Monument Valley, all das.
Das begann ich zu mögen.
Ich hatte gute Geschichten gesehen.
Ich ging mit meinem Vater ins Kino.
Er nahm mich mit zu den Filmen, die er mochte.
Filme mit Leuten wie John Wayne und Steve McQueen.
Ich erinnere mich an Weint um die Verdammten.
Ich erinnere mich an Sidney Poitiers Ohrfeige.
WEINT UM DIE VERDAMMTEN REGISSEUR: RAOUL WALSH
Der Film stoppte. Sie stand da, fasste sich ans Gesicht.
Wir so: "Was war das?" Meine Mom: "Er schlug sie."
"Was? Im Ernst?"
"Das dürfen sie nicht zeigen, aber ja."
Als Filmliebhaber sieht man sich Filme an, die einen interessieren.
Erst während des Filmes merkt man:
"Keine Schwarzen Schauspieler."
Du isst dein Popcorn und denkst:
"Geht es nur mir so oder gibt es im Film keine Schwarzen Schauspieler?"
"Ja, keine Schwarzen Schauspieler." "Ok."
Wir wollen uns selbst sehen.
Irgendwie schon, ja.
Ja, denn wie ich schon sagte, als ich ein Kind war,
waren Schwarze… Es gab Stepin Fetchit.
Was soll das?
SCHAUSPIELER
Wo hast du gelernt?
Willie Best,
Alfalfa, Buckwheat, Stymie…
Dennoch wollte ich wie sie sein!
Hiya, Buckwheat.
Ich kannte kein Schwarzes Kind, das mit Weißen spielte,
geschweige denn mit ihnen Zeit verbrachte und bei ihnen zu Hause war
oder sie zu ihnen nach Hause kamen.
Bei Die kleinen Strolche hieß es: "Wow! Wo zum Teufel leben sie?"
Ich wuchs in der Rassentrennung auf.
Seitdem ich reden, laufen, sehen und Dinge verstehen konnte,
war die Welt getrennt.
Aber als ich ins Kino ging… Filme sind Fantasien.
Als ich ins Kino ging, kam ich nach Hause und wollte der Pirat sein, den ich sah.
Aber
es musste ein Schwarzer Cowboy her.
Es gibt so viele Geschichten zu erzählen.
Wir wollen mehr von uns in allen möglichen Formen sehen,
und ich denke, diese Frustration ist unter uns üblich.
Wir wollen sehen, wie wir Kinder sind oder in Science-Fiction.
Ich glaube, wie die meisten, betrachte ich Filme wie Träume.
Während ich die Filme genoss, die ich sah,
projizierte ich mich selbst auf die Leinwand
und stellte mir das vor.
Als kleines Mädchen sah ich nur Leute in Filmen,
die nicht wie ich aussahen.
Also glaubte ich nicht, dass ich Schauspielerin werden könnte.
Bis ich Harry Belafonte und Dorothy Dandridge in Carmen Jones sah.
Und als ich sie sah, sagte ich: "Oh wow!
Vielleicht könnte ich Schauspielerin werden."
Dorothy Dandridge spielte dreimal
mit dem Star in jeder Arena,
außer in der, in der er am qualifiziertesten war:
Filme.
Das war Harry Belafonte.
Ihr Talent und Temperament passte zusammen.
Nur die gewaltige Präsenz von Rassismus
überblendete ihr vielseitiges Charisma.
Deshalb sah man sie nicht öfter zusammen auf der Leinwand.
Belafontes Erfolg als Sänger entsprang seiner Ausbildung als Schauspieler.
Er erzählte mit Musik eine Geschichte.
Mit seiner außergewöhnlichen Präsenz
besaß er das Selbstbewusstsein eines Athleten
und konnte sich emotional in die Figur vertiefen.
Man konnte so sein Talent sofort sehen.
Aber er sträubte sich gegen ein System, das nicht nur nicht wusste,
wie man ihn einsetzen kann,
sondern Angst vor ihm hatte.
Deshalb benutzte man seinen Gesang in Carmen Jones nicht.
REGISSEUR: OTTO PREMINGER
1959 reagierte er darauf
mit einem Projekt mit Regisseur Robert Wise,
Schauspieler Ed Begley, der ein paar Jahre später Oscars gewann,
mit Drehbuchautor Abe Polonsky,
und dem Modern Jazz Quartet.
Wenig Chancen für morgen war etwas Besonderes damals.
Dass mir die Möglichkeit gegeben wurde, einen solchen Film zu drehen,
hat mir viel bedeutet.
WENIG CHANCEN FÜR MORGEN (1959) REGISSEUR: ROBERT WISE
Hi, Baby. Wie geht's?
Bacco will dir einen Drink kaufen. Und ich dir ein glänzendes neues Auto.
Wenig Chancen für morgen war ein unvergesslicher Film.
Der letzte Film noir seiner Ära,
der seiner Zeit voraus war, mit einem ehrlichen Blick auf Herkunft,
was bedeutet, dass er ignoriert wurde.
Belafonte wurden Rollen angeboten,
aber diese Projekte interessierten ihn nicht.
Sidney Poitier war bis dahin
der beliebteste Schwarze Mensch der Welt,
aber er war Sidney Poitier.
Er war nicht Sidney Poitier in einer Schwarzen Gemeinde
und deren Lebensumstände.
Er war Sidney Poitier
und spielte eine Schwarze Person in einem Film voller Weißen.
Als Erstes fragte ich mich: "Was macht ein Schwarzer Mann
ohne Geld und Ambitionen
plötzlich inmitten von sieben Nazi-Nonnen?"
Ich habe die Rolle abgelehnt.
Und sie boten sie Sidney an, und Sidney nahm sie an.
Der Gewinner ist Sidney Poitier.
BESTER SCHAUSPIELER - LILIEN AUF DEM FELDE
Anstatt die Rollen anzunehmen,
die die Schwarze Gemeinde nicht aussagekräftig
oder überhaupt nicht darstellte,
erschien Harry Belafonte von 1959 bis 1970 in keinem Film.
Meiner Meinung nach war er der Muhammad Ali der Filmwelt,
der in seiner besten Zeit von der Arena fernbleiben musste.
Ich bereue keine einzige Rolle, die ich nicht annahm.
Das war nicht mein Ding. Ich nahm es ihnen nicht übel.
Ich bin froh, dass andere eine Chance bekamen
und sie annahmen.
In erster Linie bin ich Künstler. Ich bin Schauspieler.
Und ich war auf der Schule mit Marlon Brando, Walter Matthau,
Rod Steiger, Tony Curtis,
mit einem Regisseur, der uns keine Gnade zeigte.
Ich werde nichts anderes tun, als das zu tun, was ich für würdig halte.
Und glücklicherweise war ich ein Riesenerfolg
auf der ganzen Welt,
weil die Welt meine Präsenz
so leidenschaftlich akzeptierte, dass niemand die Tatsache abtun konnte,
dass mit dem Ding am Horizont namens Belafonte
nicht zu spaßen ist.
Denn wenn mir jemand ein Ultimatum stellte,
sagte ich: "Scheiß drauf. Ich gehe nach Paris.
Ich werde dort wohnen, wenn ich will. Aber ich habe ein Ziel.
Es wird deine Ablehnung gegenüber mir zurückweisen."
Nur ich.
DIE WELT, DAS FLEISCH UND DER TEUFEL REGISSEUR: RANALD MACDOUGALL
Ich bin hier.
Belafontes Entschlossenheit ließ ihn von Filmen verschwinden.
Aber als die Frustration der POC wuchs,
die Bürgerrechte forderten,
hinkte die Filmindustrie hinterher.
Aus einem Zitat von Langston Hughes entstand ein Theaterstück und ein Film.
"Was passiert mit einem aufgeschobenen Traum?
Vertrocknet er wie eine Rosine in der Sonne?
Hängt er herum, wie eine schwere Bürde?
Oder explodiert er?"
Wir wurden und werden fertiggemacht.
Wir haben beschlossen, etwas dagegen zu tun!
Jahrzehnte schwerer Misshandlungen von POC
machten das 20. Jahrhundert zu einer Epoche der Revolte.
Das Gemeinwesen der 1960er Jahre erlitt fast jedes Jahr Bürgeraufstände.
1965 gab es einen in Los Angeles.
Die Watts-Unruhen hätte man voraussehen können.
Es war klar, dass das passieren und ausarten würde.
Die Polizei tötete Menschen.
Wie immer, sie terrorisieren die Gemeinde.
Wenn ich zu einer Show ging,
wusste ich, dass die Polizei mich stoppen würde.
Es war so, als ob unsere Leben
keine Rolle spielten.
1968 ging es mit Amerika bergab.
Es gab über 20 Unruhen,
von denen mehr als die Hälfte 1967 stattfanden,
auch in meiner Heimatstadt.
Recht und Ordnung sind in Detroit, Michigan, zusammengebrochen.
Eine Aufnahme von Linwood.
Es geht heißer her, als der Bürgermeister oder der Gouverneur erwartet hatten.
Revolte brach auch in Filmen aus.
In der Indie-Filmwelt.
Dort existierten Schwarze Menschen
nicht nur am Rande der Weißen.
Man bekam oft mehr als nur eine Schwarze Person zu sehen.
Und zwei von ihnen
bewiesen sich als wahre Filmstars auf der Leinwand,
was sie jedoch nicht berühmt machte.
Was tust du mit einem wie mir in so einem Laden?
Du hältst nicht viel von dir?
In einer gerechteren Welt
hätte die Anziehung zwischen Ivan Dixon und Abbey Lincoln
in Nichts als ein Mensch
zu erfolgreicheren Karrieren und Anerkennung geführt.
Davis, mit seinem reichen Talent als Sänger, Schauspieler und Showman,
war definitiv dazu in der Lage.
Er zeigte Kontrolle als sprunghafter, vergnügungssüchtiger Egozentriker
in A Man Called Adam im Jahr 1966.
Er spielte zusammen mit Cicely Tyson, Ja'Net DuBois,
und Morgan Freeman, der keinen Dialog hatte.
Er musste fast 20 Jahre auf eine Rolle warten,
in der er Status hatte und sprechen durfte.
Davis bleibt bis zum letzten Akt unverfroren,
bis er sich für den Schaden entschuldigt, den seine Figur angerichtet hat.
Ok, ich lag falsch. Ok?
Ich hätte abwarten sollen, worum es geht.
Zulassen sollen, wie sie dir eine überzieht.
Schatz, alles, was ich sah,
waren die Hände der alten Tussi an diesem Knuffi…
Adam.
Van Peebles' Darstellung Schwarzer Figuren ohne Selbstmitleid
im Art-House-Film-Stil war eine frische, neue Brise.
Studio-Filme waren im altmodischen patriarchalen Bedürfnis gefangen,
die Kultur zu formen,
statt darauf zu reagieren.
So wie die Überreste unangebrachter Musicals,
wie dieser
"tolle" Kandidat für den besten Film.
Aber das Beste im Jahre 1968 war Sidney Poitiers Transformation:
Von der Aufopferung für fehlbesetzte weiße Filmstarts
zum globalen Erfolg.
Rat mal, wer zum Essen kommt und In der Hitze der Nacht
wurden 1968 weltweit veröffentlicht,
im Jahr ihrer Nominierungen für den besten Film,
wo seine weißen Filmpartner seine großartige Intensität sahen.
Verstehen Sie mich nicht falsch.
Ich liebe Ihre Tochter. Ich würde alles für sie tun,
damit sie so glücklich ist wie am ersten Tag.
Aber ich glaube, ohne Ihre Zustimmung haben wir keine Zukunft.
Wie Mark Harris in seinem Buch Pictures at a Revolution schrieb:
"Poitier ist der größte Kassenschlager Amerikas."
Leider ist er auch ein Beispiel für die Reaktion der Entertainment-Branche
auf den Erfolg von POC.
Niemand denkt, wenn Sidney Poitier das Publikum anzieht,
könnte es ein anderer Schwarzer Mann oder eine Schwarze Frau schaffen.
Sah man damals eine Schwarze Person mit einer weißen in einem Film,
sprach man von Erwachsenenunterhaltung.
EINE KONTROVERSE
PETULA CLARK BERÜHRTE HARRY BELAFONTES ARM.
In den Medien ähnelt der Erfolg Schwarzer
dem Vorfall, einen $100 Schein in der U-Bahn zu finden.
Ein einzigartiges Phänomen.
Man schuf Filme für Elvis Presley
oder die Beatles,
deren erste Veröffentlichungen von einem Schwarzen Plattenlabel kamen.
Warum hat niemand diese Rock-Pionierinnen
für Filmkarrieren aufgesucht?
Es dauerte nicht lange, bis ein neuer Tag oder eine neue Nacht einbrach,
als Schwarze Talente am ehesten erkannt wurden.
In Indie-Filmen.
Autor und Regisseur George Romero schuf einen neuen Action-Helden,
indem er Duane Jones,
einem Schwarzen Schauspieler, eine Waffe gab.
In einem der einflussreichsten Filme aller Zeiten.
Du solltest dich beruhigen.
Ich schrie: "Johnny! Johnny, hilf mir!"
Romero bricht mit der Tradition.
Er erwähnt die Herkunft des Helden nie,
weil man die Rolle nicht für einen Schwarzen schrieb.
Ich komme wieder, um Fenster und Türen zu verbarrikadieren.
Aber du bist vorerst sicher, ok?
Ok?
Du willst den Schwarzen Mann an deiner Seite. Ja, das willst du.
Er wird dir helfen, da rauszukommen.
Wenn du ihn tötest, bist du tot.
Wir wissen, wie man rauskommt.
Wir wissen, wie wir den Zombies entkommen.
Wir wissen, wie wir den Killerpflanzen entkommen.
Egal, was hinter dir her ist, wir sind es gewohnt…
Wir wissen, wie man verschwindet.
Wie man verschwindet und andere Dinge passieren lässt.
Die Darstellung der Untoten, wie sie ihre Opfer jagen
und die barrikadierten Fenster,
erinnerten mich an die Unruhen im Fernsehen.
Nie war ein Film so voller Allegorie und Metapher,
absichtlich und unbeabsichtigt, wie Die Nacht der lebenden Toten.
In den Kopf, direkt zwischen die Augen.
Weil Jones stirbt, nachdem er die Weißen rettete,
wurde der Film von militanten Afroamerikanern ergriffen.
Es sei eine Metapher dafür, nicht bei seinesgleichen zu bleiben.
Das hörte ich von den Freunden meiner älteren Schwestern.
Guter Schuss!
Ok, er ist tot. Holen wir ihn. Noch einer fürs Feuer.
Und so grausam wie der Film selbst,
wurde er getötet und auf Leichen geworfen.
Ich habe sehr traurige Neuigkeiten für Sie alle,
und zwar, dass Martin Luther King
heute in Memphis, Tennessee, erschossen wurde.
Im Jahr der Ermordung von Dr. Martin Luther King
und nur wenige Jahre nach den Morden an Medgar Evers und Malcolm X
hatte dieser Filmtod größere Auswirkungen
als dieser Autor und Regisseur je gedacht hätte.
