Downloaded from YTS.MX
Official YIFY movies site: YTS.MX
MADE IN ENGLAND DIE FILME VON POWELL UND PRESSBURGER
PRÄSENTIERT VON MARTIN SCORSESE
REGIE DAVID HINTON
Ich wurde im Jahr 1942 geboren.
Und als ich etwa drei Jahre alt war, bekam ich Asthma.
Und das bedeutete,
dass ich nicht so viel herumlaufen und spielen konnte wie die anderen Kinder.
Also saß ich
vor dem Fernseher und schaute Filme.
Einige der allerersten Bewegtbilder, an deren Anblick ich mich erinnern kann,
sind aus Der Dieb von Bagdad .
Peitscht euch, ihr Winde des Himmels!
Peitscht, bis ihr laut aufheult!
Ich wusste es damals nicht,
aber Michael Powell war einer der Regisseure dieses Films.
Und für ein Kind
könnte es keine bessere Einführung
in die geheimnisvolle Welt des Michael Powell geben.
Dies war der Film eines großen Showman,
und jedes Bild
erfüllte mich mit Staunen.
Die Kraft, die ein Film haben kann,
hat mich voll und ganz gepackt.
Meine Augen!
Ich bin blind!
Was ich damals sah, war natürlich
keine prächtige Technicolor-Kopie des Films,
sondern vielmehr eine sehr schlechte Schwarzweiß-Fassung
auf einem 16-Zoll-Bildschirm, unserem Familienfernseher.
Und doch
hatte es noch die Kraft, mich zu packen
und für immer in meinem Gedächtnis zu bleiben.
Amerikanische Filme, ja.
Sogar italienische Filme, neorealistische Filme
habe ich im Fernsehen gesehen.
Aber das Interessante am Fernsehen zu dieser Zeit
war, dass viele Filme im amerikanischen Fernsehen
britische Filme waren.
Weil amerikanische Verleiher nicht ans Fernsehen verkaufen wollten.
Britische Verleiher anscheinend schon.
Und das ist der Grund,
warum das britische Kino für mich so prägend war.
Ich war immer ganz begeistert von den verschiedenen Logos
der verschiedenen britischen Filmunternehmen.
Aber es gab eines, das besonders vielversprechend war.
Und zwar die Zielscheibe von The Archers...
EINE PRODUKTION VON THE ARCHERS
die einen Powell-Pressburger-Film einläutete.
Und als ich zehn oder elf war,
sah ich ohne Ende Powell-Pressburger-Filme im Fernsehen.
Sie wurden oft gezeigt.
Es gab einen namens Hoffmanns Erzählungen .
Was, würde man meinen, kein naheliegender Film
für den Genuss eines Kindes ist.
Es ist im Grunde eine Oper aus dem 19. Jahrhundert, aber...
Ich habe ihn mir nicht nur einmal angesehen, ich habe ihn
wiederholt und zwanghaft gesehen.
Er lief in dieser Sendung namens Million Dollar Movie ,
die die ganze Woche lang denselben Film zeigte,
zweimal am Abend
und dreimal am Wochenende.
Aber ich war einfach hypnotisiert davon.
Und diese wiederholten Sichtungen brachten mir so ziemlich
alles bei, was ich über das Verhältnis von Kamera und Musik weiß.
Und selbst heute
gehen mir die Musik und die Bilder aus diesem Film
noch oft durch den Kopf.
Tatsächlich
glaube ich, dass die Powell-Pressburger-Filme
eine tiefgreifende Wirkung auf die Sensibilität hatten,
die ich in alle meine bisherigen Arbeiten einbringe.
Ich war als Kind so verzaubert von ihnen,
dass sie einen großen Teil meines filmischen Unterbewusstseins ausmachen.
Mit meinem Vater ins Kino zu gehen,
war auch ein sehr wichtiger Teil meiner Kindheit.
Die schönsten Kinos damals waren Spektakel an sich, große Filmpaläste,
und die Leinwände waren riesig.
Und sie erfüllten einen mit Hoffnung und Vorfreude auf etwas Wunderbares.
Und ein Film,
der all diese Erwartungen erfüllte,
war Die roten Schuhe .
Es war das erste Mal, dass ich das Logo von The Archers in Farbe sah.
Und natürlich erinnere ich mich besonders an die Ballettsequenz.
Ich wollte wissen, wie sie es geschafft haben,
die Tänzerin in einen Zeitungsfetzen zu verwandeln.
Heute heißt es, dass Powell-Pressburger
etwas repräsentiert, das man „Englische Romantik“ nennt.
Aber ich weiß nicht wirklich, was das ist.
Für mich hat der überwältigende Eindruck ihrer Filme
immer mit Farbe zu tun,
mit Licht,
mit Bewegung und einem Sinn für Musik.
Und schon als Kind
war ich sehr beeindruckt von der Theatralik in Die roten Schuhe .
Von der filmischen Theatralik.
Von der Gestaltung der Schauspieler:innen im Bild.
Von der Art und Weise, wie sie aussahen und sich bewegten.
Von den dramatischen Blickwinkeln und der Beleuchtung.
Man hatte den Eindruck,
in einem Film wie diesem könnte alles passieren.
Und ich war gefesselt davon, wie mysteriös
und hysterisch der Film war.
Die Erfahrung war so intensiv, dass dieses erste Mal,
als ich Die roten Schuhe sah,
wohl einer der Ursprünge meiner eigenen Besessenheit vom Kino war.
Als ich Student und dann ein junger Filmemacher wurde,
blieben Powell und Pressburger eine ständige Faszination.
Aber wir konnten ihre Filme nur in sehr unvollständiger Form sehen.
Sehr minderwertige Versionen, schlechte Kopien.
Aber wir wussten, dass diese Filme etwas Besonderes an sich hatten.
Und wir waren fasziniert
von der unverwechselbaren Handschrift in diesen Filmen.
Drehbuch, Produktion und Regie von Michael Powell und Emeric Pressburger.
So eine gemeinsame Namensnennung
war wirklich ein Novum, und wir wollten wissen, wer was machte:
Wer sagte „Cut“? Wer sagte „Action“?
Es war alles ein Rätsel.
In jenen Tagen waren die einzigen Informationsquellen
Bücher und Zeitschriften... vielleicht.
Und wir lasen natürlich von britischen Regisseuren
wie David Lean und Carol Reed und Alfred Hitchcock.
Aber nur sehr, sehr selten wurden Powell und Pressburger erwähnt.
Und infolgedessen
wurden sie zu mythischen Wesen
für mich und meine Freunde.
Dann endlich, im Jahr 1970,
sah ich eine 35mm-Farbkopie von Augen der Angst ,
der ein legendäres Werk
unter Filmstudierenden und Filmschaffenden geworden war.
Das macht dann zwei Pfund.
Ich war ein besessener junger Filmemacher,
der einen Film über einen besessenen jungen Filmemacher sah,
der auch dazu noch Psychopath ist.
Es ist ein Horrorfilm
ohne Blut,
in dem das Schreckensinstrument die Filmkamera selbst zu sein scheint.
Nein!
Als ich ihn zum ersten Mal sah, konnte ich kaum glauben,
dass ein solch roher und provokativer Film
von demselben Michael Powell gemacht wurde,
der Die roten Schuhe gemacht hatte.
Aber so war es.
Und er wagte, was niemand sonst vor ihm wirklich gewagt hatte.
Zu zeigen, wie nahe das Filmemachen dem Wahnsinn kommen kann.
Wie es dich verschlingen kann, wenn du es zulässt.
Zu dieser Zeit machte ich Filme auf eigene Faust.
Und 1974, nachdem ich Hexenkessel gemacht hatte, ging ich nach England,
wo ich mich auf einer Cocktailparty wiederfand,
die von einem Mann namens Michael Kaplan gegeben wurde.
Und ich befragte ihn über dieses Mysterium.
„Kennen Sie einen Michael Powell?
Existiert er?
Gibt es eine solche Person?“
Und er sagte: „Oh ja, er lebt irgendwo in einem Wohnwagen.“
Nun, das stellte sich als Übertreibung heraus.
Tatsächlich lebte er in einem Cottage in Gloucestershire,
aber er machte eine schwere Zeit durch.
Er war so gut wie vergessen
und aufgegeben von der britischen Filmindustrie.
Und er konnte sich kaum leisten, sein eigenes Haus zu heizen.
Aber natürlich wollte ich ihn kennenlernen.
Und ein Drink wurde arrangiert.
Und plötzlich saß ich da, im Gespräch mit Michael Powell,
der erstaunt war, dass jemand mit ihm über seine Filme reden wollte.
Er hatte keine Ahnung, dass seine Arbeit eine Inspiration war für mich,
für Brian De Palma,
für Coppola und so viele andere der neuen Generation.
Natürlich spreche ich schnell, und ich war voller Energie und sehr aufgeregt.
Ich bombardierte ihn mit Fragen.
Und er sagte nicht viel.
Michael sagte nicht viel. Er war sehr zurückhaltend.
Sehr ruhig in seinen Antworten.
Aber später fand ich heraus, dass ihn das Treffen sehr bewegt hatte.
Denn er schrieb in seiner Autobiografie,
dass er während dieses Treffens
das Blut wieder durch seine Adern fließen spürte.
Neulich, hab ich einen Querschläger-Keks gegessen.
Das ist die Art von Keks,
die von der Wand abprallt und in deinen Mund fliegt.
Wenn er nicht zurückprallt...
bleibst du hungrig!
Nach unserem Treffen arrangierte ich
für Michael eine Vorstellung von Hexenkessel .
Und er schickte mir einen Brief, in dem er den Film lobte.
Außer...
dass er fand, ich hätte zu viel Rot benutzt.
ICH WAR DAS ROT LEID
Zu viel Rot.
Ich sagte ihm aber nicht,
dass seine Filme auch was damit zu tun hatten.
Schau all das Rot an, das er benutzt.
Wir fingen jedenfalls an, uns zu schreiben,
und irgendwann kam er nach New York.
Er wurde einer Menge von Leuten vorgestellt und eingeladen,
der Senior Director in Residence bei Zoetrope zu werden,
Francis Coppolas Firma in LA.
Und sein Leben nahm eine Wendung.
Ich habe hier eine Art Routine. Ich...
Morgens arbeite ich an meiner Autobiografie,
und gegen 11 Uhr gehe ich rüber ins Studio.
So halte ich den Verkehr an.
Wenn ich das in New York machen würde, würden sie mich überfahren.
In Kalifornien kommst du mit allem durch.
Ob du’s glaubst oder nicht,
dieses prächtige Gebäude
wurde von Dr. Kalmus von Technicolor gebaut,
für Technicolor.
Ein wunderschönes Art-Déco-Gebäude.
Das waren noch Zeiten.
Herrliches Technicolor!
Guten Morgen, Herr Oberst. Irgendwas für mich?
Okay.
Michael wurde 1905 in Bekesbourne, einem Dorf in Kent, geboren
und wuchs auf dem Land auf,
als Sohn eines Hopfenbauern.
Seine Karriere beim Film begann, als er 20 war.
Ich fuhr in die Ferien, bekam einen Job bei einer Filmfirma in Südfrankreich
und kam nie wieder zurück.
Er begann seine Arbeit als Hilfskraft
bei den Victorine Studios in Nizza,
wo der amerikanische Regisseur Rex Ingram
für MGM epische Stummfilme drehte.
Ich war bei einer großen amerikanischen Firma
und arbeitete in Europa.
Die Disziplin war locker,
und ich hatte das Sagen in allen Abteilungen.
Und ich denke immer, es war seine Ausbildung bei Ingram,
die Michael darauf brachte,
in seinen Filmen nach Erhabenheit zu streben.
Opulente Bilder, gesteigerte Emotionen
und eine Vorliebe für Schock und Spektakel anstelle von Realismus
und, Zitat, „gutem Geschmack“, Zitat-Ende.
Während der Arbeit mit Ingram
wirkte er auch als Schauspieler und Stuntman
an einer Reihe von Kurzfilmkomödien mit, die sie The Riviera Revels nannten.
Hier ist er im Jahr 1927,
in der Rolle eines unschuldigen englischen Touristen.
Michael kehrte 1928 nach England zurück,
und er ging eine Partnerschaft
mit dem amerikanischen Produzenten Jerry Jackson ein,
um ‚Quoten-Quickies‘ zu produzieren.
Das waren Kurzfilme, die sehr schnell und sehr günstig gemacht wurden.
Bist du da, Bob?
Gott! Wir sind es. Mein Licht ist aus.
Und Michael lernte sein Handwerk als Regisseur,
indem er mehr als 20 davon fertigstellte.
Das Licht ist ausgegangen.
Volle Fahrt achteraus.
Backbord oder Steuerbord?
Mein Gott!
Es ist das Phantomlicht, von dem alle reden.
Wo zum Teufel sind wir?
Warten Sie, Mr. Owen. Wir sind kurz vor den Klippen von North Stake.
Bringen Sie uns wieder runter!
Warnen Sie den Maschinenraum.
Dies hier ist The Phantom Light .
Das war ganz schön knapp.
Stimmt, Sir, das war es.
Bis 1937 hatte Michael die Erfahrung und das Selbstvertrauen,
um sein erstes wirklich persönliches Werk zu schaffen:
The Edge of the World .
Darin geht es um eine kleine Gemeinde
auf einer abgelegenen Insel vor der Küste Schottlands.
Es war ein großer Sprung nach vorne für Michael.
Ein schöner, engagierter und poetischer Film.
Und aufgrund dieser Leistung
erhielt er einen Vertrag mit dem Produzenten Alexander Korda
von den Denham-Studios.
Korda beauftragte Michael mit der Arbeit an einem Film namens Der Spion in Schwarz .
Auf einer Drehbuchbesprechung
wird er einem Schriftsteller namens Emeric Pressburger vorgestellt.