Der Erfolg des Films sollte das Mainstream-Interesse
an Schwarzen Schauspielern bestätigen.
Im Jahr 1968 spielte Peter Sellers eine Figur indischer Abstammung
in der Film-Satire Der Partyschreck.
Im gleichen Jahr spielte Yul Brynner Pancho Villa,
und leider spielte Woody Strode Apache.
Bei amerikanischen Spielfilmen führten stets Weiße Regie,
selbst wenn sie von Schwarzen mit Schwarzen Schauspieler handeln.
Man schließt Schwarze Regisseure aus,
obwohl Schwarze Menschen 30 % des gesamten Publikums ausmachen.
Mein Kollege, William Greaves, schloss die Produktion und Regie
seines ersten Spielfilms, Take One and Take Two, ab.
Er ist in der Endphase des Schnittes.
Hallo, nur um etwas klarzustellen,
es gab eine Reihe von Filmen von Schwarzen Spielfilmregisseuren
in den 40ern, wie Powell Lindsay, Oscar Micheaux und Bill Alexander.
Ihnen wurde der Zugang zu Hollywood verwehrt,
und ihre Filme wurden nur in Schwarzen Gemeinden gezeigt.
Einer der Mythen, die stets 1968 bis 1978 auftauchten,
als ein paar Schwarze Regisseure endlich hinter die Kamera traten,
war, dass das erstmals ihre Chance war.
Tatsache ist,
dass Afroamerikaner oft schrieben und Regie führten,
als es unüblich war
und von den Studios entmutigt wurde.
Aber die Schwarze Presse unterstützte diese Filme,
obwohl sie vom Mainstream ignoriert wurden.
Und in der stillen Ära begann Oscar Micheaux
als Autor, Regisseur und Gelegenheitsschauspieler.
Er drehte Filme für die Schwarzen Kinos.
Viele waren heruntergekommen,
weil Schwarze Filme nicht konsistent gemacht wurden,
obwohl es stets ein Schwarzes Publikum gab.
Viele Studios hatten Angst davor, Geschäfte in Deutschland zu verlieren,
bis sie 1942 von den Nazis rausgeworfen wurden.
Aber sie wollten das Geld der Afroamerikaner nicht.
Viele der Schwarzen Kinos waren Gebäude und Räume,
die in Kinos umgewandelt wurden.
Micheaux und andere Filmemacher, sogar einige Weiße,
schufen mit geringem Budget eigene Filme
und Verfilmungen populärer Bücher, für die sie nicht viel bezahlen konnten.
Die Autoren machten mit,
weil sie ihre Bücher verfilmen wollten.
Astaire spielte oft einen Diener in Filmen,
wo er oft übertrieben vor Schwarzen Schauspielern steppte.
Während Studios eine geschmacklose Mythologie
über Afroamerikaner vorantrieben,
beschloss Regisseurin Alice Guy-Blaché, etwas ganz anderes zu machen.
Im Jahr 1912 führte sie Regie in A Fool and His Money.
Der erste Film mit komplett afroamerikanischer Besetzung.
Ihre Kunst zeigte eine spielerische Anschaulichkeit
und setzte die Schauspieler nicht herab.
Sie war erfolgreich genug, dass die Studios mit ihr arbeiten wollten.
Betrachtet man die Sorgfalt,
war es nur logisch, dass sie ablehnte,
den ersten Tarzan-Film zu drehen.
TARZAN BEI DEN AFFEN
Die Schwarzen Filmemacher damals waren begeisterte Kinoliebhaber,
die an einer frühen Version des Indie-Films arbeiteten.
Das bedeutete damals nicht,
ein cooler Außenseiter zu sein,
dessen Erfolg einem Zugang zu unglaublichen Ressourcen verschaffte.
Man wurde aus den Kinos verbannt,
die den Studios gehörten.
Man musste Wege finden, sein Produkt ans Publikum zu bringen.
Micheaux und Gleichgesinnte
schufen Dramen, Komödien, Musicals und Krimis.
Manchmal kombinierten sie die Genres in einem Film,
weil ihre Ressourcen begrenzt waren,
wenn auch ihre Ambitionen nicht.
Denn die meiste Zeit in der Filmgeschichte
ignorierten die Studios die Projekte von Schwarzen Menschen,
die darauf reagierten, indem sie wie eh und je
eine Untergrund-Wirtschaft und Kultur schufen.
Obwohl die Beweise erst später sichtbar waren,
hat der Filmemacher William Greaves das Medium
auf eine romanhafte Weise benutzt,
nachdem er das Interesse an der Schauspielerei
aufgrund stereotypischer Rollen verloren hatte.
Tante Hattie, alles geht schnell voran im Krieg.
Sogar unsere Gottesdienste.
Er beginnt mit einer Pionierleistung,
Symbiopsychotaxiplasm.
Nein, ich sagte: "Fass mich nicht an." Fass mich nie wieder an.
Die Ambitionen von Symbiopsychotaxiplasm,
eigen und gewagt, waren so groß wie der Titel.
Er spielt mit der Zeit, in jeder Hinsicht.
Der Regisseur, Bill Greaves,
ist so in den Film vertieft, dass er keine Perspektive hat.
Wenn man ihn fragt: "Worum handelt der Film?",
gibt er einem eine Antwort, die vager ist als die Frage.
Ich glaube, er war hin- und hergerissen. Die Szene sollte gut gemacht werden.
Er wollte, dass seine Schauspieler sich inspiriert fühlen.
Ich glaube, er war hin- und hergerissen.
Das ist meine Theorie.
Jahrzehntelang versuchten die Menschen
Symbiopsychotaxiplasm zu beschreiben.
Es ist so ein bekannter Film, dass er sein eigenes Genre ist.
Der innovative, soziale Satire-Streichfilm.
Regisseur Jules Dassin… Verzeihung für das Wort…
…der auf der schwarzen Liste stand, brachte Rassenpolitik in einen Thriller,
in Black Power, den er für die Schwarze Besetzung schrieb.
Dassin, Dee und Mayfield waren gerissen, ernst und schamlos,
indem sie die Folgen
von Dr. Kings Tod in einen Genrefilm verwandelten.
Martin Luther King wurde 1968 ermordet.
Meine Mutter ließ alles fallen und ging zur Beerdigung.
Sie kannte diesen Mann nicht,
aber sie ließ alles fallen, zog sich ihre besten Kleider an und ging.
Und man dachte: "Oh, das ist wichtig."
Dieser Mann war wichtig.
Was er tat, war wichtig. Worüber er sprach, war wichtig.
Wir sind wichtig.
Unsere Stimmen, Hoffnungen, Träume, Wünsche,
all das ist wichtig.
Wir halten diese Wahrheiten für selbstverständlich.
Black Power schilderte die Qual
und die Wut einer Gesellschaft, die verzweifelt Antworten sucht,
das Herzstück des Genrefilms.
Am Tag nach Dr. Kings Tod
flogen wir von Atlanta, von Morehouse Spelman,
nach Memphis und marschierten mit den Müllarbeitern.
Mit dem Schild "Ich bin ein Mensch". Wir hatten sie zu Hause.
ICH BIN EIN MENSCH
In einer wagemutigen Wendung des Raubüberfall-Genres
inszenieren Revolutionäre einen Raubüberfall,
während Cleveland nach Dr. Kings Ermordung in den Seilen hängt.
Ein wichtiges Mitglied des Teams
ist von dem Gefühlschaos gelähmt
und hat eine Gewissenskrise.
Ich habe mich noch nie so schlecht gefühlt.
Black Power ist eine moderne Version eines John-Ford-Films von 1935
und beginnt einen Kreislauf von Remakes für Schwarze Menschen.
Ist das das Remake von Der Informant?
Als ich den Film sah, wusste ich genau, was er war.
Man sieht ihn sich an…
Und alle darin dachten, der andere sei von der Polizei.
Gibt man auf einer Party einen Joint herum und ein Kerl gibt ihn sofort weiter,
denkt man: "Oh, er ist von der Polizei."
Oder jemand benimmt sich in der Gruppe seltsam.
Als wir Revolutionäre waren,
als man eine revolutionäre Gruppe hatte, gab es immer jemanden, der verdächtig war.
So war der Film also.
In seiner Autobiografie sagte Booker T. Jones,
der Komponist des Films,
dass manche Black Power den ersten Blaxploitation nannten.
Auf einem anderen Kontinent, von einer anderen Kultur,
gab es einen Film aus Italien,
der wie viele Filme, die das Medium veränderten,
als zweitklassiges Genre abgetan wurde.
In diesem Fall der Italo-Western.
Etwas später im Film
wollte der Regisseur diese Szene
entgegen der Erwartungen des Publikums benutzen.
Henry Fonda kaltblütig darzustellen, war erschütternd.
Er war Amerikas moralischer Kompass in Filmen.
Aber Isaac Hayes, der einen Hit brauchte,
war inspiriert von Leones unerwartetem Einsatz von Fonda,
der eine Ikone des weißen Anstands war,
so wie John Wayne, Jimmy Stewart und Shirley Temple.
So bewegend, dass Produzent
und Darsteller Hayes dieses Musikstück schuf.
Hayes sagte, er würde der kaputten Klimaanlage
der Stax Studios entkommen, indem er sich diesen Film ansah.
Er sah ihn mindestens zehnmal.
Woody Strodes gewaltige Präsenz überzeugte Hayes,
dass er eines Tages ein Filmstar sein könnte.
Und in einem Genre, in dem es so gut wie
keine Schwarze Menschen gab, dem Western.
Noch wichtiger war, dass der Film Hayes die Motivation
für sein Album Hot Buttered Soul gab.
Als Gordon Parks 1969 seinen halb-autobiografischen Roman,
Hass, verfilmte,
drehte er den ersten Film eines afroamerikanischen Regisseurs,
der von einem Studio finanziert wurde.
Warner Bros. kam auf seine Kosten mit dem Fotografen und Filmemacher.
Er schrieb und produzierte den Film,
führte Regie und komponierte die Filmmusik.
Er scherzte bei mir darüber, dass er nur nicht mitspielte,
weil er zu groß war.
Hass folgt Newt, einem 12-Jährigen, während des Sommers.
Ein Vorfall im Film hat unvergessliche Auswirkungen.
Lauf, Tuck, lauf!
Ein Moment, der so gewaltig ist, dass er surreal und zu realistisch wirkt
und damals nicht geschätzt wurde.
Halt! Ich schieße!
Sie hätten ihn nicht erschießen müssen.
Jetzt seht ihr, was mit Verbrechern passiert.
Die Art von Szene, die wir alle kannten, aber nie in einem Film erwartet hätten.
Parks sagte auch,
dass er so viel wie möglich in den Film packte,
wie diese glorreiche Aufnahme,
die den Western fürs Schwarze Publikum an sich riss,
weil er nicht wusste,
ob er je wieder die Chance bekommen würde.
1969 brachte uns vom Hyperrealen ins Unwirkliche.
Das war der Höhepunkt der Ära.
In Robert Downey Sr.s revolutionären Komödie
über die Revolution,
die Werbesatire Putney Swope.
Man kann keine Klimaanlage essen.
Hier wird ein Schwarzer Mann, Putney Swope,
plötzlich zum Leiter einer Werbeagentur…
Sie werden ein toller Präsident.
…der das gesamte Geschäft auf den Kopf stellt.
Ich habe das Gefühl, dass hier viele Talente ungenutzt sind.
-Das war ich nicht! -Was machst du? Fieber messen?
Feuern Sie mich nicht. Ich habe eine Frau, drei Kinder
und ein Shetland-Pony.
Man kann mit Comedy mehr zum Ausdruck bringen als mit Worten.
Ich denke, das mussten die Schwarzen Menschen überleben.
Man muss sie mit Subtext zum Lachen bringen.
Downey sah die Möglichkeit,
dass wir so spielen und was zum Ausdruck bringen können.
Ich will das Wort "Genie" nicht benutzen, aber es war so etwas in der Art.
Da Regisseur Downey unzufrieden mit der Leistung von Arnold Johnson war,
synchronisierte er selbst seine Schwarze Hauptfigur…
Wahrheit und Seele!
-Das stimmt, Baby. -Genau!
Das hat sicherlich die Oscar-nominierte Rolle seines Sohnes
in Tropic Thunder beeinflusst.
Denn ich will etwas zulegen, aber es ist schwierig.
-Nein, du siehst gut aus. -Tipps?
VON MANN ZU MANN
1969 war ein Wendepunkt im Schwarzen Film.
Die Geschichten wurden rauer und betrachteten
das Leben Schwarzer realistischer.
Wie einer der ersten amerikanischen Filme, der sich mit Sklaverei auseinandersetze.
Der Film hieß Sklaven,
mit Dionne Warwick,
die über eine andere Art Schmerz sang,
als man es von ihr erwartet hätte.
Ossie Davis spielt einen Sklaven, der versucht,
Sinn in einem sinnlosen System zu sehen.
Zwölfhundert zum Zweiten. Noch jemand?
Davis' langsam aufsteigende Wut versteckt seine Verzweiflung nicht.
Es verstärkt das sogar.
Der historische Tumult geht weiter, als Rupert Crosse
als erster Schwarzer Schauspieler für einen Oscar als bester Nebendarsteller
in Der Gauner nominiert wird.
Wie hält man das Ding an?
Crosses warme Art befreit McQueen von seinem lakonischen Narzissmus.
Er beachtet Crosse
und erlaubt somit uns, Crosse ebenso zu würdigen.
Zehn Jahre zuvor, 1959, war Crosse in John Cassavetes' Race-Drama
Schatten zu sehen, das natürlich unabhängig gemacht wurde.
Gefällt dir der mit dem Hasen und dem Baum?
Den kenne ich nicht.
Der mit dem Hasen, der aus dem Baum fiel und sagte:
"Liebe ist doch zum Mäusemelken."
Regisseur Mark Rydell
kannte Crosse vom Actors Studio und involvierte ihn in den Film.
Rupert Crosse war 1,96 m groß,
und ich wusste, dass er der Richtige für die Rolle war.
Es war toll, zu Steve McQueens Haus zu fahren,
weil es wohl zehn Garagen gab,
mit allen möglichen Autos, Ferraris und Aston Martins
und Rennmotorrädern.
Ein riesiges Grundstück, ein Hof. Es war sehr opulent.
Rupert hatte so etwas noch nie gesehen,
und ich muss sagen, ich auch nicht.
Ich lebte bescheidener, aber sicher besser als Rupert,
der kein Geld hatte und wie ein junger Schauspieler lebte.
Nun, wir gingen ins Haus, und Rupert traf Steve.
Steve sah auf zu diesem Riesen, und wir setzten uns in seine Bibliothek.
Steve fing an, über Taekwondo zu reden.
Er war ein Meister dieser Kampfkünste.
Er zeigte Rupert einige Moves, und Rupert sagte:
"Nein, deine Haltung ist falsch", von seinem Stuhl aus.
Und Steve sah ihn an und sagte: "Oh?"
Er sagte: "Ja, es stimmt nicht.
Du stehst falsch." Steve sagte: "Zeig's mir."
Und Rupert erhob sich, stand da in all seiner Größe.
Sie standen sich gegenüber, und zwei Sekunden später
flog Steve durch die Luft
unter den Billardtisch in das… In das nächste Zimmer.
Ich dachte: "Das war's mit dem Film.
Das war's mit Rupert."
Aber in Wahrheit war Steve begeistert,
dass der Kerl keine Angst vor ihm hatte.
Unter den neugierigen und vorausdenkenden Künstlern
in Los Angeles,
darunter Jack Nicholson und Drehbuchautor Robert Towne,
war Crosse eine charismatische Persönlichkeit,
die man für sein Talent bewunderte.
Jim Brown und Rupert Crosse
präsentierten eine neue Art von Schwarzer Männlichkeit.
Brown war gleichzeitig höflich und ungeduldig.
Crosse hatte ein freches Lächeln.
Muhammad Ali war für mich die zweite Schwarze Persönlichkeit,
die beim Schwarzen als auch beim weißen Publikum gut ankam.
Er hat seine Version von Höflichkeit und Frechheit
1970 in dem Dokumentarfilm Cassius Clay gezeigt.
Er bezahlte Anwälte, um nicht ins Gefängnis zu kommen,
bezahlte seiner ersten Frau Unterhalt,
unterstützte seine jetzige Frau und sein Kind.
Dieser ungewöhnliche Dokumentarfilm zeigte Ali am Scheideweg, wer er war
und was aus ihm werden würde.
Wichtig, weil es die Selbstbeherrschung zeigt,
die den Schwarzen Film ausmachen.
Und die erste Schwarze Person, die so durchbrach wie Ali
und sich nicht vorm Mainstream versteckte,
war Jack Johnson, dessen Kampf im Theaterstück
und Film Die große, weiße Hoffnung dargestellt wurden.
James Earl Jones war die zweite Schwarze Person,
die als Bester Darsteller nominiert wurde.
DIE GROSSE, WEISSE HOFFNUNG (1970) REGISSEUR: MARTIN RITT
James Earl Jones zeigte ein paarmal
seine maskuline Anziehung
in seiner Karriere auf der Leinwand.
-Nein! Ich… -Ziehen Sie sich an.
-Ab in die Stadt. -Jake!
Mach dir keine Sorgen. Zieh dich an.
Beziehungen zwischen Weißen und Schwarzen
und das daraus entstehende Unbehagen, lösten 1970 im Film Wellen der Angst aus.
Die große, weiße Hoffnung erinnerte Zuschauer daran,
dass diese Beziehungen existieren.
Diese Veränderungen ließen einen angesehenen Filmemacher ratlos:
Regisseur William Wyler. Er bildet die sozialen Veränderungen
in Filmen wie Die besten Jahre unseres Lebens ab.
Wyler hat 1965 mit seinem Proto-Stalker-Film
Der Fänger eine Vorlage geschaffen.
Sein letzter Film war Die Glut der Gewalt.
Seine Fähigkeit, schlüssig modernes Drama zu zeigen, enttäuschte
durch das übertriebene Sexualisieren des Körpers der Schwarzen Frau.
-Du willst zu Anwälten? -Lieber, du tust mir weh.
Zu Anwälten! Als würden sie einen Weißen nicht warnen.
Ich habe Narren gesehen, aber du stehst ganz oben auf der Liste.
Nach der Regie bei Dann war mein Leben nicht umsonst,
wandte sich Sidney Lumet etwas Verlockendem zu,
einem Gore-Vidal-Drehbuch aus einem Stück aus Tennessee Williams
über Herkunft und Sex
mit James Coburn, Robert Hooks und Lynn Redgrave.
Das verzweifelte Ergebnis war der Film Blutsverwandte,
eingestuft als nicht jugendfrei,
weil ein Schwarzer Mann mit einer weißen Frau Sex haben könnte.
Die Backofentür ist kaputt,
das Dach ist undicht, die Toilette läuft den ganzen Tag,
und du bist ein süßer Vermieter.
Diana Sands Charme war 1970 im Film Der Hausbesitzer zu sehen.
Diese frühe Geschichte des Tumults eines überprivilegierten Weißen,
der eine Schwarze Nachbarschaft gentrifizierte, setzte den Trend fort.
Der Schwarze Autor, Bill Gunn, verwandelte einen Roman
von einer Schwarzen Autorin, Kristin Hunter, in einen Film.
Ihre bodenständige, natürliche Art war für die Leinwand wie geschaffen.
Sands konnte mit einem Kichern und einem Lächeln so viel vermitteln
wie die meisten mit Seiten von Dialog.
Diana Sands war die perfekte Frau, weil sie wusste, wie man Kind bleibt.
Sie war ein großzügiger Mensch.
Es war ein Vergnügen mit ihr.
1970 sah man Chester Himes auf eine Art, die endlich Sinn ergab.
In seinem Regiedebüt
dreht Ossie Davis den langjährigen Mythos
der emotionalen Schwarzen Sexbombe
mit einer Szene aus Himes' Roman auf den Kopf.
Im Buch fügt Himes einen Hauch von Bitterkeit
zu der Anekdote über eine Schwarze Frau, die einen weißen Polizisten
in sexuelle Demütigung lockt.
Bitte, Baby.
Bitte.
Die Verfilmung gefiel einem Publikum,
das von der Degradierung Schwarzer gelangweilt war
und offenbart sich hier mit einer unerwarteten Wendung.
Halt, im Namen des Gesetzes!
Davis' Version von Himes' gewalttätigen Polizisten
war ein spielerisches, afrikanisches Märchen im gehobenen Stil.
Mit Musik von Galt MacDermot, Komponist von Hair.
Die gut gekleideten Detectives,
gespielt von Godfrey Cambridge und Raymond St. Jacques,
waren Teil einer Gruppe von Schwarzen Bühnenschauspielern,
die Davis zusammenstellte.
-Was ist los? -Sieh dir das an.
Oh mein Gott, die blauen Hemden, die er trug,
der Anzug,
sein Schnurrbart… Er war so was von elegant.
Haben Sie den weißen Spaßvogel identifiziert?
Ich weiß nicht, Lieutenant. Vielleicht ja, vielleicht nein.
Die sehen alle gleich aus.
Als Bühnenschauspieler wusste Davis, dass das Publikum auf die Wärme
der Schwarzen Schauspieler positiv reagieren würde.
Er wollte wohl, dass das Publikum das erlebt.
In Wenn es Nacht wird in Manhattan steckt viel Fantasie.
Es ist ein Märchen.
Aber was toll ist,
ist, dass Ossie Harlem so einsetzt,
wie wir es nie zuvor gesehen haben.
Es ist authentisch.
Es ist sich treu.
Er hat diese Fantasie inmitten der Realität von Harlem.
Davis machte aus einem Mantra der Schwarzen Revolutionäre
ein Call-and-Response-Lied.
Schwarz genug für mich
Ich freue mich auf den Tag, an dem Schwarzer Stolz
von einer Gesellschaft gefeiert wird,
statt als ein Ruf nach Veränderung betrachtet wird.
Das war es, aber das Lied verleiht dem einen Rhythmus.
Schwarz genug für mich
Diese Zeile wiederholt sich stets.
Das ist fantastisch.
Bin ich Schwarz genug?
Calvin Lockhart und wie er es sagt, wenn er predigt,
und dann Godfrey Cambridge und wie er es sagt…
Ist das Schwarz genug für dich?
Es ändert sich, verwandelt sich, hat mehrere Bedeutungen.
Ist das Schwarz genug für dich?
Nein, aber das wird es.
Das klingt immer noch nach.
Davis erkannte die Notwendigkeit,
MacDermot, den Komponisten, ins Geschichtenerzählen zu involvieren,
Melvin Van Peebles kommunizierte durch die Musik
die schockierende Wahrheit der Schwarzen.
Ein Mann sieht schwarz von 1970 ist eine Satire,
in der ein liberaler weißer Mann eines Tages aufwacht und Schwarz ist.
Damit zeigt Godfrey Cambridge den Horror des Schwarzseins für Weiße
durch einen offenen und witzigen Ton.
Jeff! Da ist ein Schwarzer in der Dusche!
So verändert sich die Figur,
indem er viel Empathie erfährt.
Das war eine Evolution, die das Publikum spüren sollte.
Als wir heirateten, wusste ich nicht, dass du Schwarz sein würdest.
-Das sagtest du nie. -Ich wusste es selbst nicht.
Van Peebles zeigt eine clevere Handlung,
indem er Sketch-Comedy-Konzepte mit großen Filmbegriffen mischt,
um sorgfältig einen Film zu machen,
der die Macht über das Bewusstsein
und die Verantwortung gegenüber Schwarzen zeigt.
Wo wollen Sie hin?
-Ich esse mit Clark Dunwoody zu Mittag. -Nicht hier.
Während einer Pandemie ist Ein Mann sieht schwarz
zeitgemäß wie nie zuvor.
Weiße verstehen nun das Konzept, dass das Leben kurz ist,
sobald man aus der Tür geht.
So war es für Afroamerikaner schon immer.
Wie Gordon Parks in Hass im Jahr zuvor,
komponierte Van Peebles Musik für sein Regiedebüt.
Als mein Vater Ein Mann sieht schwarz machte…
Es war noch unklar, ob er ins Kino kam.
Sie hatten eine Vorführung und alle, die was zu sagen hatten, kamen.
Alles Weiße.
Da war ein Schwarzer Mann namens Willy, der dort sauber machte.
Mein Vater sprach mit Willy, gab ihm ein paar Mäuse
und sagte: "Wenn sie meinen Film zeigen, sei begeistert."
Willy zeigt den Film Ein Mann sieht schwarz.
Willy sagte: "Unglaublich!
Das ist ja lustig…"
Sie sahen ihn an. "Nun wenn Willy ihn mag."
Und Willy: "Oh, der ist echt gut. Sehen Sie nur."
"Findest du das lustig?"
"Ja, ich kann es kaum erwarten. Wann kommt er raus?"
Er kam in die Kinos. Das war ihre Ein-Mann-Fokus-Gruppe.
Mein Dad machte Rassen-Ju-Jutsu und benutzte es gegen sie.
Gordon Parks, der 1971 einen zweiten Studio-Film drehte,
verband die Verbindung von Musik und Film.
Es war eine Veränderung
von der klassisch beeinflussten europäischen Filmmusik.
Bei diesem Film bezieht Parks Isaac Hayes ein.
Shaft war nicht nur ein Debüt, es war eine Ankündigung.
Filme wie Easy Rider schrien förmlich: "Das sind die 60er!"
Mit dem Funk und der Urbanität drückt Shaft aus:
"Das sind die 70er." Ein Detektiv musste nicht
verwahrlost aussehen oder als habe er sich versteckt.
Es war neu und wagemutig, dass die Kamera einem Schwarzen Mann
in einem Ledermantel durch Manhattan folgt.
Ein Privatdetektiv, gekleidet wie ein Revolutionär
und Regisseur Gordon Parks.
Die Hi-Hat sorgte für Aufregung beim Publikum.
Die Kamera spionierte ihn nicht aus.
Sie starrte ihn an.
Diese Kombination veränderte für immer den Lauf der Filme.
Selbst ein Studio,
das dafür bekannt war, ein ideales Amerika darzustellen.
Mit glattem Haar und blauen Augen als Schönheitsstandard.
Shaft, "Sexmaschine für alle Mädels". Das sagt niemand über uns.
Geht es dir gut?
Baby, geht es dir gut?
Ich fühlte mich wie eine Maschine.
Das ist kein gutes Gefühl.
GEWIDMET AN ALLE BRÜDER UND SCHWESTERN,
DIE GENUG VON DER REGIERUNG HATTEN
Im Jahr 1971 beschloss Van Peebles,
einen Film über den unermüdlichen Terror zu drehen,
dem die Schwarzen Amerikaner ausgesetzt sind.
Sweet Sweetbacks Lied.
Der Titel allein machte den Film Teil der Revolution.
Er wurde nicht ausgestrahlt.
Damals hätten die Sender nie so einen Titel
oder so einen aufhetzenden Film ausgestrahlt.
Was ist los?
Das war, bevor Pornos überall zu sehen waren
und Sex zwischen Schwarzen noch als Gag galt.
Der Film war mutig, indem er genau das in eine Show verwandelte,
ohne dass die Kamera sich wegdrehte.
Das hat Van Peebles absichtlich genutzt,
damit das Publikum versteht, wie es ist, als Objekt angesehen zu werden.
"Badass" Teil des Titels zu machen, war so krass,
dass der Film als "nicht jugendfrei" eingestuft wurde.
Melvin Van Peebles nutzte die Folgen der Ausbeutung
und den neuen Liberalismus in der Filmkultur zu seinem Vorteil.
Er liebte die Unverschämtheit, ein Schwarzer Mann
mit Gesichtsbehaarung und Zigarre zu sein.
Eine Popkultur-Geste,
immerwährend wie Elvis Presleys Grinsen und Megan Thee Stallions Fingernägel.
Sweetback kam zu einer Zeit, als man "nicht jugendfrei" erfand
und sich Pornos von schäbigen Stadt-Kinos in Vororte verbreiteten.
Asphalt-Cowboy wurde der erste Film, der einen Oscar für besten Film gewann.
Der Einzige.
Stanley Kubricks Uhrwerk Orange wurde als nicht jugendfrei eingestuft.
Und Marlon Brando und Regisseur Bernardo Bertolucci
wurden für den nicht jugendfreien Film Der letzte Tango in Paris nominiert.
Dann der Versuch eines Schwarzen Mannes für einen sozialen Kommentar, Lialeh,
mit Filmmusik von Funk-Legende Bernard Purdie.
Selbst wenn der Filmverband mir "jugendfrei" angeboten hätte,
hätte ich ihnen nicht das Recht dazu gegeben,
das für das Schwarze Schicksal zu entscheiden.
Van Peebles hat mit der Manipulation jedoch für Chaos gesorgt.
Man munkelt, er habe den Film selbst eingestuft,
weil es das einzige Symbol war,
das nicht vom Gremium urheberrechtlich geschützt war.
So wussten alle, dass man es einfach benutzen konnte.
So entstand eine neue mutige Welt mit einem strengeren Bewertungssystem.
Doppelt "jugendfrei" oder dreifach "ab 12 Jahren" gibt's nicht.
Wie bei Ein Mann sieht schwarz beginnt Sweetback mit Laufen,
aber nicht als komödiantischer Effekt.
Sweetback ist auf der Flucht um sein Leben.
Laufen scheint ihn am Leben zu halten.
Im Film geht es um Vorwärtsbewegung.
Van Peebles wählte Musiker nicht nur wegen der Musik aus.
Er machte Earth, Wind & Fire zu seinen Mitverschwörern.
Ich war in seine Sekretärin verknallt. Jeder war wohl in Priscilla verknallt.
Ihr Afro war wie ein Heiligenschein. "Schau sie dir an.
Was trägt sie…
Was wird Priscilla heute tragen?"
Sie hatte einen Freund, der etwas besitzergreifend war.
Sie wollte im Film mitspielen, aber ihr Freund sagte Nein.