Emeric tastete in seiner Tasche
und holte seine eigene Version des Drehbuchs hervor.
Das ist es.
Es war ein schönes zusammengerolltes Stück Papier,
und er rollte es auf und las die erste Szene...
und ich war hingerissen.
Ich hörte nur zu, während er weiterlas
und es entfaltete und entfaltete und entfaltete...
Er hatte die Geschichte auf den Kopf gestellt.
Er hatte einen Mann in eine Frau, eine Frau in einen Mann verwandelt.
Er hatte den Spannungsbogen geändert, er hatte das Ende umgeschrieben.
Ich sah zu diesem Produzenten, er war rot im Gesicht.
Ich sah zum Autor, er war kurz davor, in Ohnmacht zu fallen.
Und ich freute mich einfach nur,
dass ich mit so jemandem zusammenarbeiten würde,
und ich wollte ihn auch nicht so schnell davonkommen lassen.
Kennen Sie den Soldatenmarsch ?
Sagen Sie mal, das Ordensband?
Ich scheine es nicht zu kennen.
Was ist es?
Das Eiserne Kreuz, zweite Klasse.
Zweite Klasse.
Dann müssen Sie ein Kriegsgefangener sein.
Nein.
Aber Sie.
Oh je...
Emeric Pressburger war wie Alex Korda
ein Ungar, aber ebenso sehr ein Europäer.
Und er studierte in Prag und Stuttgart.
Dann starb mein Vater, und meine Studienzeit war zu Ende.
Und ich hatte nichts.
Und so kam ich nach Berlin.
Und ich wollte schreiben.
Ich verschickte eine Geschichte nach der anderen,
aber alles kam zurück, bis eines Tages
eine Geschichte nicht zurückkam.
Emeric wurde schließlich von der Drehbuchabteilung
der berühmten UFA-Studios angeheuert.
Das war das größte europäische Studio seiner Zeit.
Es ist die Heimat von Fritz Lang und des deutschen Expressionismus.
Und Emeric verbrachte dort mehrere glückliche Jahre.
Hier ist er im Jahr 1932, man kann ihn direkt am Set sehen,
bei einer UFA-Produktion in Budapest.
Emeric war jedoch Jude,
und der Aufstieg der Nazis zwang ihn, aus Berlin zu fliehen.
Erst nach Paris und dann nach London,
wo er 1935 mit einem staatenlosen Pass ankam.
Emeric beschrieb seine Ankunft in England als eine Geburt im Alter von 33 Jahren.
Er wusste nichts über das britische Leben,
und er musste die englische Sprache von Grund auf lernen.
Michael kennenzulernen, war ein großer Segen für ihn,
denn er war jemand, der sofort reagierte
auf seine neuartigen Drehbuchideen.
Meinen Sie, es war etwas spezifisch Europäisches
oder gar Ungarisches, das Sie angesprochen hat?
Nein, es war ein schöner Geist, der mich angesprochen hat.
Er musste kein Ungar sein.
Ich habe noch nie einen Menschen getroffen,
der nicht nur verstand,
auf was ich hinauswollte,
sondern schon die Hälfte erahnte, bevor ich es ausgesprochen hatte.
Das ist Michael.
Ich glaube nicht, dass das sehr oft passiert im Leben, aber so...
So...
habe ich das empfunden.
Die Partner entwickelten bald jene Methode der Zusammenarbeit,
die sie in den nächsten 20 Jahren anwenden würden.
Emeric schrieb immer das ursprüngliche Drehbuch,
das die Form der Szenen vorgab,
und die beiden arbeiteten dann gemeinsam an den Dialogen.
Sie waren vollkommen im Einklang über das, was sie zum Ausdruck bringen wollten.
Und sie stritten sich nie.
Zoffen wir uns?
Nicht wirklich.
Nein, wir vertrauen der Zeit.
Innerhalb weniger Stunden...
sieht er ein, dass ich Recht hatte.
London ruft.
London ruft in die Welt.
Ein Ruf an eine Welt im Krieg.
Als Großbritannien 1939 gegen Deutschland in den Krieg zog,
überlebte die Filmindustrie, indem sie sich mit ganzem Herzen
für die Kriegsanstrengungen engagierte.
Dies sind keine Hollywood-Soundeffekte.
Dies ist die Musik, die jeden Abend in London erklingt,
die Sinfonie des Krieges.
Für Powell und Pressburger
war dies das wichtigste Ereignis ihres beruflichen Lebens.
Es verlieh ihrer Arbeit eine erstaunliche neue Tiefe
und einen Sinn.
Und der Vorhang öffnet sich in Kanada.
Runter!
Schweine!
Dreckige Schweinehunde!
Jahner!
49th Parallel erzählt die Geschichte von sechs flüchtigen Nazis
auf ihrem Weg durch Kanada.
Jeder britische Film verfolgte jetzt ein bestimmtes Propagandaziel.
Und die Absicht hier
war es, Amerika in den Krieg zu treiben.
Lauf, Les! Lauf!
Indem die Gräuel der Nazi-Bedrohung direkt vor Amerikas Haustür gebracht wurden.
Es war eine große Idee für einen epischen Film.
Und was die Produktion angeht, war es eine riesige Unternehmung.
Das brachte einige der Unterschiede zwischen den beiden Männern zum Vorschein.
Emeric war das Genie des Erzählens und der Struktur,
während Michael der Dynamo und der Mann der Tat war,
der seine Crew an Drehorte in ganz Kanada führte.
Ich bewegte mich ständig entgegen der Jahreszeiten.
Emeric schrieb das Drehbuch zu Hause in London,
und ich drehte jede Menge Außenaufnahmen wie diese,
bevor der Herbst hereinbrach.
In einer Szene suchen die Nazis Schutz bei einer Gruppe deutscher Landsleute.
Eine religiöse Gemeinde von Hutterern.
Deutsche!
Brüder!
Ich habe euch gebeten, mit mir unserem glorreichen Führer die Ehre zu erweisen.
Heil Hitler!
Dieser Film besteht darauf, einen Unterschied zu machen
zwischen einem Nazi und einem Deutschen.
Das war Emeric sehr wichtig,
der so viele glückliche Jahre in Deutschland verbracht
und so viele deutsche Freunde hatte.
Wir sind nicht eure Brüder.
Unsere Kinder sind in einer neuen Landschaft
und mit neuen Horizonten aufgewachsen.
Und sie sind frei!
Sie wachsen als freie Kinder auf,
die frei herumlaufen und lachen können, ohne in Uniformen gezwungen zu werden.
Ohne gezwungen zu sein, die Straßen hoch und runter zu marschieren
und Schlachtlieder zu singen!
Hier macht Emeric also Propaganda für die Briten.
Aber anstatt alles zu vereinfachen, wie es die Propaganda normalerweise tut,
versucht er stets, unser Mitgefühl zu verkomplizieren.
Sie sind doch Nazis, oder?
Nicht wahr?
Ich sollte der Polizei von Ihnen erzählen.
Kleinen Mädchen sollte man zusehen, nicht zuhören.
- Das reicht. - Was ist denn mit dir?
Das reicht!
Vogel!
Komm mit, Anna.
Ich bringe dich nach Hause.
Herr Leutnant , wir können sie nicht laufen lassen.
Ich würde gerne sehen, was Sie unternehmen würden.
- Vogel! - Ja, Herr Leutnant ?
Haben Sie vergessen, wer Sie sind?
Ich werde sie heimbringen, Herr Leutnant .
Emeric lässt uns sogar Mitgefühl für einen der Nazis entwickeln,
einen Bäcker, als dieser anfängt, gegen seine Kameraden zu rebellieren.
Maschinenraummechaniker Vogel.
Sie sind verhaftet.
Sie werden der Fahnenflucht und des Verrats am Dritten Reich beschuldigt.
In Abwesenheit eines ordnungsgemäß konstituierten Gerichts
übernehme ich die Befugnis als Ihr vorgesetzter Offizier
und verurteile Sie zum Tode.
Haben Sie etwas zu sagen?
Das Urteil ist unverzüglich zu vollstrecken.
Im Namen des Führers ...
49TH PARALLEL IST DER BESTE FILM DES KRIEGES
49th Parallel wurde ein großer kommerzieller Erfolg.
Und Emeric gewann sogar einen Oscar für das beste Originaldrehbuch.
Auf diesem Erfolg aufbauend
entschlossen sich die Partner nun
zur Gründung ihrer eigenen Produktionsfirma,
The Archers.
Nun, so weit wie möglich, haben wir versucht, alles zu teilen.
Natürlich, die Regie vor Ort war ganz meine Aufgabe.
Aber soweit wir konnten,
haben wir jede Entscheidung gemeinsam getroffen, nicht wahr?
Ja.
Haben Sie dem noch etwas hinzuzufügen, Mr. Pressburger? Das kann nicht...
Nein, ich glaube nicht.
Im Großen und Ganzen, um eine einfache Antwort zu geben,
würde ich sagen, dass Michael Regie geführt hat...
alleine.
Und ich war mehr der Autor.
- Und wir haben zusammen produziert. - Ja.
Das Duo schloss einen Produktionsvertrag mit der Rank Organization.
J. ARTHUR RANK PRÄSENTIERT
Das gab ihnen die eine Sache, die sie am meisten wollten.
Die Freiheit, ihre eigene Arbeit in der Hand zu haben.
Also, für mich ist einer der spannendsten Aspekte an The Archers,
dass sie experimentelle Filmemacher waren, die innerhalb des Systems arbeiteten.
Und es war Rank, der dafür die Voraussetzungen schuf.
Es war inzwischen 1942,
und das Schlimmste des Blitzkriegs war überstanden.
Aber Großbritannien tat sich immer noch schwer im Krieg.
Und in diesem heiklen Moment
entschieden sich Michael und Emeric, einen Film zu machen,
der altmodische Ideen innerhalb des britischen Militärs persiflierte.
Wie zu erwarten war,
stießen sie auf jede Menge Widerstand von offizieller Seite.
Winston Churchill höchstpersönlich stand der Idee ziemlich ablehnend gegenüber.
„Ich bin nicht bereit, Propaganda zuzulassen,
die der Moral der Armee abträglich ist.
Wer sind die verantwortlichen Leute?“
Churchill war ein so wunderbarer Anführer,
aber er war einfach kein guter Filmkritiker.
Es sagt viel über Powells und Pressburgers Vertrauen
und ihre Einstellung gegenüber Autoritäten,
dass sie weitermachten
und den Film trotzdem drehten.
Das bedeutete natürlich, sie würden niemals ihre Ritterwürde bekommen,
aber Großbritannien war immer noch eine Demokratie,
und niemand hinderte sie wirklich daran, den Film zu machen.
Die zentrale Figur des Films
ist ein britischer Offizier namens Clive Candy.
Er war inspiriert von der Zeichentrickfigur des Colonel Blimp.
Sie sind ein extrem unverschämter junger Offizier.
Aber eins will ich Ihnen sagen:
In 40 Jahren werden Sie ebenfalls ein alter Herr sein.
Aber im Laufe von zwei Stunden
wird diese zweidimensionale Karikatur
in einen gehaltvollen und komplexen Charakter verwandelt.
Was ist das?
- VC, Sir. - Woher haben Sie das?
Südafrika. Jordaan Siding.
Sie sind Candy!
„Zucker“ Candy.
Jawohl, Sir.
Der Film versetzt uns 40 Jahre zurück ins Jahr 1902,
als Candy noch ein jähzorniger junger Offizier war.
Bei einem Besuch in Berlin schafft er es,
das gesamte deutsche Reichsheer zu beleidigen.
Und infolgedessen muss er sich einem Duell stellen.
Ein Duell?
Das Duell ist eines meiner Lieblingsszenen von Powell und Pressburger.
Ich wünschte, ich hätte meine Uniform mitgebracht.
Einfach wegen der einzigartigen und unerwarteten Art und Weise,
wie sie es präsentieren.
Würden Sie Ihr Hemd aufknöpfen?
Danke.
Es ist mehr eine Frage der Etikette als eine Frage des Kampfes.
Möchten Sie Ihren Ärmel hochkrempeln oder möchten Sie ihn abreißen?
Was ist besser?
Es ist mir nicht erlaubt, Ratschläge zu erteilen.
Ich glaube, ich reiße ihn ab.
Das ist definitiv besser.
Herr Doktor, Ihre Schere, bitte.
Ich sehe hier, dass Absatz 133 besagt:
„Wenige Stunden vor dem Duell ist es ratsam, ein Bad zu nehmen.“
Nur die Duellanten, nicht die Sekundanten.
Die Szene stellt außerdem die erste Begegnung
zwischen den beiden zentralen Figuren der Geschichte dar,
Clive Candy und Theo Kretschmar-Schuldorff.
Sie sind sich niemals zuvor begegnet,
aber jetzt müssen sie kämpfen, wegen einer Ehrensache.
In Kampfposition, bitte.
Anschließend
werden sie Freunde fürs Leben sein.
Fertig?
Los!
Kaum hat das Duell begonnen,
besitzt Michael die Dreistigkeit, die Kamera zurück und nach oben zu ziehen.
Es ist ein Akt unglaublicher Tollkühnheit,
nach all dieser Vorbereitung
zurückzuweichen und den eigentlichen Kampf nicht zu zeigen.
Nur ein äußerst mutiger Filmregisseur würde eine solche Entscheidung treffen.
Aber für Michael ist der Kampf selbst irrelevant.
Was zählt, ist die Begegnung zwischen den beiden Männern
und die Beziehung, die daraus erwächst.
Das hatte einen direkten Einfluss darauf,
wie wenig ich von dem großen Titelkampf
in meinem Film Wie ein wilder Stier zeige.
Die lange Steadicam-Aufnahme von Jake LaMotta auf dem Weg in den Ring
entstammt direkt der Duell-Szene in Blimp .
Das Wichtigste hier ist der zerstörerische Weg,
den Jake eingeschlagen hat, um zu diesem Kampf zu kommen,
nicht aber der Kampf selbst.