Er war in einer neuen Band namens Earth, Wind & Fire.
Er sagte: "Du kannst nicht im Film sein. Aber ich will die Musik machen."
Ihre Musik trug zur schweißtreibenden Paranoia von Sweetback bei.
Im Gegensatz zum melodischen und kraftvollen R&B,
den wir später von Earth, Wind & Fire kennen,
ist die Filmmusik von Sweetback widersprüchlich
mit kreischendem Avantgarde-Jazz
und hämmerndem Schlagzeug.
Die Musik soll uns bewusst machen,
dass wir in einer Welt sind, von der die Filme zurückschreckten.
Er kombiniert Genres
mit Reflexen, die so scharf sind wie die von Regisseur Van Peebles.
Lauf, Sweetback!
Lauf, Kumpel!
Sie haben deine Schwester getötet! Aber sie werden mich nicht töten!
Lauf, Sweetback!
Lauf, Kumpel!
Sie haben deine Mama getötet!
Sie haben deinen Papa getötet Aber nicht mich!
Mein Dad ließ mich mit Leuten in der Lobby reden.
Er fragte, was ich davon halte. Ich sagte es ihm.
Er sagte: "Egal. Kannst du mir später sagen.
Sprich mit den Leuten und finde heraus, wie sie ihn wahrnahmen,
wie sie davon hörten und was sie davon halten."
Ein Autor, ein Entertainer und Verkäufer, wie Melvin,
verstand es, den Komponisten zu einem kreativen Partner zu machen,
anstatt nur zu einem Angestellten.
Der Regisseur hat in die Zukunft des Films investiert.
Melvin sah diese Zukunft so, dass sie eine neue Richtung
im Filmgeschäft einschlagen würde.
Zuerst nutzte er die Entstehung des Films zur Vermarktung.
Sonst würde der Schwarze Film wenig oder gar keine Aufmerksamkeit bekommen.
Er ließ den Soundtrack zuerst veröffentlichen,
da er auf eine bessere Sichtbarkeit als Verkaufswerkzeug setzte.
Er war Künstler und Unternehmer.
Es war egal, ob es Kunst war, wenn sie keiner sah.
Gordon Parks veränderte den Protagonisten des Schwarzen Films.
Sweetback und Shaft folgten Muhammad Ali
in eine Ära Schwarzer Figuren, die nicht mehr um Erlaubnis baten.
Ihre Szenen wurden inszeniert, um sie als selbstbewusst darzustellen.
Mit einer besonnenen anstatt unterwürfigen Art.
Diese ironische Distanz zwang den Zuschauer zum Mitdenken,
anstatt alles erklären zu müssen.
Hör zu, was ich dir sage. Ich bin hier, um dir zu helfen.
Ich bin ein Engel Gottes.
Harry Belafonte brachte seine sanfte Intensität
zurück auf die Leinwand in Ein Engel namens Levin,
ein experimentelles Drama, das er produzierte.
Er beendet sein selbst auferlegtes Exil in dieser existenziellen Komödie,
die eine andere Sichtweise des Dilemmas von Ralph Ellison
mit seinem Roman Der unsichtbare Mann zeigte.
"Was habe ich getan, um so Schwarz, traurig und glücklich zu sein?"
Ich bin ein Engel.
Willst du mich mitnehmen?
Nein.
Ich will dir Leben geben.
Als eine göttlichere Parallele zum Neuen Testament,
spielte Sidney Poitier Bruder John.
In dieser Fantasie ist Poitier ein Fremder,
der in einer Konfliktzone sein Urteil weglässt.
Als ein Engel des Todes,
gefangen zwischen Vergangenheit und Gegenwart.
Diese gut gemeinte Fabel spiegelt Poitiers eigene Notlage wider.
Nach Wenn es Nacht wird in Manhattan drehte Ossie Davis
ein Drama über die Spannungen in einem Mehrgenerationen-Haushalt
Schwarzer Frauen.
Lieber Gott, hilfst du mir das Haus für Mutter zu bekommen,
bitte ich dich nie wieder um etwas. Amen.
Seine Protagonistin kämpft um ihre Zukunft
und darum, gehört zu werden.
Ein Thema, das näher an der Realität ist
als sein vorheriger Film.
Autor und Regisseur Ousmane Sembène sagte einmal:
"Zwischen den Familien in Das Jahr ohne Vater und Black Girl
liegt ein komplettes Universum.
Solche Filme würde ich gerne machen."
Das Filmuniversum, das er sah,
inspirierte ihn dazu,
größtenteils Dramen über die Auswirkungen fehlender Schwarzer Väter zu drehen.
Es gibt eine Argumentation,
dass 1939 das beste Jahr der Filmgeschichte war.
Aber selbstverständlich
war 1939 das Jahr, das Amerika als das Land der besten Filme etablierte.
Nie wieder wird es diesen Reiz geben, wie bei Vom Winde verweht.
Die Studioleiter schufen eine Mythologie der Popkultur,
die ihnen ermöglichte,
sich so weit wie möglich von ihrer Herkunft zu entfernen.
Sie konnten ein stolzes Amerika ins Leben rufen,
ein Amerika, das es nie gab.
Jedoch glauben das viele in diesem Land,
sowie wohl der Großteil der Welt.
1939 veröffentlichten die Studios,
was sie als sittlich und literarisch ansahen
für das Mainstream-Publikum mit Mythen voller Schönfärberei.
Ich weiß, Huck. Ich bin ihr Sklave.
Aber manchmal frage ich mich, ob es fair ist.
Ein Schritt vorbei an kultureller Aneignung
zu kultureller Kolonialisierung.
Weiße können eure Kultur viel besser darstellen,
Latinx-Schauspieler,
pazifische Inselbewohner…
Miss Dorothy March,
mit ihrer Nachahmung von Bill Robinson,
dem König von Harlem.
…Schwarze Menschen.
Ein Schlag ins Gesicht, der ein Kompliment sein soll.
Vor allem fand 1939 eine Übergabe statt,
die die Macht eines zentralen und schwächenden Mythos
über den Platz Schwarzer in der Gesellschaft festigte.
Aufhören!
-Wer sagt das? -Ich sage das.
Ich bin der Vorarbeiter. Ich gebe an, wann wir aufhören.
Aufhören!
Das waren beides Buchverfilmungen.
Der erfolgreichste Film aller Zeiten bis 1925
war Die Geburt einer Nation von D.W. Griffith.
Ein noch größerer Hit war Vom Winde verweht 1939,
der bis 1965 die größte Sensation im Kino war
und 1971 erneut an der Spitze stand.
1972 sollte das Jahr des Höhepunktes von Rupert Crosses Karriere sein.
Seine Fans Jack Nicholson, Robert Towne und Regisseur Hal Ashby
schufen eine Rolle für Crosse in der Verfilmung von Das letzte Kommando.
Aber bei Crosse wurde vor Drehbeginn Leukämie diagnostiziert.
Man wartete, in der Hoffnung, dass er teilnehmen könnte,
aber Crosse starb, bevor die Dreharbeiten begannen.
In einem Artikel in Esquire
reflektierte Ashby über Crosses Humor und Anmut angesichts der Sterblichkeit.
Der Ausdruck "korrosive Lyrik" wurde geprägt,
um Ashbys Stil zusammenzufassen
und wurde von Crosses Einstellung inspiriert.
44. OSCAR-VERLEIHUNG (1972)
Isaac Hayes nutzte seinen Auftritt bei den Oscars im Jahr 1972,
als er der erste Schwarze wurde, der "Bester Song" gewann.
Er führte sein großartiges Album Hot Buttered Soul der Welt vor.
Ich sah begeistert von zu Hause zu.
Hayes verwandelte die Ketten der Sklaven in Superstar-Kettenhemde um.
Als würde ein Komet auf die Erde einstürzen,
eine Veränderung der Atmosphäre.
Er ließ uns wissen, nichts würde mehr so wie vorher sein.
Es war eine aufregende Mischung eines Elementes,
das die Schwarze Filmkultur attraktiver machte
als Filme aus dem sogenannten Mainstream.
Und zwar das Heldentum.
Kakerlake, fangen wir wieder von vorne an.
Anders als ihre weißen Kollegen, die sich in Kummer wälzten,
spielten Schwarze Antihelden
mit einem Selbstvertrauen, das an Heldentum grenzte
und dann darüber hinausging.
Du kannst wieder zurück.
Denn du hast nur über Liebe und Frieden geredet.
Du hast nichts geändert.
Also muss man weitermachen. Wir können nicht mehr zurück,
weil wir nie Teil davon waren.
Nach Shaft gab es schlechtere Film-noir-Remakes.
Hit Man war eine neue Version von Jack rechnet ab.
Du bist ein echter Superstar, Baby.
Cool Breeze, ein weiteres Remake von Asphalt-Dschungel.
Das machte diesen Begriff wörtlicher,
als die Nouvelle Vague es je für möglich gehalten hätte.
Protagonisten traten mit einem Selbstbewusstsein auf,
das in solchen Kreisen bisher nicht erlaubt war.
Ich sage es ungern…
…aber ich bin so ein gut aussehender Kerl.
Ja!
Dieses Hochjahr im Schwarzen Film hat Filme für immer verändert.
Zum ersten Mal wurden zwei Schwarze Frauen
als "Beste Schauspielerin" nominiert.
Diana Ross für ihre erste Hauptrolle
und Cicely Tyson für Das Jahr ohne Vater.
Es dauert noch bis zur Erntezeit, Mr. Perkin.
Bis dahin sollte Nathan zu Hause sein.
Wenn nicht, machen die Kinder und ich das.
Ich habe Miss Cicely Tyson nie kennengelernt.
Sie erinnert mich an meine Oma.
Sie verkörperte diese Eleganz und diese vornehme Art.
Wie sie sich bewegte und redete.
Nein.
Ich backe einen Kuchen, den David Lee zu deinem Daddy bringt.
Es war schön, Cicely zu sehen. Weil ich mit ihren Filmen aufwuchs.
Es war schön, sich selbst zu sehen.
In diesen Filmen ging es um uns.
Junge, gewöhne dich nicht an diesen Ort,
denn egal, wo du bist, werde ich dich lieben.
Paul Winfield wurde in dem Film als Bester Schauspieler nominiert.
Mir gefielen als Kind keine Filme, in denen wir Opfer waren,
wo wir machtlos waren. Das wollte ich nicht.
Ich sah mir den Film vor Kurzem wieder an und schätze ihn nun viel mehr.
Ich sah Schichten darin, die ich als Kind nicht sah.
Diana Ross wurde für ihre erste Hauptrolle nominiert,
im ersten Film über Billie Holiday,
Lady Sings the Blues, produziert von Motown.
REGISSEUR: SIDNEY J. FURIE
In dem Film ging es nicht darum, Schwarz zu sein.
Es ging um Talent.
Mit Bob Mackies Kostümen, Diana Ross' Glamour
und Billy Dee Williams. Also was will man mehr?
Frank Yablans leitete Paramount.
Er sagte Berry Gordy, nachdem er eine Rohfassung des Films sah,
dass sie kein Geld mehr investieren würden.
Und Berry Gordy sagte zu Frank:
"Wir sind nicht fertig. Es ist so viel zu tun."
Und Frank sagte…
Ich will nicht zu sehr ins Detail gehen,
aber er sagte quasi: "Du hast Tripper und willst ihn mir geben."
Weil wir noch nie so viel Geld für einen Schwarzen Film ausgegeben haben.
Und er sagte: "Frank, was soll ich tun?"
Er sagte: "Schreib mir einen Scheck über $2 Mio.,
und du kannst alles tun."
Und das tat er.
Lady Sings the Blues war eine vorzeitige, glamouröse Show,
eine glänzende Etablierung von "Black Glamour" in Filmen.
Wenn ich an Diana Ross denke, denke ich an Mode
und wie oft sie mich inspiriert hat
für Events auf dem roten Teppich oder für Fotoshootings,
oder für die verschiedenen Figuren.
Die Finger, die Haare und alles.
Oh mein Gott!
Und sie ist eine gute Schauspielerin.
Nicht nur für Ross, auch für ihren Filmpartner,
eine wahre Verkörperung von groß, dunkel und gut aussehend,
Billy Dee Williams.
Als Billy Dee Williams erschien,
flippte jede Frau in Hollywood aus.
Und ich sagte: "Oh mein Gott!
Was zur… Was ist los?"
Als ich die Treppe runterging, verliebte ich mich in mich selbst.
Ich sagte: "Ach du lieber Himmel."
Ich war begeistert.
Soll mein Arm abfallen?
In der Szene, in der ich sage: "Soll mein Arm abfallen?",
verlor ich die Kontrolle.
Ich lachte, weil man mich besonders belichtete.
Es war wie in den alten Filmtagen.
Ich war in Ekstase. Ich musste mich zurückhalten.
Es war sehr lustig für mich, denn es war etwas,
das mir bei all den Erfahrungen,
die ich beim Drehen hatte, nie zuvor passiert ist.
1972 war das Jahr der Schwarzen Begabung.
Bühnenautor Lonne Elder wurde für Das Jahr ohne Vater nominiert.
Und vor allem war es das Jahr,
in dem die erste Schwarze Frau fürs Drehbuch nominiert wurde,
Suzanne de Passe, Teil des Drehbuch-Teams für Lady Sings the Blues.
Es war ein einzigartiges Ereignis, bis Dee Rees 2017
für ihr Drehbuch für Mudbound nominiert wurde,
was sie zur zweiten Schwarzen Frau macht, die für ein Drehbuch nominiert wurde.
Mr. Gordy gab mir das Drehbuch. Er sagte:
"Lies das. Sag mir deine Meinung."
Und ich war entsetzt,
weil ich es als sehr klischeehaft empfand.
Die Wahrnehmung in Bezug auf wer wir sind
und nicht in Bezug auf wer wir sind und sein können.
Ich begann mit Sidney Furie zu arbeiten. Dann kam Chris Clark dazu.
Sie war eine Künstlerin beim Label, eine kluge Frau.
Sie und ich wurden ein Team.
Der Grundstein für die wichtigste Geschichte
der Ära wurde gelegt.
Der Beitrag der Frauen rückt in den Vordergrund.
Neben den Auszeichnungen war 1972 auch voller Action.
DER WEG DER VERDAMMTEN REGISSEUR: SIDNEY POITIER
Der Western, Der Weg der Verdammten, unter der Regie von Sidney Poitier
und mit ihm und Harry Belafonte als Besetzung.
Belafontes Hoffnungen für den Film wurden nie erfüllt.
Die fehlende Unterstützung der Schwarzen Gemeinde war enttäuschend.
Da fühlte ich mich betrogen.
Ich dachte: "Warum unterstützten sie den Film nicht so,
wie die Weißen Zwei Banditen unterstützt haben?
Das ist unsere Version." Aber nein.
Und dann wusste ich, dass mir einiges im Weg stand.
So wie die Schwarzen Menschen sich sahen
und wie die Welt uns sah.
Fred Williamson spielte die Hauptrolle
im Western The Legend of Nigger Charley.
Der Titel war sogar damals frech und unverschämt.
Der Titel existiert übrigens nicht mehr.
Der Film heißt jetzt The Legend of Black Charley.
Dieses dreiste Poster
mit einem etwas anderen Stil der Daguerreotypie sprach Bände.
"Warnt den Westen. Nigger Charley läuft nicht mehr weg."
Es gab auch endlich ernste Horrorfilme mit Schwarzen Menschen.
William Marshall war überzeugend als tragischer Vampir Blacula.
In Sklaverei steckt Würde, glaube ich.
"Würde"?
"Würde" in Barbarei?
Ich dachte, es gäbe etwas Gutes am institutionellen Rassismus,
das die Schwarzen davon abhielt, zentrale Figuren in Horrorfilmen zu sein.
Und zwar, das implizite Verständnis,
dass keine übernatürliche Gewalt oder Besessenheit
monströser sein könnte als die Sklaverei
oder das Tuskegee-Experiment.
Oder Emmett Till, eine Schwarze Unschuldige,
die das Opfer von Monstern war, vor denen sogar Filme Angst hatten,
wenn sie sie nicht verherrlichten.
Die Schwarze Presse zwang die Mainstream-Medien,
über Emmett Tills Tod zu schreiben.
Filme sollten die Gräueltaten an Schwarzen behandeln,
wie Sklaverei und Institutionelle Grausamkeit.
Das Schwarze Publikum wartete auf eine Filmfassung
über das Chaos, das durch Emmett Tills Tod entstand.
Dass das nie stattfand, war ein subtiler Hinweis darauf,
wo die wahre Macht in Hollywood lag.
Ich erinnere mich daran, als es mir klar wurde.
Das Foto von Emmett Till im Jet-Magazin.
Am nächsten Tag war ich eine andere Person.
Ich habe noch die Bilder von Emmett Till.
Von diesem Tag an wusste ich, wie sich seine Mutter gefühlt haben muss.
Ich erinnere mich,
wie ich als Kind Emmett Tills Leiche in Jet sah.
Das hat mich beeinflusst.
In gewisser Weise sind wir so an Schmerz und Elend gewöhnt,
dass wir abgestumpft sind.
Oder wir warten aufs nächste Mal. Wir wissen, dass es wieder passiert.
Aber es wird persönlicher. Es betrifft uns immer mehr…
Und die Menschheit… wie unmenschlich man sich verhält.
Dieser andauernde Terror wurde mit der Veröffentlichung
von Marvin Gayes "What's Going On" schön definiert.
Er war der Erste, der mit beflügelten Worten protestierte
statt durch Wut.
Gaye veröffentlichte 1972 ein weiteres legendäres Album.
Diesmal ein Soundtrack,
mit dem er zu seinen Jazzwurzeln zurückkehrte.
REGISSEUR: IVAN DIXON
Schwarze-Film-Soundtracks waren so oft von "What's Going On" beeinflusst,
einer der umwerfendsten und ehrlichsten revolutionären Akte
der Schwarzen Popkultur.
Es ergab Sinn für Marvin Gaye, dasselbe zu tun.
Er sang über die Probleme der Afroamerikaner.
Er machte mit der Filmmusik für Trouble Man weiter,
wo er bei "What's Going On" aufhörte.
Und die Filmmusik, die folgte,
ging weiterhin auf den Kollateralschaden der Unterdrückung ein.
REGISSEUR: GORDON PARKS JR.
Ironischerweise stammte die erhabenste Filmmusik
von einem Künstler, der großen Einfluss
auf Marvin Gayes Erfolg mit Old-time Pop-Soul hatte.
Mit einer ebenso lieblichen Stimme,
die den Kampf der Afroamerikaner widerspiegelte.
Nett, aber böse Super cool, super gemein
Deale für den Boss Super cool, hier bin ich
Drogenversteck
Curtis Mayfields lyrische Zusammenfassung sozialer Konditionen
und seine militante Weigerung, sich der Institution zu ergeben,
ist durch seine ganze Solokarriere zu hören.
In diesem Jahrzehnt brachte Mayfield 20 Alben raus,
darunter fünf Soundtracks.
Seine kraftvolle Intimität und scharfsinnigen Songtexte
prägten fortan den Schwarzen Film,
angefangen mit Super Fly,
als Vorbild für viele seiner Musikerkollegen.
Und Mayfield folgte Melvin Van Peebles
mit der ungewöhnlichen Taktik, die Filmmusik
vor dem Film zu veröffentlichen.
Weil er sofort eine Sensation war,
war der Super-Fly-Soundtrack eine Einladung zum Film.
John Calley, der Warner Bros. in den 1970ern leitete,
erzählte mir, dass Super Fly einen Trend damit startete,
indem man mit dem Soundtrack für Begeisterung
vor dem Kinostart sorgte.
Die Struktur von Mayfields Musik
mit dem Dramatisieren und Kommentieren über die Hauptfigur
spiegelte sich in der Leistung des Filmemachers James Signorelli wider.
Eine der besten Verfolgungsszenen in Filmen ohne Stuntmen,
sieht man im Guerilla-Filmemachen von Signorelli.
Er brauchte einen Fluchtweg. Er jagte Jimmy.
Wir standen da, und Ron sagte: "Ich kann über den Zaun springen."
Das war alles. Das war die gesamte Probe.
Sicher nicht mehr als eine Aufnahme.
Es war eine Kombination beider Ästhetiken.
Eine davon war die Dokumentarfotografie,
vor allem Leacock, Pennebaker, Maysles, all diese Typen,
mich eingeschlossen, Bob Elfstrom.
Das, was wir alle taten, floss in die Techniken
der Spielfilme mit ein.
Vor allem, wenn wir außerhalb des Studios drehten.
Signorellis improvisierter Ansatz wurde
in anderen Action-Szenen in Super Fly angewandt,
wie die Szene mit Sheila Frazier und Protagonist Ron O'Neal,
die offen und leidenschaftlich ihre Liebe zeigten.
Ich spüre durch dich, wie es da draußen ist.
Ich sehe, was es dir antut.
Ich sehe, wie Gras dir hilft, die Ruhe zu bewahren.
Ich will mich da nicht einmischen, Baby. Ich will dir nur eine Last abnehmen.
Ich sagte: "Sobald der Schaum weg ist,
müssen wir mehr dazugeben. Ich will nicht nackt gesehen werden."
Keine Ahnung, was ich mir dachte. Das war unmöglich.
Ich wusste nicht, dass bei der Premiere des Films
die Szene in Zeitlupe gezeigt wird.
Ich glaube, Judith Crist sagte einmal:
"Die geschmackvollste und erotischste Szene
in der Geschichte des Kinos."
Richard Roundtree verhalf mir zum Vorsprechen.
Richard sagte: "Tu so, als hättest du die Rolle schon."
Ich sagte: "Ok, gut."
Ich ging rein und legte meine Füße auf den Schreibtisch
von Sig Shores und ich sagte:
"Die Suche endet hier, die Rolle gehört mir."
Gordon sagte: "Alles klar!"
Nachdem Gordon mir zusagte, war ich so froh.
Dann musste er mich anrufen, sich entschuldigen und sagen:
"Tut mir leid, aber Sig Shore wollte einen anderen Look.
Er wollte eine üppigere Frau."
Ich war so am Boden zerstört.
Ich hatte zwei Telefone. Ich wechselte beide Nummern,
damit ich nie wieder mit jemandem reden muss.
Etwa drei Monate später kommt dieser Typ zu mir und sagt:
"Ich bin Produzent." Ich sagte: "Klasse."
Er fragte: "Wie heißen Sie?" Also sagte ich es ihm.
Er sagte: "Oh mein Gott!
Wir suchen Sie seit drei Monaten.
Wir suchen Sie." Ich fragte: "Wir?"
"Ich bin der Produzent eines Films namens Super Fly." Ich sagte:
Als ich nach Hause kam, klingelte das Telefon pausenlos.
Das Ergebnis laut John Calley war, dass Super Fly
ein unabhängiges Projekt war, das Warner Bros. für $150.000 kaufte.
Ein Hungerlohn, selbst für 1972.
Er brachte $30 Millionen ein.
Sehr viele Weiße sahen sich Super Fly an.
Nur so kann man 19, 20 Millionen einbringen.
Er spielte 17 Wochen in Boston.
Nach drei Wochen sahen ihn alle Schwarzen Menschen in Boston.
Super Fly, Slang für Kokain unter Konsumenten,
folgt der Geschichte eines Schwarzen Drogendealers in New York.
Starke Einwände gegen den Film gibt es von R.L. Livingston
von der Better Influence Association in Fort Worth.
Ich weiß nicht, was Sie tun können, aber ich mache Sie darauf aufmerksam,
weil Sie der Stadtrat sind
und Sie Probleme lösen.
Ich hoffe, das geht, ohne dass die Bürger
gegen solchen Müll in unserer Gemeinde boykottieren.
Hat Ihre Rolle in Super Fly einen positiven oder negativen Einfluss?
Offensichtlich positiv, sonst hätte ich den Film nie gemacht.
Als wir Super Fly drehten,
wollten wir die Dinge darstellen, wie sie wirklich sind
und hofften, er würde auf dieser Grundlage beurteilt
und kritisiert werden.
Aber meiner Beobachtung nach
wurde Super Fly von vielen kritisiert…
Von einem Umfeld,
auf einer Ebene, die nichts mit dem Film zu tun hat.
Sie nutzen die Schwarze Gemeinde, um Filme zu machen.
Wir sind es leid, dass Weiße Filme über Schwarze Menschen machen
und sie dann ausbeuten.
Die Schwarzen Statisten in Oakland, Berkeley und Umgebung
bekommen nur $10 pro Tag. Sie sollten $50 bekommen.
Ich glaube, alle Künstler, da ich sie persönlich kenne,
sind verantwortungsbewusst
und darüber besorgt,
was sich in der Schwarzen Gemeinde abspielt.
Wir können natürlich keinen Film allein drehen.
Viele andere Elemente fließen in die Entwicklung ein.
Das Wichtigste sind anfänglich wohl große Geldsummen.
Die Footballspieler, die Filmstars wurden, Jim Brown und Fred Williamson,
waren in dem Jahr in jeweils zwei Filmen.
Mit Filmtiteln, die Synonyme und Beschreibungen sind.
Wie Shaft, dessen Fortsetzung, Liebesgrüße aus Pistolen,
wie ein Sportler-Abenteuer klingt.
Und diese Filme trugen alle das Label "Blaxploitation",
ein Warenzeichen, für gleichzeitig Anerkennung und Zurückweisung.
Obwohl diese Filme integral für die amerikanische Gesellschaft
und Populärkultur waren,
wurden sie selten in den Mainstream-Medien erwähnt.
Außer natürlich, um Panik auszulösen.
Bei dem Wort "Blaxploitation"
denke ich an die Kommodifizierung des Schwarzseins.
"Wie verpacken und verkaufen wir das?"
"Ausbeutung", weil es weiße Autoren waren,
weiße Produzenten, weiße Regisseure.
Dann brachten sie es in die Schwarze Gemeinde.
Und sie liebten es, und sie machten eine Menge Geld damit.
Aber wir nicht.
Ist das keine Ausbeutung?
Obwohl Blaxploitation oft Debatte und Verdammung provozierte,
waren die Filme oft populär und erzeugten Gewinn.
ERFOLGREICH AN DER KINOKASSE
Mainstream-Filme, die als Klassiker gelten,
zeigen Weiße vom Heldentum gelangweilt,
die deshalb zu Antihelden zu werden
und dazu noch das Publikum frustrieren.
Die Schwarzen Stars… Überraschenderweise kein Titel damals…
…sorgten für eine natürliche Evolution.
"Swag" in seiner eigenen Schönheit und im Fokus der Kamera.
In der Szene mit den fünf Familien in Der Pate,
zeigt Francis Coppola die Gedankenlosigkeit der Figuren.
Dies soll als negativ angesehen werden, nicht als Zustimmung.
In meiner Stadt überlassen wir den Drogenhandel den Schwarzen.
Die sind eh Tiere, sollen sie ihre Seele verlieren.
Aber selbst wenn man die Absicht des Films versteht,
kann das schwer zu hören sein.
Dies wurde von Schwarzen Filmen beantwortet.
Die Auswirkungen der Drogen.
Nein! Um Gottes willen!
HEISSE HÖLLE HARLEM (1973) REGISSEUR: LARRY COHEN
Schwarze Filme schufen Kämpfer, die es vorher nicht gab.
Schwarze Zuschauer mussten nicht mehr nach dem Subtext suchen,
der erklärte, warum Schwarze Figuren nur Nebenrollen hatten.
Sie waren nun auch in Hauptrollen zu sehen.
Das war zu einer Zeit, als James Bond der einzige Mainstream-Held war,
den 1973 Roger Moore spielte.
Mit dem ersten und bisher einzigen
Schwarzen Bond-Bösewicht als Gegner, gespielt von Yaphet Kotto,
in dieser sich ständig verändernden Welt von Bond.
Aufschlussreich.
Schwarze Filme schilderten das Dilemma der Stadt,
der Verbrecher und des Drogenkriegs.
Nur in diesen Filmen kämpften sie in Hauptrollen zurück.
Die Polizei würde nicht eingreifen.
Sie war oft unbeteiligt und korrupt.
Jim Brown erschien nochmals als Slaughter,
in Der Sohn des Mandingo,
vervollständigt durch den einzigartigen Funk
der frühen James-Brown-Filmmusik.
In Der Hit war Billy Dee Williams ein CIA-Agent,
der eine Gruppe Verwundeter rekrutiert.
Sie kämpfen gegen internationale Drogenhändler.
Seine Tochter starb aufgrund Drogen.
Was bringt es dir, wenn du mich umbringst?
Ich bin nur ein Arbeiter.
Es erforderte eine gewisse Mentalität,
dass er alles einsetzen konnte, was er benutzen konnte,
um seine Mission zu erfüllen.
Das ist interessant.
Und in gewisser Weise hatten Jungs, die so aussehen wie ich,
nie die Möglichkeit, so etwas zu tun.
Und dass Sidney mich in der Rolle wollte,
das Gefühl hatte, ich sei der Richtige,
da versuchte ich das so gut wie möglich zu nutzen.
Es war eine Gelegenheit,
eine Seite zu zeigen, die man sonst nicht in Filmen sieht.
Das verstärkt die Verwundbarkeit. Daran dachte ich.
So ist die Figur mehr als nur eine skrupellose Person.
In Jagd auf linke Brüder setzen Schwarze Vietnam-Veteranen
ihre Kampf-Fähigkeiten gegen Drogenhändler ein.
Man sieht überraschende visuelle Höhepunkte,
die seitdem in Filmen auftauchen.
New Jack City, um nur einen zu nennen.
Mit Musik von Angelo Badalamenti, der später mit David Lynch arbeitete.
Feuerzeug?
Dieser MacGyver-ähnliche Action-Moment mit einer Sprühdose
könnte eine Metapher für die Gefahr um ihn herum sein.
Man sieht das in unzähligen Action-Filmen.
Zuschauer aller Herkünfte sahen sich den Film an,
weil sie das Adrenalin spüren konnten.