- Kretschmar-Schuldorff. - Ja, ich weiß.
Nach dem Duell erholen sich Clive und Theo
im selben Pflegeheim von ihren Wunden.
Ich bin sehr froh über Ihr Kommen.
Wo sie sich beide in dieselbe Frau verlieben.
Hör auf zu jammern.
- Ich jammere nicht! - Reg dich nicht auf.
Aber, mein altes Mädchen, was ist denn?
Edith? Na, was ist denn los?
Ich liebe Ihre Miss Hunter.
Sie sind bekloppt.
Weil Miss Hunter
mich liebt.
Clive entpuppt sich als zutiefst romantisch
und hoffnungslos verklemmt.
Ein Toast.
Auf das Glück meiner Verlobten, die nie meine Verlobte war.
Und auf den Mann, der versucht hat, mich zu töten,
bevor er mir vorgestellt wurde.
- Darf ich die Braut küssen? - Warum fragen? Ich habe nicht gefragt.
- Auf Wiedersehen, Clive. - Auf Wiedersehen, Edith, altes Mädchen.
Er merkt nicht einmal, bis es zu spät ist,
dass er verliebt ist.
Ich hoffe, wir werden uns irgendwann wiedersehen.
Ich bin sicher, das werden wir.
Und plötzlich stellt er fest, dass sein Herz gebrochen ist.
LÖWE, OSTAFRIKA, 1903
WARZENSCHWEIN, SUDAN, 1904
NASHORN, OSTAFRIKA, 1905
Viele, viele Jahre von Candys Leben werden einfach abgeschrieben,
weil es Jahre ohne Liebe sind.
Der Film ist brutal, lustig
und niederschmetternd.
HUNNE, FLANDERN, 1918
Während des Ersten Weltkriegs
findet Candy eine andere Frau, die der Edith, die er verloren hat,
wie aus dem Gesicht geschnitten ist.
Schwester?
Kennen Sie den Namen des Mädchens, das am Ende dieses Tisches sitzt?
Komm schon, Wynne.
Er heiratet sie,
und für eine Weile findet er ein zerbrechliches Glück.
Darling?
Hör auf zu summen.
Habe ich gesummt?
Das hast du dir angewöhnt.
Es gibt hier etwas Wichtiges.
Candys Berufsleben
wird meist satirisch und ironisch behandelt.
Was soll ich denn machen, wenn ich nicht summe?
Aber sein Gefühlsleben
wird stets aufrichtig und zärtlich dargestellt.
Das vielleicht Kühnste daran
ist die Art und Weise, wie jede wichtige Frau in Candys Leben
von der gleichen Darstellerin gespielt wird, Deborah Kerr.
Sie ist seine erste Liebe, Edith.
Dann seine Frau Barbara.
Und später dann seine junge Fahrerin im Zweiten Weltkrieg.
Was dagegen, wenn wir versuchen, die Ampel zu überfahren, Sir?
Diese radikale Casting-Idee kam von Emeric.
Na los, wir haben nicht die ganze Nacht Zeit.
Und das erfüllt den Film
mit einem ständigen Gefühl von Sehnsucht und Verlust.
Und Deborah Kerr war erst 20 Jahre alt,
als sie mit der Arbeit an diesem Film begann,
und doch erwies sie sich bereits als Meisterin ihrer Kunst.
Und Powell und Pressburger
hatten Erfolg mit dem, was sie am liebsten taten:
Große Risiken eingehen und sie zuwege bringen.
Ich war sicherlich von Blimp beeinflusst, als ich Zeit der Unschuld machte.
Ich schreibe Ihnen.
Sobald ich mich eingelebt habe, lasse ich Sie wissen, wo ich bin.
Oh, ja, das wäre schön.
Also, wir sehen uns sehr bald in Paris.
Ach, wenn Sie und May nur kommen könnten.
Denn ich wurde von der Liebesgeschichte in diesen Film hineingezogen.
Eine unmögliche Liebe zwischen zwei Menschen,
die sich eigentlich nicht verlieben dürften.
Gute Nacht, Newland.
Gute Nacht, Sillerton. Gute Nacht, Larry.
Und sie hält jahrelang an.
Ich fand, es war dasselbe frustrierte Verlangen,
getränkt mit Reue,
das ich in Blimp so sehr mochte.
Ich glaube, das hat mich angezogen.
Die Tatsache, dass Emotionen unterdrückt werden
und dass Zurückhaltung ein Muss ist.
Ich war in sie verliebt. In deine Frau.
Das hat sie mir nie erzählt.
Sie hat es nie gewusst.
Aber ich scheine mich zu erinnern...
Oh, Clive, dieser letzte Tag in Berlin, als ich dir sagte,
dass du aufrichtig glücklich zu sein scheinst.
Zum Kuckuck, da wusste ich es noch nicht.
Aber im Zug begann ich sie zu vermissen.
Auf dem Schiff war es noch schlimmer.
Und als ich wieder in London war, nun, da erwischte es mich richtig.
Meine Tante Margaret hatte die Fährte sofort aufgenommen.
Frauen haben eine Nase für solche Dinge.
Man könnte sagen, sie war mein Ideal.
Sir?
Hatten Sie Mitgefühl für den Charakter Blimp?
Oh, ja, ich habe mich vollkommen mit ihm identifiziert.
- Er ist mir in vielem sehr ähnlich. - Zum Beispiel?
Er könnte nicht englischer sein.
Ich war sentimental.
Und...
ich liebe Frauen und Hunde.
Ich habe immer enormes Mitgefühl mit dieser Art von Mann empfunden.
Ehrwürdig, verwirrt, unschuldig...
Ich sehe mich selbst ganz ähnlich.
Blimp ist Powell und Pressburgers
erster wirklich tiefgründiger und persönlicher Film,
und für mich
ihr erstes Meisterwerk.
Ich habe ihn so viele Male gesehen,
dass er ein Teil meines Lebens geworden ist.
Und je länger ich lebe,
desto stärker wird mein Gespür dafür, was die Figuren empfinden.
Es ist der Film, der für mich am meisten über das Erwachsenwerden aussagt,
das Altwerden...
und schließlich, loslassen zu müssen.
Das nächste Werk von The Archers, A Canterbury Tale ,
beginnt wie ein klassischer Merry-England-Film.
Chaucers Pilger sind auf dem Weg nach Canterbury.
Aber dann...
ein berühmter Übergang.
Der mittelalterliche Falke verwandelt sich in eine moderne Spitfire.
Der Film, den wir gleich sehen werden,
deutet an, dass eine Beziehung zu unserer Geschichte entscheidend ist
für unser spirituelles Wohlbefinden.
Eine der Propagandaaufgaben war es damals, zu fragen:
Wofür kämpfen wir?
Und Powell und Pressburger suchten
in der Geschichte und den Traditionen des englischen Landes
nach ihrer Antwort auf diese Frage.
Warum halten Sie Ihre garstigen Geländewagen nicht vom Pilgerweg fern?
Michael liebte seine Heimat Kent.
Er liebte die Menschen und die Kultur Englands.
Und in diesem Film wollte er das alles zum Ausdruck bringen.
Acht Uhr, Bob.
Eine besonders tiefe Liebe empfand er für die Kathedrale von Canterbury.
Dort hatte er als Junge im King’s School Choir gesungen.
Von der Kurve aus, am östlichen Rand des Hügels,
sahen die Pilger Canterbury zum ersten Mal.
Hast du es gesehen?
Ja.
Mit einer Bekanntschaft von mir.
Junge oder Mädchen?
Ein Junge.
Ich hoffe, er schreibt dir.
Nein, tut er nicht.
Vielleicht ist die Post durch Feindeinwirkung verloren gegangen.
Nein, Bob.
Tatsächlich...
ist er durch Feindeinwirkung verloren gegangen.
Er war ein Pilot.
Abgeschossen?
Ja.
Das tut mir leid.
Die zentralen Figuren des Films sind, ohne es zu wissen,
moderne Pilger.
Jeder auf seiner eigenen Reise nach Canterbury.
Sie sind verlorene Seelen,
alle auf irgendeine Weise haltlos und leer.
Sie alle bedürfen eines Segens, um sie zu heilen und zu erquicken.
Und hier,
als das Landmädchen Alison in der Landschaft von Kent spazieren geht,
beginnt der Ort zu ihr zu sprechen.
In der Landschaft hört sie die Stimmen und die Musik
der alten Pilger,
ihrer Vorfahren.
Wenn du anhältst, zuhörst,
aufpasst,
wird die Vergangenheit zu dir sprechen.
Und die Stimmen der Vergangenheit
werden dir helfen, dein Leben in der Gegenwart zu verstehen.
Herrlich, nicht wahr?
Ist da jemand?
Michael und Emeric versuchen immer,
Fallen zu stellen, um Magisches einzufangen,
wie Emeric es ausdrückt.
Sie wollen über die Darstellung alltäglicher Erfahrungen hinausgehen
und Wege finden, das zu vermitteln,
was tief und geheimnisvoll an unserem Leben ist.
Es gibt hier einen Mystizismus,
der recht neu war im Werk von Powell und Pressburger.
Es gibt höhere Gerichte als die hiesige Schöffenbank.
Mit leichter Hand
wollen sie eine spirituelle Welt heraufbeschwören.
Canterbury-Pilger, alle raus und holt euch den Segen.
Eine etwas andere Pilgerfahrt für Sie.
Eine Pilgerfahrt unternimmt man entweder, um einen Segen zu erhalten
oder um Buße zu tun.
Ich habe beides nicht nötig.
Vielleicht sind Sie ein Werkzeug.
Bekomme ich auch ein Flammenschwert?
Nichts würde mich mehr überraschen.
Das glaube ich erst,
wenn ich einen Heiligenschein um meinen Kopf sehe.
Jetzt kann man die Kathedrale viel besser sehen.
So seltsam er auch sein mag,
ist dies der bescheidenste aller berühmten Archers-Filme,
der zurückhaltendste und ernsthafteste,
und derjenige, der sich am meisten
mit gewöhnlichen Menschen auseinandersetzt.
Die zentralen Figuren befinden sich in derselben Lage
wie der Großteil des Publikums im Jahr 1944.
Getrennt von ihren Liebsten,
erhalten sie pflichtbewusst die Fassade aufrecht.
Aber sie sind leise,
voller Angst, Einsamkeit und Trauer.
Eine Sache, die der Film durchaus beabsichtigt,
ist es, den Leidenden Trost zu spenden.
Und als Alison ganz verzweifelt ist,
erhält sie die Nachricht, dass der Vater ihres Verlobten
in Canterbury ist und nach ihr sucht.
Seit über zwei Wochen hat er auf Sie gewartet, hier,
in Canterbury.
Warum?
Weil er Neuigkeiten hat, Miss Alison, offizielle Neuigkeiten über Mr. Geoffrey.
Er ist in Gibraltar.
Miss Alison.
Dies ist ein Film, der sagt, dass Wunder wirklich passieren.
Ich muss die Fenster öffnen!
Und dass du am Ende deiner Pilgerreise
tatsächlich einen Segen erhalten könntest.
Der Film endet mit einem ganzen Regiment von Truppen,
die in die Kathedrale einmarschieren.
Bald brechen sie ins Ausland auf,
und wir wissen nicht, wie viele von ihnen zurückkommen werden.
Hier...
stellt die Kathedrale von Canterbury vielleicht
das umkämpfte Großbritannien selbst dar, als einen schützenswerten Ort.
Einen Ort, für den es sich zu kämpfen lohnt.
Powell und Pressburger sind sowohl Prediger
als auch Propagandisten in diesem Film.
Das Ergebnis war ihr erster Flop.
Der Film ist einfach zu seltsam und zu schwer fassbar für ein Massenpublikum.
Aber die Partner waren unbeirrt von diesem Rückschlag.
Es war eine Phase, in der sie großes Vertrauen zueinander hatten,
und sie wussten genau, wo es als nächstes hingehen würde.
Als Joan erst ein Jahr alt war, wusste sie schon, wo sie hin will.
Nach rechts, nach links.
Nein, geradeaus.
Bei Ich weiß, wohin ich gehe wissen wir sofort,
dass wir uns amüsieren werden.
Inzwischen war klar, dass die Alliierten den Krieg gewinnen würden.
Und Michael und Emeric konnten sich ein wenig entspannen.
Sie ließen ihren Sinn für Humor aufblühen.
Sie ist jetzt 25.
Und in einer Sache hat sie sich nie verändert:
Sie weiß immer noch, wo sie hin will.
Guten Abend, Miss Webster.
Guten Abend, Leon.
Hallo, Darling.
Uns wird eine neue Art von Charakter vorgestellt,
in der Gestalt von Joan Webster.
Daddy?
Ich werde heiraten.
Was?
- Ihr Tisch, Miss Webster. - Vielen Dank, Fred.
Gehen wir, Darling. Und bring einen Drink.
Es ist der erste Archers-Film, in dem eine Frau im Mittelpunkt steht,
und sie ist sicher nicht meilenweit entfernt von Wendy Green,
der Frau, die Emeric so eifrig umworben und kürzlich geheiratet hatte.
Wendy, so scheint es, war sehr willensstark,
kultiviert und materialistisch.
Verbucht auf Ihr Konto, Madam, natürlich.
Vielleicht ist das der Grund, warum das Drehbuch
für Emeric so dahinzufließen schien.
Er verfasste das ganze Ding in weniger als einer Woche.
Lady Bellingers Auto!
Joans Geschichte beginnt mit einer Reise nach Norden.
Du kannst Consolidated Chemical Industries nicht heiraten.
Kann ich nicht?
Sie ist auf dem Weg zu einer kleinen schottischen Insel,
wo sie Sir Robert Bellinger heiraten soll,
den wohlhabenden Chef von Consolidated Chemical Industries.
Willst du, Joan Webster,
Consolidated Chemical Industries
zu deinem rechtmäßig angetrauten Ehemann nehmen?
- Ich will. - Glasgow Central!
Oh! Ja?
Da ist ein Herr, der Sie sprechen möchte. Und der Bahnhofsvorsteher ist bei ihm.
Sie brauchen alle Zeit der Welt, wenn Sie in die Buchanan Street wollen.
The Archers haben wirklich ihren Spaß hier.
Man beachte diesen Zylinder.
Diese Reise nach Norden war womöglich ein Geschenk von Emeric an Michael,
denn es war eine Reise, die Michael selbst gerne unternahm.
Schottland war sein liebster Ort auf der Welt.
Und immer, wenn er einen Film fertig gedreht hatte,
erholte er sich, indem er dort wandern ging.
Hört, hört!
Für Joan Webster
erwiesen sich die Western Isles als ein herausforderndes Unterfangen.
Pech gehabt, keine Überfahrt heute.
Sie verbringt einen Großteil des Films damit,
ein Boot zur Insel zu finden,
wo ihr Verlobter wartet.
Möchten Sie oben im Haus warten? Ich kenne die Leute.
Vielen Dank.
Aber es wurde arrangiert, dass das Boot mich hier abholt,
und ich sollte für seine Ankunft besser hier sein.
Gut.
Sollte mein Boot nicht kommen, werden Sie mich dann mitnehmen?
Nein, werde ich nicht, Mylady.
In nur drei oder vier höchst stimmungsvollen Einstellungen
bekommen wir einen sehr starken Eindruck davon,
wie fremd dieser Ort für sie ist.
Sie werden ein kleines Tor sehen, oben auf der Böschung.
Joan ist auf die Gastfreundschaft der Einheimischen angewiesen,
bis das Wetter besser wird.
Und sie entpuppen sich als ein Haufen exzentrischer und unabhängiger Leute,
deren Lebensauffassung sich sehr von der ihren unterscheidet.
Ich wollte Sie gerade holen kommen.
Kommen Sie, wir haben Feuer gemacht.
Sie haben den Colonel also kennengelernt.
Ich hatte das außerordentliche Vergnügen. Mein Name ist Barnstable.
Colonel Barnstable, der größte Falkenausbilder...
Falkner, mein lieber Torquil!
Der größte Falkner der Western Isles.
Der ganzen Welt, alter Junge.
Obwohl es eine Komödie und eine Romanze ist,
ist es ebenso ein Film über Werte.
Und diese kämpferischen Figuren stehen für all jene Qualitäten,
die Michael und Emeric mochten und an die sie glaubten.
- Catriona! - Da ist das liebe Mädchen ja.
Tapferkeit, Güte und Großzügigkeit,
Herzenswärme und Kameradschaft.
Torquil!
Mrs. Potts!
Die Figur, die all diese Eigenschaften am besten verkörpert,
ist Torquil.
Er ist ein Marineoffizier auf Heimaturlaub.
Haben Sie ein Streichholz oder Feuerzeug?
Danke.
Er stellt eindeutig eine große Bedrohung für Joans Heiratspläne dar.
Und so stellt der Film die Frage:
Kann sie ihm widerstehen?
Danke.
Natürlich ist Sir Robert Bellinger derjenige, der Torquil im Weg steht.
Hallo, meine Liebe. Robert am Apparat.
Cartier hat den Ring geliefert, hoffe ich.
Natürlich, Robert, alles war wunderbar.
Jetzt hör zu, Joan, notiere eine Telefonnummer. Bereit?
2-36... Hast du?
Das ist die Nummer der Robinsons. Sie haben das Schloss in Sorn gemietet.
Sie sind die einzigen Leute,
deren Bekanntschaft hier was wert ist. Ende.
Und wenn wir seinen Freunden begegnen,
den Robinsons, erscheinen sie überlegen
und empfindlich und selbstbezogen.
Lass dich anschauen.
Oh ja, du gehst durch.
Sie heiraten doch Sir Robert Bellinger, nicht wahr?
Ja, macht es dir was aus?
Es macht mir nichts aus.
Er ist reich, nicht wahr?
Nun, ich habe sein Geld nicht gezählt.
Sind Sie reich?
Nein.
Nach A Canterbury Tale nannte Emeric diesen Film
die zweite Episode im Kreuzzug von The Archers gegen den Materialismus.
Die Leute in dieser Gegend sind sehr arm, nehme ich an.
- Nicht arm. Sie haben nur kein Geld. - Das ist das Gleiche.
Oh, nein, das ist etwas ganz anderes.
Besser?
Je mehr Zeit Joan mit Torquil verbringt,
desto mehr gerät sie in den Bann dieses Mannes und seiner Welt.
Vorsicht.
Das ist ein schönes Lied. Nut Brown Maiden. Kennen Sie das?
Hoch die Stimmen, Jungs!
Meine Lieblingsstelle ist die,
wo Torquil den Text eines Lieds aufsagt.
„Ho-ro, meine nussbraune Maid
Hi-ri, meine nussbraune Maid
Ho-ro-ro-ro, Maid
Du bist meine Maid“
Dies ist ein Film, den man einer wichtigen Person zeigt,
um möglicherweise etwas auszudrücken, das man nicht in Worte fassen kann.
Um die Erfahrung sozusagen zu teilen.
Und ich weiß, dass ich nicht die einzige Person bin, die das getan hat.
Es ist ein Film, der anscheinend
einen Zauber über viele Liebesbeziehungen gelegt hat.
Reicht es nicht, dass man dir untersagt hat, heute zu segeln?
Glaubst du, du kennst dich besser aus
als Leute, die ihr ganzes Leben lang hier leben?
Ruairidh hat gesagt, dass das Boot geht. Und Kenny auch.
Was soll Kenny denn sagen? Du hast ihn doch gekauft, oder nicht?
Das ist kein Grund, mich anzuschreien!
Oh, dann mach doch!
Und ertränk dich!
Sie läuft dir davon.
Sag das nochmal.
Am Ende finden wir Joan und Torquil gemeinsam in einem kleinen Boot.
Geh unters Verdeck und halt dich fest!
Oh! Mein Kleid!
Mach keinen Blödsinn! Geh!
Der Motor ist weg, das Wetter ist schlecht,
und sie steuern auf einen schrecklichen Strudel zu, Corryvreckan.
Dies ist ein Film über die Liebe als Naturgewalt,
die dein Leben völlig aus der Bahn werfen kann.
Und Joans Schicksal scheint nicht nur in den Händen von Torquil zu liegen,
sondern in den Händen der Naturgötter.
Der Film hat etwas, das für The Archers eher ungewöhnlich ist,
ein konventionelles Happy End.
Aber diese Romanze ist ein wahrhaft zauberhaftes Werk.
Meiner Meinung nach, ist es eine der schönsten Liebesgeschichten,
die je gedreht wurden.
Hoy!
Es ist zugleich ein mystisches Gedicht über die Natur.
Und eine Predigt über die richtigen Werte.
Allmählich dachte das ganze Land darüber nach,
was für ein Ort Großbritannien werden sollte,
wenn die Feindseligkeiten vorbei sein würden.
Und Michael und Emeric nutzten diesen Film,
um den idealistischen Vorschlag zu machen,
dass es eine Nation werden könnte,
die die Menschen nach ihrem Charakter beurteilt
und nicht nach ihrem Geld.
INFORMATIONSMINISTERIUM
FILMABTEILUNG, KINO
Die Themen aller Filme von The Archers während der Kriegsjahre
mussten mit dem Informationsministerium abgestimmt werden.
Nun, das Informationsministerium hatte eine Filmabteilung.
Jack Beddington war der Leiter dieser Abteilung.
Und während des Krieges konnte kein Film ohne ihre Zustimmung gedreht werden.
Und Jack Beddington bat uns, zu kommen und ihn zu treffen.
Er sagte:
„Als wir die Verlierer des Krieges waren,
war unsere Beziehung zu den Amerikanern sehr gut,
aber jetzt, wo wir den Krieg gewinnen, ist sie nicht mehr so gut.“
Also sagte er: „Würdet ihr zwei in Betracht ziehen,
einen Film zu schreiben und zu drehen,
einen neuen Film über die anglo-amerikanischen Beziehungen,
um sie zu verbessern?“
Die Antwort von The Archers war kein Kriegsfilm,
sondern eine poetische Fantasie.
Sie scheinen, ein nettes Mädel zu sein. Ich kann Ihnen meine Position nicht geben.
Instrumente weg, Mannschaft auch weg.
Alle außer Bob hier, mein Funker, und der ist tot.
Der Rest ist auf meinen Befehl hin abgesprungen.
Zeit, 0335, verstanden?
In der ersten Szene begegnen wir Peter, gespielt von David Niven.
Das war’s. Und ich würde lieber springen als schmoren.
Nach den ersten 1.000 Fuß, wo ist der Unterschied?
Ich sollte sowieso nichts wissen.
Ich habe Ihnen doch hoffentlich keine Angst eingejagt.
- Nein, ich habe keine Angst. - Braves Mädchen.
Aus dem Cockpit seines todgeweihten Flugzeugs
spricht er mit June, gespielt von Kim Hunter.
Lieben Sie jemanden? Nein, nein, antworten Sie nicht.
Einen Mann wie Sie könnte ich lieben, Peter.
Ich liebe dich, June, du bist das Leben, und ich verlasse dich.
Peter saust dem Tod entgegen
und verliebt sich gleichzeitig.
Ich verabschiede mich jetzt, June. Auf Wiedersehen!
Auf Wiedersehen, June!
Hallo, G wie George. Hallo, G-George.
Hallo, G-George?
Ha...
Mach’s gut, Bob, wir sehen uns dann gleich.
Und du weißt schon, was wir uns stehen lassen werden, richtige Flügel!
Das ist ein eindringlicher Ausdruck
dafür, warum Powell und Pressburger keine Dokumentarfilme machten.
Sie wollten die Art von gesteigerter Intensität erreichen,
die nur durch Kunstgriffe möglich ist.
Peter wird an einer einsamen Küste angespült
und hat keine Ahnung, wo er ist.
Wie durch ein Wunder trifft er June, die am Strand entlangradelt.
Hallo.
Selber Hallo. Was ist los?
Und das Paar ist sich sofort ihrer Liebe füreinander gewiss.
Du bist June.
Du bist Peter!
Das Problem ist, laut göttlichen Berechnungen
müsste Peter eigentlich tot sein.
91.716 abgerechnet,
91.715 eingezogen.
- Schaffner 71? - Madame.
Es hätte jedem passieren können.
Wie ist es passiert?
Alles war kalkuliert, bis auf diesen verfluchten Nebel.
Der Pilot ist gesprungen, im Nebel verschwunden,
und ich habe ihn verpasst.
Der himmlische Schaffner erhält jetzt den Auftrag, zur Erde zurückzukehren,
Peter zu finden und seinen Fehler zu korrigieren.
Übrigens, Monsieur, wenn Sie Peter sehen,
würden Sie ihm eine Nachricht von mir überbringen?
- Avec plaisir. - Sagen Sie einfach: „Heda!“
Bon.
Da oben lechzt man geradezu nach Technicolor.
Was für eine Nacht... für die Liebe.
Die Idee der zwei Welten war Emerics bisher kühnstes Konzept.
Und er traf auch in Sachen Farbe eine gewagte Entscheidung,
indem er beschloss, dass die andere Welt ein eher trockener, bürokratischer,
einfarbiger Ort sein sollte...
während diese Welt die bunte ist...
Die Heimat von Feuer und Leidenschaft, Schönheit und Poesie.
Peters Problem ist, dass er sich nicht mehr sicher ist, in welche Welt er gehört.
Wird es ihm erlaubt, seine Liebe zu June hier auf Erden auszuleben,
oder muss er in die andere Welt weiterziehen?
Kurz gesagt,
gehört er zu den Lebenden...
oder zu den Toten?
Er hat eine Reihe von hochgradig organisierten Halluzinationen,
vergleichbar mit einer Erfahrung des tatsächlichen Lebens.
Eine Kombination aus Sehen, Hören und Vorstellungskraft.
Der Film markierte einen großen Moment für Powell-Pressburger,
denn hier warfen sie die Fesseln des Realismus ganz und gar ab
und gaben sich bereitwillig dem Surrealismus hin.
Doc, er ist hier! June!
Michael fand schon immer Gefallen an der Idee des Regisseurs
als Zauberer mit einer Trickkiste.
Doc?
Wenn er sich so an altmodischen Effekten und Sinnestäuschungen weidet,
ist es, als würde er sich an seine Jugend beim Stummfilm erinnern,
an seine Arbeit mit Rex Ingram für die Victorine-Studios.
Dem Einfluss von Rex Ingram ist auch das Ausmaß des Films zu verdanken,
und wie ambitioniert und abenteuerlich er war.
Komm zurück!
Peter! Peter! Komm zurück!
Der Film brauchte bühnenbildnerische und kinematografische Wunder, um zu gelingen.
Aber mittlerweile war The Archers zu einer großen Familie
hochqualifizierter Techniker herangewachsen.
Eines der wichtigsten Teammitglieder war der Art Director Alfred Junge,
ein Magier des Designs,
der dazu die praktischen Fähigkeiten eines Ingenieurs oder Architekten hatte.
Wir hatten den größten Art Director beim Film,
der meiner Meinung nach jemals gelebt hat.
Er stammt aus den frühen Tagen von Fritz Lang und Metropolis ,
und als wir ihn baten, Dinge wie die Rolltreppe zu machen,
musste das alles perspektivisch ausgearbeitet
und praktisch am selben Tag gedreht werden.
Denn am Ende des Krieges hatten wir nicht genug Stahl,
und wir hatten nicht genug Strom,
um die Treppe die ganze Zeit laufen zu lassen.
Das heißt, alle Einstellungen die Treppe hinauf,
alle Einstellungen die Treppe runter
wurden auf dem Reißbrett perspektivisch ausgearbeitet.