Viele kamen vom Theater und hatten Freude am Spielen.
Zweitplatzierter, Pretty Tony!
In Straßen zur Hölle ist Dick Anthony Williams als Pretty Tony
so überzeugend wie jede Figur in einem 30er-Gangster-Film.
Er sagte, er improvisierte,
weil er eine Gangster-Version von Edward G. Robinson darstellen wollte,
mit Redewendungen, dir er als Kind hörte.
Nigga, wenn du erwachsene Leute reden hörst,
sei still. Verstanden?
Der Einfluss dieser prägnanten Hypermaskulinität
sehen wir Jahrzehnte später,
in Dialogen Weißer, die zu Schwarzen Schauspielern passen.
-Soll ich ihn erschießen? -Scheiße.
Tötest du mich im Traum, wach auf und entschuldige dich.
Edward G. Robinson hat das in Heiße Hölle Harlem
spezifischer umgesetzt.
Keiner sieht mich. Nicht mein Gesicht, meine Nase, mein kaputter Fuß.
Sie wissen nur, dass ich Schwarz bin.
Stellen Sie sich vor, der Mann,
der Cohen zu Heiße Hölle Harlem inspirierte, Sammy Davis Jr.,
hätte in dem Film mitgespielt.
Aber Cohen wählte Fred Williamson als Black Caesar.
Als er den Studioleiter wegen des Größenunterschieds
zwischen Williamson und Davis fragte,
dachte er kurz nach und sagte:
"Fred soll hinken."
Ein Dokumentarfilm, Brothers & Sisters in Concert, von 1973,
den man 1972 beim Operation-PUSH-Treffen drehte,
beinhaltete Auftritte von Jesse Jackson, den Jackson 5,
Nancy Wilson und Zulema.
Musik und fortschrittliche Politik vereinten sich.
Es war ein riesiges Unterfangen.
Wir fingen mit Motown an. Als wir Marvin Gaye gebucht hatten,
Temptations,
Gladys Knight & the Pips,
wollten die Leute dabei sein.
Clarence hatte eine Plattenfirma. Bill Withers und Nancy Wilson kamen hinzu,
Sammy Davis Jr.
Quincy war bereits involviert. Er zog Roberta Flack hinzu.
Er gründete eine Hausband, die eine All-Star-Band war.
Und so wurde das zu einem tollen Event
mit einigen der besten Musiker, die es damals gab.
Es war groß. Es war riesig.
Und es war ein Riesenerfolg,
weil das die besten Musiker waren.
Das künstlerische Niveau war unglaublich. Es war verrückt.
Schwarze weibliche Figuren würden sich in Hauptrollen etablieren.
Nicht als reizende Begleiterin,
sondern weil sie gegen Stuntmen kämpften.
Der letzte Schritt für Schwarze Schauspielerinnen,
der eine Definition des Heldentums etablierte,
die Direktheit statt Märtyrertum zuließ.
Davor verbanden Filme oft Schwarze Weiblichkeit
mit romantisiertem Masochismus.
Was das Publikum bekam, war etwas völlig Neues.
Schwarze Filme sind eine Evolution.
Es ist nicht etwas, das automatisch auftaucht
und sofort passiert, denn nichts läuft so.
Die Dinge brauchen Zeit. Fortschritt muss langsam sein,
damit er permanent und förderlich ist.
Es wird es eine Weile dauern.
Es gibt so viele Bereiche, die noch nicht realisiert wurden,
was Schwarze Schauspieler angeht.
Es ist alles neu für mich. Ich bin eine neue Schauspielerin.
Ich fing gerade an, zu arbeiten.
Es gibt viele Bereiche, die ich noch nicht kenne.
Ich muss noch viel lernen,
bevor ich mich als Schauspielerin bezeichnen kann.
Laurence Olivier sagte einmal:
"Ist man jung, ist man zu verlegen, um einen Helden zu spielen.
Man widerlegt es. Erst, wenn man älter ist,
versteht man die bildhafte Schönheit des Heldentums."
Schwarze Schauspieler verstanden das und nahmen es
aufgrund des gemeinsamen Verlangens nach Helden an.
Amerika nahm in einer Zeit der Ungewissheit die Schwarzen Helden an,
die man in Filmen sah,
samt dynamischem und aufregendem Soundtrack.
Immerhin hat Shaft MGM vor dem Bankrott gerettet.
Die neueste Ankunft in dieser außergewöhnlichen Liga,
die Erfolg und Ruhm neu definiert hat, war Pam Grier.
Von 1970 bis 1973 war sie in sieben Filmen zu sehen.
Ihre Rollen wurden immer größer.
Ein Artikel aus Esquire aus den 1970ern
über aufsteigende Stars, die die Welt verändern würden,
handelte von Steven Spielberg, der Der weiße Hai fertigstellte,
und George Lucas, der mit Star Wars beginnen wollte.
Pam Grier war eine der wenigen, die man wie folgt beschrieb:
"Eine von drei Schauspielerinnen, deren Filme Geld verdienen.
Die anderen heißen Barbra und Liza."
Grier sagte: "Ich bin die einzige Frau in Filmen, die kein Opfer ist.
Entschlossenheit ist wichtig für solche taffe Rollen."
So steht es im Artikel.
1973 war sie in Der Schrei des Todes zu sehen…
Bei so einer entzückenden Führerin
geht mein Fokus auf das Kunststück verloren.
Ach ja?
…und in Frauen in Ketten.
Das kannst du dir in den Arsch stecken. Jetzt los!
Aber in Coffy bewies sie sich als Filmstar.
Toni Morrison sagte einmal: "Es war eine Zurückweisung,
Griers Figuren, wie Coffy, "taff" zu nennen.
Es setzt ihre Leistung herab."
Sie fand, dass ihre Darstellung
von der moralischen Komplexität Schwarzer Frauen handelte.
Die Mühe, diese Balance zu halten,
während sie das Gesetz in eigene Hände nahm
und mit Verrat umging,
zeigte sich, als sie den Tod ihrer Schwester rächte.
Eine Metapher für Schwarze Frauen,
die Beschützer und Versorger sein sollen.
-Komm schon. -Howie, was machst du?
Komm zurück ins Bett…
Coffy. Du musst es verstehen. Ich dachte, du wärst tot!
Aber oft sind sie letztendlich allein.
Sie zieht weiter, findet hoffentlich Anschluss.
Ein Erzengel, der ihr Volk vom Ende der Welt befreit.
Immer da für Afroamerikaner.
Coffy gibt Grier eine letzte Atempause
in einer Aufnahme, die einer Postkarte ähnelt.
1973 war das Jahr verschwendeter Möglichkeiten.
Wie Shaft in Afrika und Versionen Schwarzer Actionfilme,
wie die Verfilmung von Five on the Black Hand Side,
mit einem jungen Glynn Turman.
Wie sich das anfühlt?
Als wäre es ewig her, um ehrlich zu sein.
Es ist erstaunlich, dass all das damals passierte,
und dass ich mit so wunderbaren, ikonischen Leuten arbeiten durfte.
Und es…
Es ist eine Geschichte, Mann…
Man denkt nicht, dass es Bedeutung haben wird.
Man versuchte nur, zu überleben.
Man ist jung.
Man will in der Filmbranche Fuß fassen.
Du versuchst dich zu etablieren und Anerkennung zu bekommen.
Es gab auch einen Film, der wie die Lösung eines Rätsels war.
Was, wenn man den Star
und den Cutter einer grässlichen Sitcom
über den Zweiten Weltkrieg einen Film machen lässt?
Ivan Dixon, der die Serie verließ, und Michael Kahn, der Cutter der Serie,
arbeiteten zuerst an Trouble Man.
Dixons Traumprojekt war die Verfilmung
von Sam Greenlees satirischen Agitprop-Roman
The Spook Who Sat by the Door.
Ein Schwarzer Mann wird von der CIA rekrutiert
und wendet deren Taktiken außerhalb an und schafft eine Revolution.
Um Dixons jahrelangen Kampf
um das Projekt könnte man einen Film drehen.
Als er genug Geld für die Hälfte des Films hatte
und mit Action-Szenen das Interesse des Studios weckte,
besorgte ein Gebotskrieg,
gewonnen von United Artists, die andere Hälfte.
Laut Dixon war das Studio entsetzt über einen Film,
der Aufstände und Klagen auslösen könnte,
anstatt großes Aufkommen in den Kinos.
Ein Satz darin gehört in die Annalen der Filmgeschichte,
sowie "Das Angebot konnte er nicht ablehnen."
Denk dran,
ein Schwarzer Mann mit Mopp, Tablett oder einem Besen
kommt überall in diesem Land rein.
Und ein lächelnder Schwarzer Mann ist unsichtbar.
Diesem Satz folgten Jubelschreie, als ich den Film 1973 in Detroit sah.
Und die gibt es samt Inspiration immer noch Jahrzehnte später.
Ich nenne mein Album The Spook Who Sat by the Door.
Er nutzte ihre Agenda,
nämlich einen politischen Nigga in der CIA zu haben.
-Wir reden… -Ja.
…offen. Scheiß drauf.
Er hat es gegen sie benutzt.
Dixon sagte mir, als der Film aus den Kinos war,
wollte United Artists ein Treffen mit ihm.
Der Geheimdienst verfolgte den Film.
Das heißt, es gibt ein Foto von mir
und meiner Highschool-Freunde irgendwo in Langley.
Dieser Film sorgte so für Furore,
dass Dixon das Gefühl hatte, seine Filmkarriere sei beendet.
Ein Film über den Aufstand wurde behandelt,
als wäre es die Tat selbst.
Gib nicht auf,
bis du entweder gewinnst
oder stirbst.
Durch den Film entstand ein Genre:
der Spionagethriller aus der Perspektive der Schwarzen.
So wird dem Publikum bewusst, wie limitiert dieses Genre war.
Ganja & Hess zeigt Bilder, poetisch oder realistisch und herb,
um seine Emotionen zu übermitteln.
REGISSEUR: BILL GUNN
Duane Jones ist ein entschlossener Monstermörder
in Nacht der lebenden Toten.
Er spielt hier das Monster, das seine Seele behalten will.
Im Film wird die Traumwelt zur blutigen Realität.
Eine Metapher für das Leben von Bill Gunn,
dem Autor, Regisseur und der Hauptbesetzung des Films.
Echter Horror spielte sich für Gunn ab.
Man machte verschiedene Versionen aus seinem Film.
Jeder Titel schlechter als der vorige.
Seine Kunst wurde in etwas Monströses verwandelt.
BLUTPAAR
Gunn versuchte in der Filmbranche zu bleiben,
sogar nach seinem Regiedebüt mit dem Film Stop!.
Ishmael Reed schreibt:
"Warner Bros. war so sauer auf Stop!, dass sie den Film nie veröffentlichten.
Gunn musste sein Gehalt als Autor und Regisseur zurückzugeben."
1974 fand eine weitere große Veränderung für den Schwarzen Film statt.
Ein Auftritt von Diahann Carroll
als müde, aber entschlossene Mutter von sechs Kindern in Claudine.
-Kein Anschluss unter dieser Nummer. -"Kein Anschluss"?
Sie strahlte eine Ruhe aus, die ihre Schönheit untermalte.
Sie ergriff die Chance, eine andere Seite von sich zu zeigen.
Bitte, Francis! Tu das nicht! Du bringst dich noch um!
Das Drama ist nach der Titelfigur genannt,
die gegen das Sozialsystem
und die Straßen von Chicago für ihre Kinder kämpft.
Und sie gewann. Ihre Kinder lebten am Ende noch.
Dafür wurde Carroll für den Oscar als Beste Schauspielerin nominiert.
Claudine profitierte von den fünf Tracks, die Curtis Mayfield schrieb.
In der Szene spielten alle Lieder
aus der Perspektive der Figuren, gesungen von Gladys Knight & the Pips.
Darunter auch eine, die im Lied,
genau eine jahrhundertealte Angst der People of Color beschrieb.
Unsichtbar zu sein
Dafür wäre ich berühmt
Ein Mädchen ohne Namen
Ich sollte in Claudine mitspielen,
als Diana Sands Claudine spielen sollte.
Und dann starb sie.
Sie haben es neu aufgezogen und fanden andere Schauspieler.
Sie hatten…
Ich hatte für den zweitjüngsten Sohn vorgesprochen,
aber letztendlich bekam ich die Rolle nicht.
Jemand anderes bekam sie.
Ein faszinierender Film in Action-Tarnung
war Drei eiskalte Profis mit Jim Brown,
Fred Williamson
und dem Kampfkünstler Jim Kelly.
Drei Städte und drei von uns.
Sie kämpfen gegen eine neonazistische Organisation,
die ein Gift entwickelt, das nur Afroamerikaner tötet.
Es wird in die Wasserversorgung von Los Angeles, Detroit
und Washington, D.C. geschüttet.
Alles sieht jedoch wie Los Angeles aus.
Ich hielt es für das Lustigste, was ich je sah,
bis mein Dad mir vom Tuskegee-Experiment erzählte.
Drei eiskalte Profis war plötzlich
eine Reflexion über gerechtfertigte Paranoia.
Der wissenschaftliche Begriff dafür ist wohl "Afroamerikaner".
1974 folgt dem Film eine herzzerreißende Anmerkung,
eine der letzten Filmvorführungen von Diana Sands.
Honeybaby, Honeybaby war eine Mischung aus
chaotischem Spy-Thriller,
Action-Melodrama und Charakterkomödie.
Der Film beginnt mit einer Beschreibung.
Hey, wie geht's? Ich heiße J. Eric Bell.
Ich kam gerade aus Beirut, Libanon, zurück,
wo ich den Film Honeybaby, Honeybaby drehte.
1974 begann und endete mit Sands.
Ein weiterer ihrer letzten Filmauftritte war in Willie Dynamite
mit Schauspieler Roscoe Orman,
der nun für eine andere Rolle bekannt ist.
Ich machte Witze darüber. Als Willie in der letzten Szene geht,
ging er um die Ecke, und da war ein großer gelber Vogel.
SCHAUSPIELER
Aber es war wahr.
In dem Jahr spielte ich nach Willie Dynamite
Gordon in der Sesamstraße.
REGISSEUR: GILBERT MOSES
Suchst du nach Arbeit?
Am Funkeln in Ormans Augen als Willie Dynamite
konnte man seinen Eifer erkennen, mit einer Frau zu arbeiten,
deren taffe Art zu seiner harten Schale passt.
Ich hatte das unglaubliche Glück,
mit einer der besten Schauspieler aller Zeiten zu arbeiten.
Diana war so bewandert und gebildet,
was die Kunst der Performance angeht.
Sie und Lorraine Hansberry waren eng befreundet.
Und Sidney, Ruby und Ossie und alle.
Das waren auch meine Mentoren.
Willie war ein Performer.
Diese Stufen am Gericht, das war wie Baryshnikov.
Plateauschuhe, hochhackige Plateauschuhe.
Jetzt würde ich mir alle Knochen brechen.
Regisseur Gordon Parks Jr. brachte in dem Jahr
einen weiteren Film raus, Thomasine & Bushrod.