Ich glaube, das ist ein sehr wichtiger Punkt
bei all diesen Leuten:
Sie sind alle nicht nur wunderbare Techniker,
sondern sie sind alle Menschen,
die es liebten, Probleme zu lösen.
Und wir liebten es, sie zu stellen!
Es gibt viele Menschen...
Es gibt viele Menschen, die sehr froh sind,
wenn es keine Probleme gibt,
aber es gibt auch manche Menschen, die Probleme lieben.
Und wir hatten dieses große Team um uns geschart...
die einfach kamen und sagten: „Wo liegt das Problem?“
Wie arbeiten Sie mit Schauspielern, Mr. Powell, am Set?
Ich fange den Tag einfach an, indem ich sage:
„Ich habe über diese Sequenz nachgedacht,
ich schlage vor, wir machen das,
was meint ihr dazu?“
Dann sagen sie normalerweise, dass sie was anderes machen wollen.
Und dann diskutieren wir.
Nicht sehr lange.
David Niven, einfach ein Traum von einem Mitarbeiter.
Und sehr pünktlich. David geht immer genau um zehn vor sechs.
Selbst wenn du mitten in einer Aufnahme bist,
kommt er und sagt: „Tut mir leid, alter Mann, ich muss los!“
- Und weg ist er! - Ach, wirklich?
Es war Michael, der entschied, dass alles, was Peter erlebt,
auf handfesten medizinischen Befunden beruhen muss.
Und hinter all dem visuellen Spektakel des Films
steckt eine sehr ernste Intention.
Sie sind Mittel, mit denen Michael seine Kamera in eine gequälte Psyche führt
und eine Geschichte
über den psychologischen Schaden erzählt, den der Krieg anrichtet.
Er wird von diesen Visionen der Toten heimgesucht,
die in die andere Welt strömen, ein unaufhörlicher Strom,
und er ist sich nicht sicher, wieso er selbst verschont wurde.
Heute würde man das wohl Überlebensschuld nennen.
Das war eine Zeit direkt nach dem Krieg,
als der vorrangige Trend im Kino das Aufkommen des Film Noir war.
Bittere, zynische Filme, normalerweise,
in denen die Charaktere von Anfang an dem Untergang geweiht sind.
Peter. Peter!
Powell und Pressburger widersetzten sich all dem.
In allen ihren großen Filmen der Kriegsjahre
versuchten sie, Hilfe anzubieten,
Trost und die Aussicht auf Neuanfang.
In Irrtum im Jenseits offenbaren sie eine Vision der Liebe.
Erlauben Sie mir...
Ein hart erkämpfter Triumph der Liebe, die alles überlebt und alles bezwingt.
Das ist es, das einzige echte Beweisstück, das wir haben.
Schnell. Wir dürfen das Gericht nicht warten lassen.
Einer der schönsten Einfälle des Films ist,
dass trotz des epischen Ausmaßes der Bilder
der Liebesbeweis klitzeklein ist.
Eine einzelne Träne, die sich auf einer Rose sammelt.
Auf Wiedersehen, Darling.
Und June liefert einen zweiten Beweis,
als sie bereitwillig Peters Platz auf der Himmelstreppe einnimmt.
Sie zeigt, dass sie bereit ist, ihr Leben für seines aufzugeben.
In diesem Moment der Selbstaufopferung
wird die Moral des Films unverblümt ausgesprochen.
Ja, Mr. Farlan, nichts ist stärker als das Gesetz im Universum,
aber auf der Erde ist nichts stärker als die Liebe.
Wir halten zusammen im Angesicht der Mächtigen
und im Angesicht des Todes.
Die einzelne Träne auf der Rose wiegt schwerer
als die Bataillone des Himmels.
Außerhalb des Empires drängen sich tausende Londoner an den Zufahrten,
um einen Blick auf die Royal Family
sowie die vielen Filmstars und Honoratioren,
die zur Royal Command Film Performance anwesend sind, zu erhaschen.
Irrtum im Jenseits zeigt Powell und Pressburger
auf der Höhe ihrer Schaffenskraft.
Und er wurde für die allererste Royal Film Performance ausgewählt.
Der Andrang war so groß, dass die Ankunft der Royal Family verzögert wurde.
Und als sie ihr Ziel dann erreichten, war kaum Platz,
um sich einen Weg durch die Menge ins Kino zu bahnen.
The Archers waren ganz oben angekommen, aber es war das Jahr 1946,
und plötzlich gab es keinen Kriegsbeitrag mehr zu leisten.
Emeric hatte nicht mehr den Schwung, der ihn angetrieben hatte,
eine Geschichte nach der anderen zu schreiben.
Und das stellte The Archers vor ein großes Dilemma.
Welche Art von Film sollten sie jetzt machen?
Wir hatten plötzlich das Gefühl, da wir mehrere Kriegsfilme gemacht hatten,
dass es jetzt vielleicht an der Zeit war,
einen Film zu machen, der absolut nichts mit Krieg zu tun hatte.
Die schwarze Narzisse markierte
eine völlig neue Richtung in Powell-Pressburgers Werk.
Es war ihre erste adaptierte Geschichte,
und es war Nachkriegseskapismus,
der in eine andere und ferne Welt entführte.
Der Roman von Rumer Godden schildert die Irrungen und Wirrungen
einer kleinen Gruppe von Nonnen, die versuchen,
ein Kloster im Himalaya zu gründen.
Die Atmosphäre scheint die Sinne zu erregen,
und die Nonnen sind aufgewühlt
angesichts der gefährlichen Versuchungen und schwelenden Konflikte.
Ich fand mich im Himalaya wieder, um einen Film über Nonnen zu drehen.
Aber unsere Berge waren auf Glas gemalt.
Da der ganze Film in Indien spielt,
war es eine erstaunlich mutige Entscheidung von Michael,
alles in England zu drehen,
mit ausgeklügelten Sets, Trickaufnahmen und Match-Shots,
um die Kulisse des Himalaya nachzustellen.
Teilweise war das eine praktische Entscheidung,
denn alles, was mit Filmemachen zu tun hatte,
war damals so viel weniger mobil.
Alles musste im Voraus vollständig visualisiert werden,
und sehr wenig konnte spontan oder improvisiert sein.
Die schwarze Narzisse machte aus der Not eine Tugend,
indem jede Einstellung wie eine eigenständige Produktion behandelt wurde.
Eine malerische Komposition, in der jeder Aspekt des Bildes
akribisch kontrolliert wurde.
Dies ist wahrlich ein Kino voller wunderschön gestalteter Bilder.
Und das gibt dem Film die Lebendigkeit und die Intensität
einer Halluzination.
Der Kameramann war Jack Cardiff.
Und hier hat er ganz bewusst auf die Vorbilder
von Künstlern wie Rembrandt und Vermeer zurückgegriffen.
Besonders war auch sein sehr englischer Sinn für Technicolor.
Die Nonnen waren ganz bewusst in Weiß
oder in grau-weiße Gewänder gekleidet,
umgeben von kühlen Stein-, Grün- und Blautönen.
Und wenn dann eine heiße Farbe wie Rot zu sehen ist,
springt sie einem wirklich ins Auge.
Ich weiß noch, das erste Mal
habe ich den Film auf einer Nitrofilm-Kopie gesehen.
Die Rhododendren auf der Leinwand explodierten förmlich, es war fast...
ein physischer Schock.
Ich bin mir nicht sicher, ob ich einen anderen Film kenne,
wo die Farbe so viel
zur Geschichte und Emotion eines Films beiträgt.
Und im Zentrum dieses ausgeklügelten Designs
steht das menschliche Gesicht...
insbesondere das Gesicht von Deborah Kerr, die Schwester Clodagh spielt.
Und im Kontrast und Gegensatz zu Schwester Clodagh
steht Schwester Ruth, gespielt von Kathleen Byron.
Die Anwesenheit von David Farrars Figur ist so befremdlich...
Danke.
dass sie eine fieberhafte Rivalität zwischen den beiden Frauen entfacht.
Ich habe bemerkt, dass Sie ebenfalls sehr froh sind, ihn zu sehen.
Wenn Sie das denken, sei Ihnen gesagt,
dass Sie wohl von allen guten Geistern verlassen sind.
In einem gewagten Schritt für diese Zeit
wird Farrar aus der Perspektive der Frauen präsentiert,
als männliches Sexobjekt.
Das Ergebnis ist ein klassischer Widerstreit
zwischen Fleisch und Geist.
Sie können mir nichts vorschreiben.
Sie haben mit mir nichts mehr am Hut.
Als Schwester Ruth ein rotes Kleid und roten Lippenstift trägt,
ist das ein schamloser Akt
und zugleich ein visueller Schock.
Durch den Einsatz von Farbe bricht der Sex in die Geschichte ein.
Diese Bilder galten in den 1940ern als schockierend erotisch.
Meine Freunde und ich sahen den Film zum ersten Mal im Fernsehen.
Wir sahen ihn in Schwarzweiß,
in einer von der katholischen Kirche zensierten Version,
aber wir waren trotzdem irgendwie angetan
und verblüfft von der psychosexuellen Energie des Films,
die in den Bildern enthalten war, die wir zu sehen bekamen.
- Ayah, aufwachen! - Ach, was ist? Was ist denn?
Es ist Schwester Ruth!
Halten Sie sie auf! Sie ist verrückt geworden!
Reden Sie mit Schwester Clodagh.
Sie hat Sie hergebracht. Sie kann Sie wieder zurückbringen.
Schwester Clodagh, Schwester Clodagh!
- Wissen Sie, was sie über Sie sagt? - Was auch immer sie sagt, es ist wahr.
- Das sagen Sie nur, weil Sie sie lieben! - Ich liebe niemanden!
Clodagh...
Auf dem Höhepunkt von Ruths Wahnsinn
wird sie bewusstlos, ohnmächtig und die gesamte Leinwand ist rot durchflutet.
Eine großartige Art und Weise,
die Intensität ihrer Leidenschaft in Bilder zu fassen.
Rotes, brennendes Verlangen.
Mehr als jeder andere von Powell-Pressburgers früheren Filmen
war dieser eine expressionistische Übung im ganz großen Stil.
Und die Sequenz, die Michael am meisten interessierte,
war ein zehnminütiges Experiment in dem, was er...
„komponierter Film“ nannte.
Es ist eine sorgfältig choreografierte Sequenz aus reiner Handlung,
ganz ohne Dialog, für die volle Dauer von zehn Minuten.
Die Idee war, dass die Musik die Hauptrolle spielen
und die Bewegungen der Figuren diktieren würde,
um ihre Gedanken und Gefühle anschaulicher, als Worte es je könnten, auszudrücken.
Die Musik wurde zuerst geschrieben,
und dann wurde die Sequenz gedreht,
Schritt für Schritt,
damit jede Einstellung
genau zur Musik passte.
Alles kommt in einem einzigen organischen Ganzen zusammen.
Aus dem Melodrama wird eine Oper.
Es funktionierte, es funktionierte!
Ich konnte meinen Augen kaum glauben.
Danach war das Filmemachen für mich nie wieder dasselbe.
Und als Die roten Schuhe im Jahr darauf herauskam,
arbeiteten wir das ganze Ballett wie einen komponierten Film aus.
Die roten Schuhe ist die Geschichte einer jungen Frau,
die zwischen der Kunst und der Liebe hin- und hergerissen ist.
Vicky Page ist eine ehrgeizige junge Ballerina,
die von dem großen Impresario Lermontov aufgenommen wird.
Aber als sie sich in den Komponisten Julian Craster verliebt,
wird ihr Leben entzweigerissen.
Es war ein Projekt mit einer langen Vorgeschichte.
Emeric hatte erstmals in den 1930er Jahren
ein Drehbuch für einen Ballettfilm geschrieben.
Aber mit seinem Drehbuch war Michael vor allem darauf aus,
Möglichkeiten zum Experimentieren zu haben.
Seine erste radikale Entscheidung war, dass er den Film nur machen würde,
wenn Vicky Page von einer echten Ballerina,
statt von einer Schauspielerin gespielt würde.
Es war eine schwierige Aufgabe, eine großartige Tänzerin zu finden,
die auch gut genug schauspielern konnte, um einen großen Film zu tragen.
Aber er fand schließlich alles, wonach er suchte, in Moira Shearer.
Das einzige Problem war, sie wollte den Film nicht machen,
und es dauerte ungefähr ein Jahr, sie zu überzeugen.
Sie war sehr stark in der Ballettkultur ihrer Zeit verankert.
Und sie fand immer, dass Tanzen
eine viel höhere Kunst als das Filmemachen war.
Viel Glück!
Die mutigste Idee des Films war es, als Herzstück
ein originales Ballett einzubauen.
In Ordnung, Ivan.
Zeit zu gehen, Craster.
- Viel Glück, Mr. Craster. - Vielen Dank, Mr. Lermontov.
- Nervös? - Nein.
Los!
Die Geschichte eines Films für mehr als 15 Minuten zu unterbrechen,
um ein Ballett in voller Länge zu präsentieren?
Das war ein großes Risiko, das sie da eingingen.
Niemand hatte so etwas je zuvor gemacht,
und niemand hatte eine Ahnung, wie das Publikum reagieren würde.
Das Ballett der roten Schuhe basiert auf einem Märchen von Hans Christian Andersen
über ein Mädchen, das verrückt nach Tanzen ist.
Mit den roten Zauberschuhen werden ihre Träume wahr.
Aber als sie mit dem Tanzen aufhören will,
lassen die Schuhe es nicht zu.
Dieses Ballett war der Teil des Films, der Michael am meisten begeisterte.
Befreit von den Zwängen des Dialogs,
konnte er sich so richtig austoben und experimentieren,
er konnte frei mit Musik, Licht, Bildern,
Bewegung und Energie arbeiten.
Der radikalste Teil dieses Konzepts war,
das Ballett nicht so darzustellen,
wie das Publikum es sehen würde,
sondern wie die Tänzerin es in ihrem Kopf erleben würde.
Michael benutzte den Körper und die Körperlichkeit der Tänzerin,
um das Innenleben der Tänzerin auszudrücken.
Er nutzte körperliche Gesten, um seelischen Schmerz darzustellen.
Und dieser subjektive Ansatz
hatte einen sehr großen Einfluss auf das,
was ich mit den Boxszenen in Wie ein wilder Stier gemacht habe.
Als ich beobachtete, wie De Niro sich bewegte,
erkannte ich, dass es ein Tanz war, es war eine Choreografie.
Mir wurde auch klar, dass ich so viel wie möglich im Ring
und im Kopf des Kämpfers bleiben musste,
um es aus seiner Sicht zu sehen und zu hören.
...eine Rechte ans Kinn, eine harte Linke von LaMotta gegen den Körper.
Runde acht, und es ist noch alles...
So bekommt man einen Eindruck vom Kampf,
von der Schlacht, von der Anstrengung, vom Leid.
Visuell hat man genauso die Möglichkeit,
zu vermitteln, was Jake fühlt...
Eine harte Linke gegen den Körper, Robinson wird aus dem Ring getrieben...
und wie er das Geschehen im Ring wahrnimmt.
Das macht es sehr persönlich.
LaMotta hat die Kontrolle über den Kampf übernommen,
und die Siegesserie
des ungeschlagenen Sugar Ray ist in Gefahr.
LaMotta geht erneut auf ihn los.
LaMotta täuscht eine Linke vor...
Am Ende des Balletts in Die roten Schuhe
wird die Tänzerin von ihrer Leidenschaft ins Verderben geführt.
Das Ballett ist eine ekstatische Feier künstlerischer Pracht.
Aber es sagt auch, dass das Künstlerdasein
einen zerstört.
Es sagt, dass wahre Künstler:innen Kunst machen,
nicht weil sie es wollen,
sondern weil sie es müssen.
Es ist keine Wahl, sondern ein Zwang.
Das Besondere an Die roten Schuhe war natürlich, dass es um Kunst ging
und um nichts anderes.
Und nichts als Kunst, das Beste der Kunst, war genug.
Es steckt etwas von beiden, Michael und Emeric,
in der besessensten Figur des Films, Boris Lermontov.
Powell-Pressburger-Filme behandeln oft egozentrische, sprunghafte,
süchtige Persönlichkeiten.
Aber ich fühle mich von diesen Figuren angesprochen,
und es mag offensichtlich sein,
dass viele der Figuren, zu denen ich mich hingezogen fühle,
von Powells Helden beeinflusst sind.
Auch sie sind Antihelden, gebrochene, von Konflikten getriebene Menschen.
Erstaunlicherweise kann ich sogar
eine gewisse Ähnlichkeit zwischen Lermontov und Travis erkennen,
Travis Bickle aus Taxi Driver ,
weil sie beide Charaktere sind, die im Abseits stehen.
Sie hören zu, beobachten andere Menschen,
stets kurz davor zu explodieren.
Guten Abend, Mr. Craster.
Wird man Sie heute Abend in Covent Garden nicht vermissen?
Oh, um Gottes willen, lasst mich in Ruhe, ihr beiden.
Bitte Julian, warte bis nach der Aufführung.
Dann wird es zu spät sein.
Sie sind bereits zu spät, Mr. Craster.
Sag ihm, warum du ihn verlassen hast.
- Ich habe ihn nicht verlassen. - Oh doch, das hast du.
Niemand kann zwei Leben haben, und dein Leben ist das Tanzen.
Was das Drama in Die roten Schuhe
für mich so fesselnd macht, ist dieTatsache,
dass alle drei Hauptfiguren getriebene und gequälte Menschen sind.
Also, Vicky...
Ich liebe dich, Julian.
Niemanden außer dir.
Aber das liebst du mehr.
Ich weiß es nicht!
Ich weiß es nicht...
Wenn du jetzt mit ihm gehst, werde ich dich nie wieder zurücknehmen. Niemals!
Willst du unsere Liebe zerstören?
Jugendlicher Blödsinn!
Na gut, dann geh, geh mit ihm!
Sei eine treue Hausfrau!
Natürlich ist eine Szene wie diese sehr riskant.
Die Darbietungen werden auf die Spitze getrieben,
und man könnte das Ganze leicht als billig und kitschig betrachten.
Aber ich sehe es als eine impulsive und instinktive Steigerung der Realität.
Das Leben ist so unbedeutend.
Und von jetzt an wirst du tanzen!
Wie noch nie jemand zuvor.
Schlussendlich kommen Leben und Kunst zusammen,
und die roten Schuhe erlangen dieselbe Kraft im echten Leben,
die sie auch im Ballett hatten.
Ich werde nie dieses überaus lebendige Bild
von Moira Shearers Augen vergessen.
Als die Schuhe sie forttragen.
Ihr Gesicht, grotesk,
ein Anklang an eine antike Tragödienmaske.
Es ist so gewagt und extravagant und extrem...
Ich mochte... ich mochte, dass es manchmal außer Kontrolle zu geraten scheint.
Nicht die Emotionen der Figuren,
sondern die Emotionen der Leute, die den Film gemacht hatten.
Ihre Leidenschaft gerät außer Kontrolle.
Und ihre totale Hingabe zu ihrer märchenhaften Geschichte
erzeugt einen unvergesslichen Höhepunkt.
Nein!
Warum glauben Sie, war es Ihnen so wichtig,
jemanden zu zeigen, der für seine Kunst stirbt?
Ich glaube, weil ich es selbst tun würde.
- Wirklich? - Mhm.
Sie glauben mir nicht.
Als die Führungskräfte von Rank Die roten Schuhe sahen, hassten sie den Film.
Das Unternehmen wurde mehr und mehr von Bürokraten und Geldgebern übernommen,
die ihn als einen desaströs unkommerziellen Kunstfilm sahen.
„DIE ROTEN SCHUHE“ BEGEISTERT VON NEW YORKER KRITIKERN AUFGENOMMEN
Es waren zwei Amerikaner, Bob Benjamin und Arthur Krim,
die das Los des Films veränderten,
indem sie ihn ununterbrochen in einem einzigen Kino in New York laufen ließen.
„DIE ROTEN SCHUHE“ TANZEN NACH 2 JAHREN IMMER NOCH AM BROADWAY!
Von da an wurde er zum populärsten Film von The Archers.
Einer der besten und erfolgreichsten Filme,
die je gemacht wurden.
Für mich ist es der ultimative subversive und kommerzielle Film.
Er ist der Inbegriff von all dem,
was ich an Powell und Pressburger am meisten bewundere.
Als populäre Unterhaltung ist er eine absolute Genugtuung,
aber zugleich ist er wahnsinnig einfallsreich, tiefgründig,
komplex und kein bisschen tröstlich.
Es ist ein Film, der im Laufe der Zeit glorreich gerechtfertigt wurde.
Aber damals im Jahr 1949
waren Michael und Emeric so angewidert
von der Art und Weise, wie Rank mit dem Film umging,
dass sie sich von der Firma trennten.
Sie gingen zu London Films über
und schlossen sich erneut mit Alex Korda zusammen.
Alex war ein höchst angenehmes,
lebenslustiges Geschöpf,
und er konnte das Geld hervorlocken,
nicht nur von denen, die Geld hatten, sondern seltsamerweise
auch von Leuten, einigen Leuten, die überhaupt kein Geld hatten.
Was natürlich in einer Katastrophe endete.
Experten aus dem Hinterzimmer war der erste Film,
den sie unter ihrem neuen Vertrag machten.
Und er stellte einen weiteren verblüffenden Richtungswechsel dar.
Nachdem sie gerade ein großes Technicolor-Meisterwerk gemacht hatten,
beschloss Michael, klar,
einen kleinen Schwarzweißfilm zu machen.
„Ich musste der Romantik in die Realität entfliehen“,
wie er es ausdrückte.
Realität ist genau das, was The Archers,
so die Anklage, immer vermieden hatten.
Sie stellten sich nun also selbstbewusst der Kritik,
indem sie sich auf eine trostlose Reise entlang finsterer Straßen,
überfüllter Kneipen,
verwüsteter Wohnungen
und muffiger Büros begaben.
Aber was Michael an dem Film am meisten begeisterte,
war die gestörte psychologische Verfassung der Figuren,
ausgehend von Nigel Balchins Romanvorlage.
Ich brauche einen Drink.
Fordere mich auf, was zu trinken, Frau.
Trink, Sammy.
Whiskey?
Nein, danke, Susan. Ich trinke was von meiner guten Medizin.
Sammy, der Protagonist, ist ein Munitionsexperte,
der einen Fuß verloren hat und jetzt eine Prothese trägt.
Warum nimmst du das Ding nicht ab?
Du weißt doch, dass es hilft.
Nein.
Wenn du allein bist, schon.
Warum lässt du sie an, wenn ich hier bin?
Ist gut jetzt.
Man muss verstehen, dass man Ideen haben kann,
die den Krieg viermal gewinnen...
aber es wird trotzdem niemandem nützen, wenn sie sich nicht verkaufen lassen.
Wir sind hier doch nicht in einer Universitätsfakultät.
Nein, aber auch nicht in einer Werbeagentur,
wo Sie hingehören.
Hören Sie mal, Sammy,
Sie mögen sich für einen großen Wissenschaftler halten
und mich für irgendeinen Werbefritzen...
Aber Tatsache ist, wenn Sie Mist bauen, muss ich es bereinigen.
Und die andere Tatsache ist,
dass das, worauf Sie Ihren Ruf aufbauen, vor allem aus meinem Kopf kommt!
Ich bin weder Politiker noch Vertriebler, aber ich bin auch kein zehnjähriges Kind.
Sammy hat oft physische Schmerzen,
und das nährt sein Verlangen nach Whiskey, das er kaum unter Kontrolle bekommt.
Sammy?
Du könntest die Abteilung selbst leiten. Sogar Pinker sagt das.
Aber du willst dich den Dingen einfach nicht stellen.
Du bemitleidest dich selbst,
dabei gibt es alles Mögliche, wofür es sich zu leben lohnt.
Was ist so besonders daran, nur einen Fuß zu haben?
Du hast einfach nicht den Mumm!
- Hältst du jetzt die Klappe? - Jedes meiner Worte ist wahr.
Oh, Sammy, du bist ein solcher Narr!
Warum reißt du dich nicht zusammen, Sue?
Du machst dich zum Affen.
Wenn du dich das nächste Mal entscheidest,
während eines Dates einfach nach Hause zu gehen,
wäre ich dir sehr verbunden, wenn du es mir mitteilen würdest.
The Archers demonstrierten hier, dass sie, wenn sie wollten,
auch in der Lage sind, ernste Werke
in der Tradition des britischen Realismus zu schaffen.
Sie zügelten ihre Instinkte für das Fantastische und Komödiantische
und konzentrierten sich stattdessen auf die emotionale Wahrheit
einer komplizierten Liebesgeschichte.
Ich habe nachgedacht.
Wenn du mich wirklich für einen armen Tor hältst,
wie du heute Abend sagtest...
sollten wir uns wohl aus dem Weg gehen.
Der gleiche Gedanke ist mir auch schon gekommen.
Der fertige Film ist voller Wut und Schmerz,
und die Kritik liebte ihn.
Halt dich raus!
Das einzige Problem war, das Publikum hatte einfach kein Interesse.
Es wollte keine düsteren Geschichten,
die an das Elend der Kriegsjahre erinnerten.
Anstatt also ein Neuanfang zu sein,
erwies sich Experten aus dem Hinterzimmer als Sackgasse.
In typischer Manier
ging das Duo nun vom trostlosesten Film, den sie je gemacht hatten,
zu ihrem bis dato frivolsten Film über.
Alexander Korda hatte bei einer sehr profitablen Version
von Die scharlachrote Blume in den 1930er Jahren Regie geführt.
Und er wollte sie nun neu verfilmen, als Technicolor-Spektakel.
Sam Goldwyn würde das Hollywood-Geld aufbringen.
Und zum ersten Mal in ihrer Partnerschaft, machten Powell und Pressburger
etwas, was keiner von ihnen machen wollte,
ein Remake eines abgedroschenen Klassikers.
Niemand kann Ihnen helfen, nicht einmal Ihre Regierung.
Also, was sagen Sie?
Wie es scheint, haben Sie an alles gedacht.
Nun bleibt mir nichts übrig, als zu sagen...
Glückwunsch.
Sehr freundlich von Ihnen, Sir Percy.
Das Einzige, was sie mit dieser
schnulzigen, alten Geschichte anfangen konnten,
war, überschwängliche Unterhaltung daraus zu machen,
indem sie Humor und Musik einfließen ließen.
Es gibt darin einen frechen filmischen Witz, als Cyril Cusack
unkontrolliert niesen muss,
und als er niest, schneiden sie zu einem Feuerwerk.
Diese Bildsprache und Montage ist höchst verblüffend
und hat nichts mit der Handlung zu tun.
Ich meine, es ist ja nicht so,
dass vor den Mauern im Film ein Feuerwerk stattfindet.
Es ist einfach eine visuelle Metapher, die aus heiterem Himmel kommt.
Ich glaube, man... Man könnte es sogar
zu den frühen Stummfilmen zurückverfolgen,
wo man oft sehen konnte, was eine Person hörte.
Oder es ist eine Art Experiment wie in einem Avantgarde-Film,
wo alles Mögliche mit Bildern gemacht wird.
Aber dass Michael und Emeric dies hier taten,
mitten in einem Drama,
repräsentiert für mich die pure Freude am Filmemachen.
Aber damals, im Jahr 1950,
machte man sich in einer Abenteuergeschichte
nicht über die Handlung lustig.