Ein afrozentrischer und bukolischer Western
à la Bonnie und Clyde.
Mit zwei der schönsten Menschen im amerikanischen Westen auf der Flucht:
Vonetta McGee und Max Julien.
Ihre Szenen kombinierten ihr Filmstar-Können
mit ihrer Chemie im echten Leben.
Wie geht's, Mr. Bushrod?
Gut, Thomasine. Ich hätte nie gedacht, dich wiederzusehen.
Hier bin ich.
Und du siehst gut aus. Verdammt, du siehst gut aus.
Untermalt mit der verträumten Filmmusik von Arthur Lee
und dem Drehbuch von Max Julien.
Thomasine & Bushrod war toll.
Max Julien war so ein toller Kerl
und so innovativ und mutig.
Er hat den Film geschrieben und produziert.
Er gab den Ton an.
Von all den Filmen,
die aus der Zeit der "Black Exploitation" entstanden,
war Max einer der wenigen, die ihr eigenes Produkt kontrollierten.
Ich wusste eines.
Ich wusste, dass Max und Vonetta revolutionär waren.
Max sagte: "Ich akzeptiere den Mist nicht."
Und das tat er nicht und…
"Wir machen unser eigenes Ding."
In der Verfilmung des autobiografischen Buchs
Die Erziehung des Sonny Carson,
ist der junge Protagonist extremer Schwarzer Männlichkeit ausgesetzt.
Der Film wechselt zwischen Brutalem und Poetischem.
Diesmal erzählt Michael Campus, der Regisseur von Straßen zur Hölle,
die Geschichte eines Schwarzen Helden,
gefangen im industriellen Gefängniskomplex.
Die Inhaftierung bringt ihn beinahe um.
Sonny will seinen Wert beweisen,
indem er von einer Gang zur nächsten zieht.
Eine der erschütterndsten Szenen zeigt den jungen Sonny
bei einem Spießrutenlauf, um von der Gang aufgenommen zu werden.
Willst du bei den Lords sein, musst du mit uns klarkommen.
Clantons authentische, emotionale Darstellung zeigt sein Verständnis
in Bezug auf Sonnys gestörte Psyche durch ein Leben voller Gewalt.
Das war genau das Gegenteil von ihm. Er war überhaupt nicht so.
Das war Schauspiel.
Du weißt schon.
Das hätte jeder so wie ich herausgefunden.
Indem man sagt: "Komm und rede mit uns."
Wenn es in den Jahren von 1968 bis 1978 darum ging,
Chancen wahrzunehmen,
gibt es keinen besseren Tribut
als die Neuerfindung von Sidney Poitier
als ernster Arbeiter in Samstagnacht oben in der Stadt.
Alles ok, Baby?
Mir geht es gut.
Ich liebe Sidneys Comedy.
Meine Herren.
Er ist unglaublich witzig.
Ich liebe es, dass es das Schwarze Leben
auf normalisierte Weise darstellt.
Poitier zeigte überzeugend,
wie er sich sichtlich unwohl im Anzug fühlte,
den er sonst wie eine zweite Haut trug.
Es begeisterte das Publikum, dass er seinen eigenen Stil parodierte.
Und er war wieder ein Filmstar in einem seiner größten Hits.
Wenn Poitier sich auf völlig neue Weise
in einem Film neu erfinden konnte, dann ist alles möglich.
Das größte Vermächtnis dieser Ära,
während einer Zeit des Umschwungs im Mainstream,
war die Widerspiegelung der Freude Schwarzer Darsteller
vor der Kamera.
Es gab mehr Auftritte Schwarzer Hauptdarsteller
als in allen Filmen der 1930er Jahre zusammen.
In einigen Fällen sogar mehrere Auftritte,
die mit einem Soundtrack unterlegt wurden.
Das Publikum musste investiert sein,
wie bei einem Moment in Musicals, bevor eine Tanznummer beginnt.
Es herrscht Spannung.
Es war das Jahrzehnt der Ankündigungen,
der Karrieren und Erfolgsmöglichkeiten Schwarzen Schauspieler.
Die Filmbranche verschwendete dieses Potenzial.
Zum Beispiel Cleavon Little…
Wo sind die weißen Frauen?
…dessen Energie und Elan genauso verantwortlich
für den Erfolg von Der wilde wilde Westen waren wie der Rest.
Was haben Sie erwartet?
"Willkommen, Sonny"?
Cleavon Little fand nie wieder eine andere Hauptrolle,
um seine Fähigkeiten zu zeigen,
im Gegensatz zu seinem Filmpartner Gene Wilder.
REGISSEUR: SIG SHORE
Diese Welle musikalischer Endorphine prägte einen Film
mit dem meistverkauften Schwarzen Soundtrack der Zeit,
mit Regie vom Produzenten von Super Fly.
Das Musical ist so gelassen, dass die Band nicht mal redet.
Die Musik des Films sei so wohlklingend, dass es nicht nötig war.
Der spirituelle Schwall von Songs wie "That's the Way of the World,"
untermauerte das.
Die erste große Studio-Version einer Sklavenerzählung,
die Verfilmung von Mandingo,
taucht auf der Leinwand mit einer auffälligen Demut auf.
Diese jahrhundertealte literarische Sensation
wurde vom Oscar-nominierten Norman Wexler verfilmt,
besetzt mit James Mason und seinem überladenen Akzent…
Runter mit dir.
Ok.
…was nach der trashigen Parade des Rassismus weniger verrückt erscheint.
Die Besessenheit des Films von Schwarzer Sexualität
und der Angst der Weißen davor,
inspirierte die körperbetonte Fotografie von Robert Mapplethorpe.
Somit war der Schwarze Jesus der Cousin des Wiedergängers.
Aber der Schwarze Film hat weiterhin in mehreren Genres Erfolg.
Mit Coonskin von Autor und Regisseur Ralph Bakshi.
Eine Kombination aus Live-Action und Animation mit Barry White,
Schauspieler und Bühnenautor Charles Gordone und Philip Michael Thomas,
der später in Miami Vice die Hauptrolle spielte
und alle Preise abräumte.
Beginnend mit seinem Titel enthält Bakshis Experiment
viele Kommentare über Herkunft und seine filmische Behandlung.
Von der Parodie von Br'er Rabbit bis zu Krazy Kat.
Nacht für Nacht bleibt Malcom cool.
Konzeptionell löste Coonskin so viel Aufruhr aus,
er war skandalös und unterhaltsam.
Das war die Absicht.
Diese Ladung wird zu schwer.
Ob gut oder schlecht, es gibt nichts Vergleichbares.
Plötzliche Polizeigewalt gegen Schwarze Menschen
war weiterhin Teil des Schwarzen Films.
In Cornbread, Earl and Me
ging es um die Erschießung eines Schwarzen Jungen.
Das sorgte damals für Erstaunen, da man das selten in Filmen sah.
Schwarze Zuschauer kannten das nur zu gut.
Das Zersplittern der Limo in der Szene,
war eine derbe Metapher fürs Blutvergießen.
Ich bekomme immer noch Gänsehaut.
Cornbread!
Der Film ist der ursprüngliche Boyz N The Hood.
Es ist eine tragische Geschichte.
Und Boyz N The Hood ist auch eine tragische Geschichte.
Zwischen den Filmen liegen etwa 20 Jahre.
Wir fahren nicht illegal mit öffentlichen Verkehrsmitteln.
Ab dem Erfolg von Shaft und den Sportler-Abenteuern
beinhalteten Filme weniger Action und waren realer.
Cooley High, eine Schwarze Version von American Graffiti
über das Auf und Ab des Erwachsenwerdens, entstand.
Die Geschichte wurde untermalt durch Lieder von Motown.
Das wäre der Soundtrack der Figuren im Jahr 1964 gewesen,
zu welcher Zeit der Film spielte.
Das Gefühl der Nostalgie überflutete das Schwarze Publikum.
Es gefiel ihnen.
Das ist Musik von Motown.
Und es ist die Kulisse des Lebens von Schwarzen Menschen.
In einem Film.
Das ist schön. Eine nette Abwechslung.
Eine der ersten Szenen, die wir drehten, war die Bus-Szene.
Genau so bin ich in Manhattan aufgewachsen.
Das haben wir getan. Meine Clique und ich.
Wir sprangen an den Bus, auf der 7th Avenue.
Das werde ich nie vergessen.
Aber als wir auf der 7th Avenue
an den Bus sprangen, war überall Kopfsteinpflaster.
Du hast dich um dein Leben festgehalten!
Könnte ich einen Hotdog haben?
Turman spielt die komödiantischen und echten Momente.
Er ist ein wichtiger Teil von Cooley High.
Seine Darstellung ist subtil.
-Ketchup, bitte? -Haben wir nicht.
-Kein Ketchup? -Genau.
Und Relish? Könnte ich Relish haben?
Haben wir nicht.
-Kein Relish? -Kein Relish.
-Was habt ihr? -Senf.
-Senf? -Genau.
So ein großes Lokal, und ihr habt nur Senf?
-Genau. -Ich mag keinen Senf. Du?
Ja, ich mag Senf.
Na dann, hier. Iss du doch den Hotdog.
Und während deiner Karriere
kommen Dinge auf dich zu, bei denen du denkst: "Ja, das ist… Ja!"
Plötzlich kommt ein Anruf.
Nicht mal von meinem Agenten. Von ganz woanders her.
"Glynn, Ingmar Bergman sucht dich."
Ich sagte: "Mir ist nicht nach Schauspielerei.
Ich sitze hier im Dunkeln.
Meine Kinder haben Hunger. Wir essen Kartoffeln."
Und ich legte auf.
Er rief zurück und sagte: "Nein, im Ernst."
Er hat mich gesucht. Und er hatte Cooley High gesehen
und sagte, er wusste dann, dass ich der Richtige für seinen Film sei.
Es wechselt also von zu Tode betrübt
zu himmelhochjauchzend.
Es ist wie eine Achterbahn.
Eine unglaubliche Achterbahn.
MAHAGONI (1975) REGISSEUR: BERRY GORDY
Du bist ungeheuerlich.
Oldschool-Glamour, wie mit Diana Ross und Billy Dee Williams,
erwies sich 1975 im romantischen Melodrama Mahagoni
weiterhin als wirksam.
Du musst es aufpeppen. Zeig ihnen deinen Charme.
Ich habe das Gefühl, dass Schwarze Männer stets denken…
Vielleicht gibt's dafür gute Gründe, offensichtliche Gründe.
Dieses Bedürfnis immer Stärke zu zeigen.
Verletzlichkeit ist eine wunderbare Sache.
Ein wunderbares Werkzeug, wenn man eine Figur spielt.
Ich habe dich auch vermisst.
Aber so bin ich. Ich bin so ein Mensch.
Ich habe keine Angst, meine Gefühle zu zeigen
oder sie zum Ausdruck zu bringen,
wenn mir etwas am Herzen liegt.
Spiel, Sam.
REGISSEUR: CHARLES R. RONDEAU
Die Pop-Soul-Gruppe Bloodstone, mit ihrem Hit Natural High,
investierte ihr eigenes Geld,
um das berührende und seltsame Musical
Train Ride to Hollywood zu produzieren.
Ein Pastiche der Filmklischees der 40er. So machten sie sich selbst publik.
Eines von Richard Pryors Talenten war, Kulturkritik genau ausdrücken zu können.
Das bewies er 1976 mit seinem Comedy-Album Bicentennial Nigger
und seiner Meinung gegenüber Flucht ins 23. Jahrhundert,
einer bunten Sci-Fi-Fantasy, bevor es Star Wars gab.
Ich sah mir Flucht ins 23. Jahrhundert an.
Das soll ein Film über die Zukunft sein.
Es gibt keine Schwarzen zu sehen. Ich sagte: "Die Weißen planen ohne uns."
Deshalb müssen wir Filme machen. Dann sind wir dabei.
Die Leute wollen nie… Und bitte vergibt mir.
Die Leute wollen Weiße nicht beleidigen.
Sie wollen, dass Weiße auf ihrer Seite sind,
damit sie diese Filme machen können.
Im Jahr 1976, nachdem Schwarze Filme
das Ideal heldenhafter Protagonisten erfüllen,
erkannten Mainstream-Filme wieder ihren Wert.
Lächele, du Mist…
Der Clou und Der weiße Hai brachten den Triumph
weißer männlicher Filmstars zurück. Mit mächtigem Erfolg.
Der weiße Hai und Der Clou
wurden von den Produzenten von Willie Dynamite hergestellt.
Die Handlung von Der Clou könnte aus dem Roman Trick Baby stammen,
ebenfalls ein Film.
Und am Ende des Jahres 1976 stand Rocky Balboa, ein Held,
der aus einem Schwarzen Actionfilm sein könnte,
einem höhnischen Muhammad-Ali-Typus gegenüber.
Obwohl Rocky den Kampf nicht gewann,
bekam er den Oscar für den besten Film und den Kassenerfolg.
Er sieht aus wie eine große Flagge.
Man sieht einen Schwarzen Schwergewichts-Champion,
der eine Parodie der virilen Persona war,
die Ali in den Ring brachte.
Aber Ali nutzte Humor als Gedankenspiel gegen seine Gegner,
die ihn nervös machen wollten. Er war kein Clown.
Ali wusste, er konnte sich locker geben,
weil seine Fähigkeiten seine Unbeugsamkeit bewiesen,
samt der Bereitschaft, Schläge einzustecken,
was seine Parkinson-Erkrankung wohl beschleunigt hat.
Stallone stahl clever von der Schwarzen Kultur.
Ideen, wie das Rind als Boxsack zu benutzen
und die Museumsstufen hochzulaufen. Das tat Joe Frazier zuerst,
wie uns das Buch Ghosts of Manila erinnert.
Als Rockys Gegner, Apollo Creed,
verbog sich Carl Weathers zu einer Brezel, um sich auf Stallones Höhe zu bringen.
Ich brauchte einen Chiropraktiker, nachdem ich sah,
wie sich Weathers zu Rockys Fäusten verbog.
Ab 1976 wurde die Macht der Musicals,
um die Aufmerksamkeit des Publikums zu gewinnen,
nicht mehr nur von Mainstream-Filmemachern genutzt.
Mit Car Wash wollte Komponist Norman Whitfield
Shaft und Super Fly übertreffen.
Mit der Zugabe von effektivem Funk zum sozialen Kontext.
Und es hat funktioniert.
SPARKLE - DER WEG ZUM STAR (1976) REGISSEUR: SAM O'STEEN
Dieses Lied, "Something He Can Feel",
war Curtis Mayfields Vorstellung von Motown-Girl-Group-Magie.
Mayfield schrieb diesen Prototyp von Dreamgirls,
ein Schwarzes Showbusiness-Melodrama, Sparkle.
Ich bin zu jung Um dir zu sagen, wo ich herkomme
Der Film sollte die Karriere von Lonette McKee starten
und Irene Cara und Philip Michael Thomas Aufmerksamkeit geben.
Sparkle war Drehbuchautor Joel Schumachers Nachfolger von Car Wash.
Damit wollte er das Publikum hypnotisieren und selbst Regie führen.