Und Sam Goldwyn hasste sie dafür.
Alles, was er wollte, war eine Farbversion des Originalfilms.
Also mussten sie nachdrehen und nachschneiden,
und das Ergebnis war ein miserabler Kompromiss,
der niemanden zufriedenstellte.
Im selben schwierigen Jahr 1950
gingen sie eine weitere Koproduktion
mit einem anderen großen Hollywood-Produzenten ein:
David Selznick.
Dieses Mal hieß der Film Die schwarze Füchsin ,
eine feurige, folkloristische Geschichte aus Shropshire,
die auf einem Roman von Mary Webb basierte.
Selznick wollte, dass der Film ein Aushängeschild
für seine neue Frau Jennifer Jones wird,
die sich als großartig herausstellte.
Wir waren sehr froh, Jennifer Jones zu haben.
Aber weniger froh über Selznick.
Er war unsterblich in sie verliebt.
Und zutiefst besitzergreifend.
Und er hatte Angst, am Set zu erscheinen, wenn sie dort war,
weil sie was nach ihm werfen würde.
Man kann...
Man war sich also stets bewusst, dass hinter den Kulissen jemand starrte.
Im Bau!
Die schwarze Füchsin ist eine Art gotisches Meisterwerk.
Der Film ist voll von Michaels tiefer Empfindung für das Land,
die Natur und die Rituale des englischen Landlebens.
„Wenn alsbald ein wenig Mitternacht
auf die steilsten Steine am Gipfel von Gottes kleinem Berg klettert,
dann leg dein Tuch auf des Teufels Stuhl
und geh im Kreise um ihn herum.
Wünsch dir etwas.“
Wenn ich ins Jägergehölz soll...
Wenn ich es tun soll...
lass mich die Feenmusik hören.
Jennifer Jones’ Figur Hazel ist ein Naturkind
in einer Welt voller Fallen und Schlingen.
Sie sind hinter uns her, Foxy.
In welche Richtung wollen sie?
Jägergehölz! In diese Richtung!
- Sie werden dich kriegen! - Lass ihn fallen, sie kriegen dich!
Gib sie mir, du Närrin, gib sie mir!
Im Bau!
Das Problem war, dass Selznick sich weigerte,
ihren fertigen Film zu akzeptieren.
Am Ende war seine Vorstellung des Films...
eine andere.
Und er wollte, dass wir Änderungen vornehmen,
aber das wollten wir nicht.
Aber er hatte den Film für Nordamerika.
Also drehte er zusätzliche Szenen mit Jennifer,
ich glaube, Rouben Mamoulian führte Regie.
Selznick verklagte sie schließlich
und veröffentlichte seine eigene Version namens The Wild Heart .
Die zwei Versuche von The Archers,
kommerzielle Filme mit Hollywood-Produzenten zu machen,
endeten beide in einem Scherbenhaufen von Schuldzuweisungen und Klagen.
Der Wechsel vom Idealismus der Kriegszeit zum Kommerzialismus der Friedenszeit
erwies sich als äußerst schwierig.
Kreativ gesehen lief alles schief,
und die Partner mussten dringend zurück zu ihrer eigenen Art von Filmen finden.
Es war der Dirigent Sir Thomas Beecham,
der eine Verfilmung von Offenbachs Oper vorschlug: Hoffmanns Erzählungen .
Und Emeric griff die Idee auf.
Musik war immer seine erste Liebe unter den Künsten.
Emeric fand außerdem einen Geistesverwandten
im deutschen Schriftsteller Hoffmann.
Sie teilten ein Faible für das Magische, das Morbide und das Fantastische.
In der ersten Erzählung verliebt sich Hoffmann
in eine mechanische Puppe, Olympia.
Der junge Bursche dort, so schwör’ ich
Wird schon bald die Frage stellen
Wahrlich mein Freund...
Was Michael hier begeisterte,
war die radikale Idee, Oper als Kino neu zu denken,
indem er sie in Tanz verwandelte.
Vögel in waldigen Gefilden...
Er besetzte Tänzer:innen anstelle von Sänger:innen in den Hauptrollen.
Das brachte die Geschichten visuell zum Leben
und lenkte die Produktion in Richtung von Michaels Idealvorstellung eines Films,
der durchgehend choreografiert ist.
Das Ganze wurde wie ein Stummfilm gedreht,
und am Set lief stets die Musik dazu,
sodass die Darsteller:innen und die Crew
alle unter ihrem Bann standen.
Natürlich sind Bewegungen selbst zentral für die Kunst des Bewegtbilds.
Ich liebe es, wie sich eine Kamera bewegen kann.
Ich liebe es, von einer Bewegung zur nächsten zu schneiden.
Und in diesen besonderen Momenten, wenn sich alles genau richtig bewegt,
egal ob du am Set bist oder im Schneideraum,
fühlst du dich wie besessen von einer sehr starken Energie.
Wenn ich gefragt werde,
welche meine Lieblingsszene von allen Filmen ist,
denke ich immer an den Schwertkampf
in der Gondel in Hoffmann .
So geschmeidig und fließend...
Durch und durch körperlich, ganz und gar traumartig.
Es gibt überhaupt keine Soundeffekte.
Die Szene wirkt gleichzeitig sehr direkt...
und doch sehr distanziert.
Und das ist etwas, das keine andere Kunstform kann.
Das ist Film pur.
Praktisch alle Techniken des Kinos sind in Hoffmann zu finden.
Und es gibt absolut keine Ehrfurcht vor konventioneller Kontinuität.
Der Film übertrifft sich immer wieder selbst
mit der surrealen und überraschenden Natur seiner Bilderwelt.
Man hat ausgedehnte theatralische Effekte,
verbunden mit perfekten filmischen Details.
Wie die Bewegungen von Olympias Augen hier.
Und die Augen sind ebenso choreografiert, genau wie alles andere.
Das ist mir schon immer aufgefallen, besonders bei Robert Helpmanns Augen:
Nur ein Blick,
und es ist, als würde er fünf Schritte tanzen.
Eins von Michaels Lieblingsmantras war: „Alle Kunst ist eins.“
Weil er der Meinung war, dass man in einem Film
Literatur, Musik, Tanz, Schauspiel und Design zusammenbringen kann,
um eine Art totales Kino zu erschaffen,
das über die traditionellen Künste hinausgeht.
Mit Hoffmanns Erzählungen ist er dem am nächsten gekommen.
Er stellte auch die Erfüllung aller seiner abenteuerlichsten Ideen dar.
Ich meine, es handelt sich hier sowohl um einen komponierten Film,
wie im Falle des zehnminütigen Experiments in Die schwarze Narzisse ,
als auch um ein surreales Psychodrama,
wie im Falle des Balletts in Die roten Schuhe .
Das Ergebnis ist ein Film, der wie eine Sinfonie anmutet.
Man kann ihn immer und immer wieder sehen
und jedes Mal etwas Neues entdecken.
Er ist so nah am reinen Ausdruck, wie es ein Film nur sein kann.
Ein Bild nach dem anderen,
derart gestaltet, dass Gefühle auf sehr explizite Weise kommuniziert werden.
Am letzten Wochenende in New York wurde Geschichte geschrieben,
als das Metropolitan Opera House erstmals
in ein Kino verwandelt wurde.
Und der Grund war Hoffmanns Erzählungen ,
ein neuer britischer Film von London Films, der seine Weltpremiere
auf einer Gala zu Gunsten des Roten Kreuzes feierte.
Nach der großen Premiere in New York
erhielten Powell und Pressburger einen Brief
mit Gratulationen von einem ihrer Helden,
Cecil B. DeMille.
DANKE FÜR IHRE AUSSERORDENTLICHE COURAGE UND KUNSTFERTIGKEIT
Aber eine schmerzhafte Kontroverse entbrannte,
als der Film in Cannes gezeigt wurde,
Alex Korda fand, dass der dritte Akt zu langsam und langweilig sei
und dass er herausgeschnitten werden sollte.
Michael weigerte sich hartnäckig,
aber er hatte das Gefühl, dass Emeric auf Kordas Seite war.
Und das gefiel ihm nicht.
Es war das letzte Mal, dass Michael mit Korda arbeiten würde.
Und schlimmer noch,
es erschütterte das feste Fundament des Vertrauens zwischen ihm und Emeric.
Es folgten drei düstere Jahre,
während derer die Partner keinen einzigen Film zusammen drehten.
Michael war voller ambitionierter Ideen,
aber er bestand auf kreativer Freiheit.
Und wer würde ihm die jetzt geben,
da er alle Brücken zu Korda und Rank abgebrochen hatte?
Frustriert und ruhelos verbrachte er viel Zeit damit, die Welt zu bereisen.
Er war berühmt, ein wichtiger Mann,
aber er war nicht sicher, was er mit sich selbst anfangen sollte.
Michael träumte von abenteuerlichen Produktionen
mit großen Künstlern
und vielleicht finanziert durch das Fernsehen.
Und eine Idee war eine Geschichte aus der Odyssee
mit Orson Welles in der Hauptrolle, einem Libretto von Dylan Thomas
und Musik von Strawinsky.
Emeric war immer der Pragmatischere der beiden.
Er ging zurück zu Korda, um selbst einen Film zu drehen.
Das war eine Kindergeschichte namens Twice Upon a Time .
Aber der Erfolg blieb aus.
Das erschütterte und angeschlagene Duo versuchte, wieder in Schwung zu kommen,
mit allerlei neuen Projekten,
aus denen letztlich doch nichts wurde.
Es war einfach nicht viel Geld da für britische Filmproduktionen
in den frühen Fünfzigern, und es war schwer,
einen Deal zu machen, ohne dass sie ihre Unabhängigkeit verlieren würden.
Ich meine, wenn man einen Film machen und das Geld dafür haben will...
Du gehst überall hin, redest mit Leuten, du tust, was du kannst.
Aber Michael und Emeric waren diese Arbeitsweise nicht gewohnt.
Sie wollten an ihrer Unabhängigkeit festhalten,
und sie litten darunter.
Der Stress und die Mühen schienen die beiden Männer
in entgegengesetzte Richtungen zu treiben,
wobei Michael immer idealistischer und kämpferischer
und Emeric immer enttäuschter und frustrierter wurde.
Dann endlich hatten sie das nötige Kleingeld zusammengekratzt,
um Fledermaus 1955 zu machen.
Eine Neuauflage von Die Fledermaus ,
die ins Wien der Gegenwart versetzt wurde.
Der Slogan des Films passte zu ihrer damaligen Stimmung:
„Die Situation ist hoffnungslos, aber nicht ernst.“
Es scheint mir,
bei allem Respekt,
dass Folgendes passiert ist...
Der Film fängt vielversprechend an,
mit ganz und gar unverwechselbaren Designelementen
und einigen gewohnt ambitionierten Ideen.
So vielversprechend der Film auch beginnt, die Erwartungen kann er nicht erfüllen.
Rosalinda!
Es ist kein komponierter Film, wie ihre besten Musicals,
sondern etwas lockerer und weniger diszipliniert.
Und ich glaube, ihnen fehlte das notwendige Geld,
um ihre Ideen mit Überzeugung durchzusetzen.
Und der Champagner, den der Film anbietet, erweist sich zumeist eher als schal,
denn als prickelnd.
Emeric war sehr enttäuscht, dass die britische Öffentlichkeit
seine sehr europäische Vorliebe für die Operette nicht teilen wollte.
Und die Partner brauchten jetzt dringend einen Erfolg.
Der nächste Auftrag, den sie annahmen, war ein altmodischer Kriegsfilm namens
Panzerschiff Graf Spee .
Michael hatte viel Spaß beim Dreh,
weil er das Kommando über eine große Flotte
von Kriegsschiffen übernehmen durfte,
um die prächtigen Aufnahmen der Schiffe auf See zu bekommen.
Was den Bildern ihre spektakuläre Wirkung auf der Leinwand verlieh,
war die Tatsache, dass sie
im neuen Breitbildformat VistaVision gedreht wurden,
was so etwas wie das IMAX seiner Zeit war.
Man saß im Kino und hatte das Gefühl, auf dem Deck
von einem dieser Schiffe zu sein.
Das Ausmaß und die Klarheit waren zauberhaft.
Und wie aus dem Nichts hatte das Paar plötzlich wieder einen Kassenschlager.
Das Empire Theater am Leicester Square
war Anziehungspunkt für ein großes Publikum
von Londonern, die gekommen waren, um so viel wie möglich
von den Gästen der Royal Film Performance zu sehen.
Die junge französische Schauspielerin Brigitte Bardot zum Beispiel.
Und Frau Arthur Miller, die Sie wohl besser als Marilyn Monroe kennen.
Im Gespräch mit Frau Monroe
merkte Ihre Majestät an, dass sie Nachbarn in Windsor seien.
Aus dramaturgischer Sicht hatten sie erstmals
einen sehr konventionellen Film gemacht.
Mit nichts Überraschendem oder Neuem an sich.
...es ist Selbstmord, sie reißt sich selbst in Stücke!
Die Götterdämmerung.
Aber der Erfolg von Panzerschiff Graf Spee
bedeutete, dass sie plötzlich wieder Ansehen in der Branche genossen,
und Rank bot ihnen einen Fünfjahresvertrag für sieben Filme an.
Emeric wollte unbedingt annehmen, aber Michael befürchtete,
dass sie am Ende nur mittelmäßige Filme
mit mittelmäßigen Vertragsschauspielern machen würden.
Und er konnte sich nicht mit dem Gedanken anfreunden,
ihre Träume und ihre Autonomie aufzugeben.
Schließlich willigte er ein, nur einen Film für Rank zu machen,
und das war Ill Met by Moonlight .
Das Thema hätte ein großartiges für The Archers sein können.
Es basierte auf der wahren Geschichte von Paddy Leigh Fermor,
einem sehr britischen Helden,
einem Gentleman und Amateur,
dem es auf Kreta während des Zweiten Weltkriegs gelungen war,
einen deutschen General zu entführen.
Na los!
Das Problem an dem Film ist, dass Emeric die Geschichte
auf eine unaufgeregte, dokumentarische Weise erzählen wollte,
während Michael einen großen romantischen Film machen wollte.
Wieder einmal ermöglichte die VistaVision-Kamera
einige sehr schöne Bilder.
Aber im Kern war der Film verworren und uninspiriert.
Michael fand, dass Emeric müde und ängstlich geworden war
und dass er all sein Feuer und seinen Ehrgeiz verloren hatte.
Emeric hatte das Gefühl, dass Michael verrückt
und in jeder Hinsicht völlig unvernünftig geworden war.
Michael hasste, dass Rank Dirk Bogarde für die Hauptrolle gewählt hatte.
Komm schon, gib das Signal.
Zuckerbäcker, ZB.
Wie signalisiert man „Zuckerbäcker“?
Kennen Sie nicht den Morsecode?
Ich? Aber sind Sie nicht...
Nein.
Also...
Kennen Sie den Morsecode?
Aber natürlich.
Sind Sie nicht Berufssoldaten?
Großer Gott, nein.
Ist der Major hier?
Nein, ein Amateur,
ein distinguierter Amateur, aber dennoch ein Amateur.
Michael wurde die Genehmigung verweigert, auf Kreta zu drehen,
also musste er den Film stattdessen in Frankreich drehen.
Zusammengenommen war es eine strapaziöse und problematische Produktion,
an die niemand wirklich glaubte.
Als Michael den Film 30 Jahre später sah,
war selbst er überrascht, wie schlecht er war.
Er fand die Schauspielleistung mittelmäßig und die Kameraführung fehlerhaft.
Und selbst 1957 muss das Ganze schmerzlich altmodisch ausgesehen haben.
„Das Drehbuch war nicht gut und die Handlung war schwach“, sagte er.
„Die Witze waren wenig originell
und die Überraschungen
nicht überraschend.“
Während des Schnitts sah das Powell-und-Pressburger-Team ein,
dass sie die Dinge nicht mehr auf dieselbe Weise sahen,
und sie beschlossen, ihre Partnerschaft aufzulösen.
Ich war nicht gerne an Fakten gebunden.
Ich habe gelesen, dass Sie sich gegen
diese Art von Realismus gewehrt haben und
mehr Fantasie wollten.
Oh ja. Und...
Und so sind wir darüber irgendwie auseinander gedriftet.
Aufgrund dieses Themas.
Aber Sie haben sich nicht gestritten, dass die Fetzen flogen und...
Nein, nein.
Sie haben ihm deswegen nicht den Handschuh vor die Füße geworfen
und sind wutentbrannt abmarschiert...
Nein, es war einfach eine recht traurige wechselseitige Kluft.
Eine wechselseitige Kluft gibt es...
Eine traurige Kluft, die sich zwischen zwei liebenden Menschen aufgetan hatte.
So fasste Emeric die Partnerschaft einmal zusammen:
„Ich hatte immer das Gefühl, dass wir Amateure in einer Welt von Profis waren.
Amateure sind so viel näher an dem, was sie tun,
und sie sind von Enthusiasmus getrieben,
was so viel kraftvoller ist als das, wovon Profis angetrieben werden.“
Wir werden immer gefragt, wie wir es geschafft haben,
so lange zusammenzuarbeiten.
Etwa 18 Jahre.
Die Antwort lautet...
Liebe.
Eine Zusammenarbeit
in jeglicher Hinsicht
ist ohne Liebe nicht möglich.
Emeric und Michael blieben immer gute Freunde,
und keiner von beiden sagte jemals ein schlechtes Wort über den anderen.
Ich begann, Romane zu schreiben. Sehr, sehr wenige, nur zwei.
Und...
Nun ja, ich finde, es sind schöne Romane.
Mark, was für ein hübscher kleiner Junge.
Wer ist er?
Ich.
Natürlich bist du es.
Und wer hat das dann gefilmt?
Mein Vater.
Michael drehte einen weiteren großartigen Film ohne Emeric.
Ah! Was ist das?
Das war Augen der Angst .
Und für mich repräsentiert er Michaels Entschlossenheit,
weiter zu experimentieren.
Mark, was machst du da?
Ich wollte filmen, wie du den Film siehst.
Nein, nein!
Michael baute sogar sich selbst in diese Geschichte ein,
indem er sich als tyrannischen Vater besetzte,
der sein eigenes Kind terrorisiert, um seine Angst zu studieren.
Was macht er da?
Er gibt mir ein Geschenk.
Was denn?
Kannst du es nicht erraten?
Eine Kamera.
Das Kind wächst zu einem Mörder heran.
Und das Beunruhigendste daran ist
natürlich, dass Verständnis für ihn gezeigt wird.
Als ein scheuer und leidender Mensch.
Mach das aus, Mark!
Mark, mach das aus!
Sein Problem ist, dass ihm diese Welt fremd ist,
und wirklich lebendig und ganz
fühlt er sich nur in den Bildern,
die er aus der Vernichtung anderer erschafft.
Jede Nacht schaltest du diese Filmmaschine ein.
Was sind das für Filme, dass du es nicht erwarten kannst, sie anzuschauen?
Welchen Film zeigst du gerade?
Nimm mich mit in dein Kino.
Ja.
Die Atmosphäre, die den ganzen Film durchdringt,
ist von einer überwältigenden Traurigkeit.
Was sehe ich da, Mark?
Warum antwortest du nicht?
Oh!
Er taugt nichts.
Ich hatte es befürchtet.
Was?
Die Lichter erlöschen zu früh.
Der Film verstört und überschreitet Grenzen,
aber er ist zugleich sehr rührend,
denn im Kern verbirgt sich dieses radikale Mitgefühl,
das dich auffordert, mit jemandem zu fühlen,
der ein Wahnsinniger und ein Mörder ist.
Was glaubst du, was du verdorben hast?
Eine Gelegenheit.
Jetzt muss ich eine andere finden.
Sieh sie dir an, Helen.
Sieh sie dir an, verabschiede dich,
bei einer nach der anderen.
Ich habe es so oft durchgeplant.
Helen!
Ich fürchte mich.
Nein, nein, Mark!
Und ich bin froh...
fürchte ich.
„Ich war zutiefst schockiert, dass ein Regisseur von seinem Rang
die Leinwand mit solch perversem Unsinn beschmutzte.“
„Über Michael Powells Augen der Angst lässt sich nur eines sagen: Ekelhaft.“
„ Augen der Angst ist so widerlich wie kein zweiter britischer Film
seit Die Würger von Bombay .“
„Die einzige wirklich befriedigende Art, Augen der Angst zu entsorgen,
wäre, ihn aufzuschaufeln und schnell den nächsten Abwasserkanal herunterzuspülen.“
Ich glaubte an den Film, sie nicht.
Er verschwand für 20 Jahre.
Und ich verschwand mit ihm.
Ich war nicht länger kreditwürdig.
Ich war zu unabhängig.
Ich wollte meinen Willen haben.
Das andere, was gegen Michael sprach, war die Tatsache, dass es inzwischen
die 60er Jahre waren.
Tony Richardson, Karel Reisz,
Lindsay Anderson machten frische, energische,
bilderstürmerische Filme in der Tradition des Dokumentarfilms,
die an die Ideen der europäischen Neuen Welle anknüpften.
Ron hier, ich will mit dir reden!
Für diese jungen Männer stellte Michael eine längst vergangene Ära dar.
- Gib mir mein Geld zurück! - Sag an!
Schnitt!
Ich gehe aus dem Bild, aber ihr folgt mir gar nicht?
- Nein, wir folgen dir nicht. - Oh, dann ist es gut. Alles klar, gut.
Oh, tut mir leid...
Nein, ich hatte bei dieser Aufnahme das Gefühl,
dass mein Mund ein bisschen zu weit geöffnet war
und dass ich mir ein bisschen zu viel über meine Lippen geleckt habe.
Irgendwie hab ich das gemacht...
Wollen wir das nochmal machen?
Action!
Nach langem Ringen gelang es ihm,
zwei Low-Budget-Filme in Australien fertigzustellen.
Mrs. Ryan, ich muss mit Ihnen reden!
Ich muss mit Ihnen...
Einschließlich diesem,
Das Mädchen vom Korallenriff, mit Helen Mirren und James Mason.
- Gib mir das Geld zurück, das ist meins! - Du hast es mir gestohlen!
Cut!
Es war nie wirklich ein Tauziehen mit euch beiden am Tau.
Wäre es wirklich ein Tauziehen und dein Leben hinge davon ab...
Und wenn du verlierst, bist du erledigt...
Cora!
Spielt.
Cut!
Es war wundervoll, Darling.
Wunderbar. Geht es dir gut?
Das war sehr klug.
Sind alle zufrieden?
Er konnte es nicht wissen, aber dies würde sein letzter Spielfilm sein.
Er war nie wieder in der Lage,
das Geld für einen weiteren Film aufzubringen.
Sie ist tot.
Großmutter?
Und es war in ebendiesen Jahren,
als Michael zu kämpfen hatte und in Vergessenheit geriet,
dass Leute wie ich und Francis Coppola
seine Arbeit auf der anderen Seite des Atlantiks entdeckten.
Und unser großes Glück war, dass wir die Powell-Pressburger-Filme
ohne jegliche kulturelle Vorbelastung schauten.
Wir hatten keine Vorurteile in Bezug darauf, wann sie gemacht worden waren
oder wie sie rezipiert wurden.
Wir sahen sie einfach als unterhaltsame Filme
und manchmal als wunderbare Kunstwerke.
Wir sahen alle möglichen britischen Filme, ob es nun Grierson oder Jennings war,
David Lean oder Carol Reed, Hitchcock oder Powell und Pressburger...
Und wir hielten keinen bestimmten Stil für besser als die anderen.
Für uns spiegelten sie alle verschiedene Aspekte eines Volkes wider:
Die Briten.
Und all dem gegenüber waren wir offen.
Als ich Michael richtig kennenlernte,
schien er mir wirklich durchdrungen vom Geist und der Seele Großbritanniens.
Und es war mein großes Glück in den 1980er Jahren,
dass er und Emeric endlich wiederentdeckt
und auch in Großbritannien neu bewertet wurden.
Ich kann gar nicht beschreiben, wie sehr es mich rührt
und wie glücklich ich bin, heute Abend diese Auszeichnung überreichen zu dürfen.
Eine Auszeichnung, die, wie ich zutiefst empfinde,
lange, lange überfällig ist.
Diesen beiden Giganten des Kinos,
die für 20 Jahre so gut wie in Vergessenheit geraten waren,
wurde endlich die Ehre und der Respekt zuteil,
die sie verdient hatten.
Im Jahr 1984 heiratete Michael
meine langjährige Cutterin, Thelma Schoonmaker,
die alle meine Filme seit Wie ein wilder Stier geschnitten hat.
Sie lebten hier in New York, und Michael wurde zu einem Freund
und zu einer Konstante in meinem Leben.
Er war ein Mann, der seit 25 bis 30 Jahren keinen Film mehr gemacht hatte.
Und doch plante er jeden Tag einen.
Wenn ich schwere Zeiten durchmachte, war er eine enorme Stütze.
Ich weiß noch, als ich mit King of Comedy fertig war
und wirklich an einem Tiefpunkt war...
schien Michael irgendwie zu verstehen, was ich gerade durchmachte.
Er war nie...
Er war nie aufdringlich.
Aber er war in der Lage, persönlich mit mir darüber zu sprechen,
aufgrund der Erfahrungen,
die er im Laufe seines sehr langen kreativen Lebens gesammelt hatte.
Und seine Stimme war ganz anders
als die Stimmen der anderen um mich herum zu dieser Zeit.
Er war stets voller Tatkraft,
und er blieb sich treu.
Selbst dann, als man ihn scheinbar vergessen hatte.
Diese Kraft war mir eine Stütze in Zeiten der Zweifel
und der Verzweiflung.
Ich blicke heute darauf zurück
und finde es außerordentlich, dass ich Michael Powell persönlich kannte,
16 Jahre lang.
Und er war nicht nur eine Stütze, sondern auch ein Wegweiser.
Er trieb mich an, gab mir Selbstvertrauen,
sorgte dafür, dass ich mutig blieb in meiner Arbeit.
Gut, Leute, kein Problem.
Der ist weg. Was ist? Okay, ja.
Ich werde nie in der Lage sein, wirklich zu verstehen oder auszudrücken,
warum er mir so viel bedeutete und warum er immer bei mir sein wird.
Und dieser Gedankengang
führt immer zurück zu diesen Filmen, die er mit Emeric gemacht hatte.
Ich verabschiede mich jetzt, June.
Auf Wiedersehen, auf Wiedersehen, June.
Hallo, G für George. Hallo, G-George?
David Niven, der Kim Hunter über Funk auf Wiedersehen sagt
in Irrtum im Jenseits ...
Lass es klingeln.
Die hocherotischen Szenen zwischen Kathleen Byron und David Farrar
in Experten aus dem Hinterzimmer ...
Die Kamera, die sich nach oben und weg vom Duell bewegt
in Leben und Sterben des Colonel Blimp .
Bestimmte Filme sieht man sich ständig an, man lebt mit ihnen.
Je älter man wird, desto tiefgreifender werden sie.
Ich bin mir nicht sicher, warum, aber es ist wahr.
Für mich ist dieses Gesamtwerk eine wundersame Gegenwart,
eine ständige Energiequelle
und eine Erinnerung daran,
worum es im Leben und in der Kunst geht.
Wenn Sie zurückblicken,
glauben Sie, dass die Briten Sie beide...
vielleicht nicht richtig zu schätzen wussten?
Wann haben die Briten ihre großen Männer jemals zu schätzen gewusst?
Cut.
Ich hoffe, dass das geschnitten wird.