Der Film beeindruckte die wenigen, die ihn sahen,
aber nicht mit Schumacher hinter der Kamera.
Wie der potenzielle Publikumsliebling,
The Bingo Long Traveling All-Stars & Motor Kings,
fungierte die Geschichte der Negro Leagues auch als Metapher für den Aufwand
Schwarzer, um das Publikum zu unterhalten.
Die Spieler mussten eine Show auf dem Weg zum Stadion geben
und spielten neun Innings Baseball.
Ich liebte es. Ich wollte Bingo spielen,
denn Bingo war eine tolle Figur.
Der Mann garantiert uns $200.
Wenn man das durch 11 teilt, ergibt das…
…viel Geld!
Bingo verkörpert alles, was Williams ist. Er ist sportlich. Er ist lebenslustig.
Voller Unsinn.
REGISSEUR: ARTHUR BARRON
Wen hast du da?
Eine echt hübsche Dame.
Der Film Brothers von 1977 war ein seltsamer und seltener Versuch
eines Schwarzen politischen Melodramas.
Mit seiner eindringlichen Filmmusik
war es eine Kombination von Ideen mit Bernie Casey und Vonetta McGee.
Die Figuren basierten auf George Jackson und Angela Davis.
Aber der Film hat nur ihre Attraktivität hervorgehoben.
Bevor Marvel und DC kontinuierlich
Verfilmungen ihres Universums herausbrachten,
erschien die wohlgemeinte Superheldengeschichte,
Abar: the First Black Superman, auf der Leinwand.
Dieser Film feiert den Watts Tower
in der Schwarzen Gemeinde.
Feuer frei!
Und in einer frühen Version des Samplings
wurde Captain Americas Herkunftsgeschichte aufgetischt.
Als Schwarze sollten wir uns stets zusammenreißen.
Dafür opfere ich alles außer Mord.
Ich könnte dich unzerstörbar machen.
Der Zyklus des Schwarzen Films endete langsam,
als der Profit bestimmter Schwarzer Filme
exponentiell rückläufig war.
Es gab also keinen Platz für einen Höhepunkt der 1970er Jahre.
Der Titelsong einer Biografie über einen echten Boxer
provozierte zunächst unbeabsichtigt Lacher.
Ich glaube, Kinder sind unsere Zukunft
Unterrichtet sie gut Und lasst sie uns den Weg weisen
Zeig ihnen die Schönheit Die sie im Inneren besitzen
Houstons Chart-Hit des Lieds
veränderte es von Egozentrismus zu Selbstbestärkung.
Da man ihn so gut annahm, führte dies zu einem Generationswechsel.
Die Schauspieler von 1968 übernahmen Alis Prahlerei.
Dies veränderte, wie der Mainstream Ali wahrnahm.
Aus dem Angeber wurde "The Greatest Love of All."
Vor dieser Ära von 1968 bis 1978
war den Studios die Filmmusik egal,
weil sie sich nicht gut verkaufte.
Sie kamen meist Monate nach dem Filmstart raus.
Schwarze Filme aus den 70ern ignorierten das.
Die Filmmusik war nicht nur eine Textur, sondern auch Gedanken und Geräusche.
Ihr Mut verwandelte Filmmusik und Mainstream-Musik für immer.
Plötzlich wurde Filmmusik kommerziell.
Schwarze Filmmusik vervielfachte sich,
wurde von R & B-Sängern, Jazzkünstlern komponiert und gespielt.
Klassisch ausgebildete Musiker
schufen eine Mischung aus Klassik und Moderne.
Session-Schlagzeuger Bernard Purdie
wollte die wahre Definition von Funk
im Film Lialeh zeigen,
wo er die Musik spielt, die er für den Film komponiert hat.
Irgendwann musste das auffallen,
da so viele Hits von Schwarzen Filmen entstanden.
Robert Stigwood drehte einen Film
über weiße Disco-Liebhaber in der Mittelschicht.
Also Schwarze Musik.
Weil Stigwood auch ein Plattenlabel besaß,
benutzte er einen Soundtrack mit seinen größten Stars,
den Bee Gees, um den Film zu verkaufen
und seinem Publikum zu verhelfen, keine Angst vor Schwarzen zu haben.
Bald dominierten Soundtracks die Pop-Charts.
Das war durch die Schwarzen Filme zu erwarten.
Eine der vielen andauernden, nicht anerkannten Erfolge
Schwarzer Filme dieser Ära.
1977 erlangte das Beste des Schwarzen Films eine Hommage.
Die Vorstellung des Stars, mit der Energie und dem Selbstbewusstsein.
Das kam endlich in den Mainstream-Filmen an.
REGISSEUR: JOHN BADHAM
REGISSEUR: GORDON PARKS
Das heißt, jede Generation bekommt ihren eigenen Elvis oder Eminem.
John Travolta war ein weiterer Teil der jahrzehntelangen Nutzung des Swag.
Eine nicht ganz weiße Version der Schwarzen Coolheit.
Die zweitbeste Sache.
Travolta hat sich als Tony Manero
wohl nicht als Erstes den Schwarzen Stil angeeignet,
aber er hat es mit seinem Können für Enteignung verkörpert.
Seine Intensität und Absicht
wurden zu einem wahrhaft kulturellen Phänomen,
das größte aller Zeiten.
Bis 1978 war Richard Pryor in 20 Filmen zu sehen.
Abgesehen von ein paar Rollen,
seinem Live-Standup und Wattstax, nutzte keiner sein Talent.
Willst du ein Radio?
Mein Spind ist seit sechs Monaten kaputt,
und die Firma hat nichts getan.
Ich muss meinen Finger in ein kleines Loch stecken.
Ich schnitt mich vor zwei Wochen. Es ist noch nicht verheilt.
1978 spielte er eine anspruchsvolle Rolle.
Er spielte einen brisanten und unglücklichen Mechaniker.
Seine einzige Lieblingsrolle.
Sie sind ein armer weißer Assi.
Das war's. Ich habe den Schwachsinn satt.
Ich bringe ihn um! Verstanden?
Es war ein Film mit kampflustiger Atmosphäre.
Man hätte einen Film über das Making-of machen können.
Im nächsten Jahr hat Pryor
sich von den goldenen Handschellen freigemacht.
Mit seiner komplexesten und bemerkenswertesten Rolle
als er selbst.
Ich will nie mehr in meinem Leben Polizisten sehen.
Bei mir zu Hause.
Pryors unglaubliche Kontrolle im Film Live in Concert zu sehen,
machte ihn zum Tony Williams der Comedians.
Es zeigte nur, wie Studios Filme machten,
wie The Wiz, die sein Talent verschwendeten.
Betrüger!
Als könnte nur eine Sache
den Schwarzen Film vor der Vergessenheit bewahren.
The Wiz ist raus! Er ist nicht hier!
Ich bin auf dem Weg zu The Wiz.
Er bringt mich nach Hause.
Das ist schön.
War es ein Musical von einem der angesehensten Regisseure,
mit einem Filmdebüt eines Darstellers, der das größte Popmusik-Phänomen
des nächsten Jahrzehnts werden sollte?
Und ein Budget, das den Ausgaben entsprechen könnte,
um alle Schwarzen Filme von 1968 zu produzieren?
In Theorie ein guter Gedanke, aber nicht im echten Leben.
Der Regisseur war jemand, dessen beste Arbeit
spannende, düstere Filme waren, wie Serpico und Hundstage.
Die Frau ist 20 Jahre zu alt für die Rolle,
und der Expressionismus
und die Intimität der Bühnenshow im Gospel-Stil
wird durch hunderte sich ausweichenden Statisten
in Outfits, die versuchen, zu beeindrucken, ersetzt.
The Wiz soll 25 bis 40 Millionen Dollar gekostet haben,
so viel wie Super Fly einnahm.
Es fehlte die ansteckende Brillanz Schwarzer Filme, die Erfolg hatten.
Nur ein Drittel der Ausgaben wurde verdient.
Er bekam schlechte Kritiken,
wie die meisten Filme, die viel Umsatz machten.
Fakt ist, The Wiz machte Verluste.
Das gab der Filmbranche den Grund, nach dem sie suchte.
Und zwar: Schwarze Filme sein zu lassen.
Das gab den Studioleitern eine Gelegenheit zu sagen:
"Schwarze wollen sich nicht mehr in Filmen sehen."
Ich hörte einen sagen:
"Schwarze sehen sich eh nicht in historischen Dramen."
Im Jahr 1978
spielte der weiße männliche Filmstar wieder den Helden,
nachdem er ein Jahrzehnt lang den Anti-Helden verkörpert hat.
Den sicheren, knallharten Helden.
Burt Reynolds ist Hooper.
Und Hooper ist ein echter Held.
Man lernte endlich,
was Schwarze Filme früh verstanden.
Der größte Mythos, den die Filme anwerben,
was zurück auf D.W. Griffith und früher führt,
ist, dass wir gerettet werden wollen.
Aber es ist oft eine befriedigende Lüge,
wie ein Chili-Cheeseburger, ungesund, aber so gut.
Warren Beatty stieg vom hilflosen Bankräuber in den Himmel auf.
Mit Der Himmel kann warten könnte sich der Kreis schließen,
denn ein 70er-Remake von Urlaub im Himmel
begann in den Händen eines Schwarzen, der mit Francis Coppola arbeitete.
Es war ein lustiges Drehbuch. Er ist ein weißer Typ,
der stirbt und als Bill Cosby zurückkommt,
aber alle sehen ihn als weiß.
Keine Ahnung, warum er nie gemacht wurde.
Robert De Niro setzte seine Filmstar-Ballung ein,
indem er einen Rächer spielt.
Clint Eastwood hing mit den Affen ab.
Und die Rakete, die 1938 vom Planeten Krypton
von DC Comics gestartet wurde,
erschien endlich auf der großen Leinwand.
SCHAFE TÖTEN (1978) REGISSEUR: CHARLES BURNETT
Aber im Jahr 1978 rückte der Höhepunkt des Jahrzehnts in den Vordergrund,
ein Kunstwerk, das seit Ende des vorherigen Jahres gespielt wurde.
Der Regisseur arbeitete ein Großteil des Jahrzehnts am Film.
Um fair zu sein, es war eine Abschlussarbeit.
Musik wurde geschickt eingesetzt, um Figur und Umgebung zu verdeutlichen.
Man sah seine Beherrschung des Mediums.
Dies wurde im nächsten Jahrhundert nachgeahmt.
REGISSEUR: CHARLES LANE
REGISSEUR: DAVID GORDON GREEN
REGISSEUR: REGINALD HUDLIN
Burnett lieh sich Dinah Washingtons "This Bitter Earth"
wegen des Herzschmerzes.
Und Martin Scorsese würdigte die Szene in Bild und Musik.
Ich bewunderte die Leute, mit denen ich aufwuchs.
Die Väter, die…
Im Gegensatz zu Hollywoodfilmen,
wo jeder eine Prostituierte ist oder die Familie verlässt.
Und eine Mutter ist alleinerziehend…
Diese Eltern und Väter haben hart gearbeitet.
Ich wollte, wie sie sein. Dort, wo ich aufwuchs,
respektierte ich die Leute und mochte sie, weil ich sah, wer sie waren.
Und das sind Leute, die in Geschichten nicht vertreten waren.
Sie waren Arbeiter. Watts war ein interessanter Ort.
Als ich zum ersten Mal zur UCLA ging,
gab es am Semesterende die Vorführung namens Royce Hall Screenings.
Und sie zeigten die besten Filme,
die in der Filmabteilung des Jahres gezeigt wurden.
Und ich hatte an einem Kurs mit…
Basil Wright, einem Dokumentarfilmer,
der Song of Ceylon machte. Ich hatte Glück, in seinen Kurs zu kommen.
Ich erinnere mich an die Filme in der Royce Hall.
Ich verstand kein Wort davon. Ich identifizierte mich nicht…
Das war zu einer Zeit der Hippies.
Nackt zu sein, zum Topanga Canyon zu gehen.
Und sie rauchen Gras und all das
und finden sich selbst,
entdecken sich und ihre Sexualität neu.
Und das waren nicht die Probleme in meiner Gemeinde.
Schafe töten demonstrierte das Potenzial des Mediums
von einem Dichter, der das Schöne in seinem Viertel findet.
Und natürlich wurde er von der Presse ignoriert.
Man erwähnte ihn nicht,
selbst als Filmemacher Erfolg dabei hatten, ihn nachzuahmen.
Der Schwarze Film wurde ausgerottet. Aber er weigerte sich.
In jedem Jahrzehnt seit 1978 gab es einen Aufstieg und Abstieg
für begabte Schwarze Filmemacher, die nicht aufgeben.
Die, die Vergangenheit vergessen,
sollen ein Remake von Shaft machen?
Man spricht viel über den Stolz aus der Zeit,
aber ich denke an etwas, das meine Großmutter sagte:
"Stolz ist eine Falle.
Das heißt, du willst dich brüsten.
Das ist egoistisch.
Stattdessen genieße, was du tust. Das gehört ganz allein dir.
Andere sollen das mit dir teilen wollen."
Das empfand ich bei diesen Filmen.
Das Vergnügen, das diese Künstler beim Filmen hatten,
gaben sie mir und anderen weiter.
Es lebt weiter.
Für die, die nicht hier sind.
Sie waren nicht nur eine Quelle der Hoffnung,
sondern auch ein Beweis dafür,
dass wir hier waren, dass wir existieren,
dass wir Kultur schaffen,
dass unsere Gemeinschaft lebensfähig ist, dass sie wichtig ist,
dass wir was zu sagen haben und gehört werden.
Eine letzte Anmerkung.
Eine Person symbolisierte alle Höhen und Tiefen der Zeit.
Von der Nummer eins im Kino zur Nebensache
und zu den letzten Überlebenden.
Sidney Poitier
schlug einen anderen Weg ein, ohne langsam zu machen.
Er vertraute auf das Schwarzes Publikum.
Von 1968 bis 1978 spielte er in fünf Filmen mit,
in denen er Regie führte.
Ich vertraue auf die Bibel.
Es ging stets um Figuren, die vorgaben, jemand anderes zu sein.
Verdammt, wir haben dir vertraut! Warum wir?
Warum nicht, Bruder?
Ich habe ihn einmal danach gefragt, die wenigen Male, als ich mit ihm sprach,
und er lehnte stets ein Interview ab.
Als ich erwähnte, dass es bei seinen fünf Filmen um Betrug ging…
Augen auf.
…lachte er und sagte:
"Junger Mann, ich habe bereits einen Therapeuten."
Du bist zu großen Taten von Stärke und Mut fähig.
Stärke und Mut.
Du kannst jeden Kämpfer der Welt besiegen. Du gewinnst die Meisterschaft.
-Das werde ich? -Ja!
Aber in Amerika Schwarz zu sein, bedeutet oft, sich daran zu erinnern,
dass andere dich nicht so sehen, wie du dich selbst siehst.
Man versucht die Lücke dieser Auffassungen zu schließen.
Meine Großmutter hätte mir da wohl zugestimmt.
Untertitel von: Michèle Jochem Yunus